Музей

[Николай-СПб]

Bikulina,
olgvik,
Iryna13,
спасибо вам за отзывы!

Насчет Башни, трудно сказать какую имела в виду библия, поскольку этот зиккурат и разрушался и восстанавливался на протяжении по крайней мере полутора тысяч лет. А библия источник молодой, да еще и пристрастный, ей про башню верить нельзя )

[Iryna13]

Николай-СПб, нет, я не о Библии, а исключительно о своём представлении . В моей голове сложилась совершенно другая картинка. Этот вариант башни мне тоже нравится

[Николай-СПб]

Iryna13, у меня тоже в первую очередь всплывает что-то спирально-брейгелевское ). Но хотя в Вавилоне знали арку, в плане здания строили только прямоугольными, а вверх шли ступенями, без наклонных стен

[Iryna13]

Iryna13, у меня тоже в первую очередь всплывает что-то спирально-брейгелевское ). Но хотя в Вавилоне знали арку, в плане здания строили только прямоугольными, а вверх шли ступенями, без наклонных стен

Спасибо! И снова, благодаря Вам, пополнила копилочку знаний 😁

[ulitochka]

Николай-СПб, спасибо большое за этот репортаж. Я впервые слышу об этом художнике. Картины очень впечатляют.

[Iryna13]

Николай-СПб очень интересно и увлекательно. Башню совсем по-другому представляла. Реконструкция удивительна! Спасибо большое!

[Николай-СПб]

"Рисовать ребенка - это рисовать город" - сказал Виктор Гюго, и эта его фраза могла бы стать эпиграфом к творчеству французского художника Фернана Пелеса (Fernand Pelez, 1843-1913). Пожалуй никто из его французских современников не показал парижских "отверженных" так обобщающе точно, так беспощадно по отношению к обществу, но и с таким состраданием и участием.

Мученик (Продавец фиалок), 1885. Малый Дворец, Париж



Фернан Пелес родился в семье художников и получил академическое образование. Его первые работы лежали в традиционном "салонно-историческом" русле. Но начиная с 1880-х годов художник стал писать необычайно реалистические сцены из жизни бедных людей, которых он видел вокруг. Своими картинами бездомных семей, нищих, бродячих артистов, Пелесу удалось передать подлинный жгучий нерв окружающей действительности, и именно это отличает его от современников. Это и сегодня берет за душу в его работах.

Бездомные, 1883. Малый Дворец, Париж



Картины Пелеса неудобные, тревожные, часто откровенно удручающие. Его работа "Бездомные" показывает изможденную уставшую мать и ее пятерых детей, живущих на улице. Женщина и один из мальчиков смотрят на зрителя. Глаза матери пусты, в них уже нет надежды, а глаза мальчика еще вспыхивают упрямством и возмущением. Одежда семейства протерта до дыр, только мать и старшая дочь (которая, по-видимому, уже работает) носят обувь. Справа стоит весь их нехитрый скарб, а слева на стене как насмешка судьбы расклеены объявления о праздниках и танцах.


Фернан Пелес. Фотография ателье Бyaйе, 1890.


Художник говорил, что каждая из его картин - это страница из книги о парижской бедноте. Он и сам жил в небогатом парижском районе Батиньоль, бывало что и бедствовал. "Почему меня больше всего интересуют те, кто страдает? Я не знаю! Я рассказываю историю, вот и все!" - восклицал он.


Жертва или Задохнувшаяся, 1886 (фрагмент). Музей искусства и археологии, Санлис.

Фото - Mikael Martin

На этой картине по-видимому изображена девушка, отравившаяся угарным газом от недогоревших в печке дров. Трудно сказать, умерла она или лишь упала, потеряв сознание. Натруженные темные ладони говорят о тяжелой работе, которая возможно продолжалась всю ночь.


Маленький нищий, 1886. Малый Дворец, Париж


Пожалуй, самое говорящее в картине - это грязные ноги мальчика, выглядывающие из под длинного взрослого пиджака.


В 1888 году на ежегодном парижском салоне Пелес показал свою самую амбициозную работу: громадное пяти-секционное полотно длиной более шести метров. Оно посвящено бродячим цирковым артистам.

Маски и страдания. Бродячие артисты, 1888. Малый Дворец, Париж.
[/a]

Картина произвела большое впечатление и на публику, и на критиков. Ее главная тема - мрачный контраст между целью развлечения публики заезжей цирковой труппой, и настоящей меланхолией и глубоким одиночеством самих артистов.

Полотно состоит как бы из нескольких мини-историй, каждая из которых имеет свой сюжет. В левой части - единственный на картине контакт между персонажами: девочка смотрит на уставшего или плачущего мальчугана. Не случайно, наверное, что эта визуальная связь отдана самым младшим членам труппы, которые еще не успели очерстветь.




Старшие девочки уже совсем обособлены, эмоций на лицах почти нет, они знают, что скоро для них начнется рутинная работа.




Наиболее активен клоун в центре холста, но и здесь мы видим не живое чувство, а искусную маску профессионального артиста




Великолепен карлик. Самый маленький по росту и помещенный ниже других в композиции, он оказывается сильнее всех психологически, взирая на зрителей сверху вниз с презрительно-королевским достоинством. Не знаю, ставил ли такую задачу Пелес, но у меня этот образ сразу ассоциировался с портретами Филиппа IV кисти Веласкеса.




"Французский оркестр" - завершающий сюжет картины, ее самая темная и самая тяжелая часть. Заметьте, все длинное полотно разворачивается слева направо в единую историю, словно иллюстрируя жизнь бродячего артиста с его юных лет и до самой старости, от маленького плачущего мальчика и до опустошенного старика, не имеющего ни надежд, ни желаний.




Впоследствии, Пелес больше не смог повторить успеха "Бродячих артистов". Его работы продавались все хуже, а критика не обращала на него внимания. Возможно злую шутку сыграла с художником его академическая техника, проигрывавшая на фоне революционных живописных течений того времени. Ну и конечно реалистичные картины с беднотой Парижа не могли понравиться ни французским аристократам, ни нуворишам-буржуа, которые копировали спесь и привычки высших слоев.


Маленький продавец лимонов, 1895-1897. Музей изящных искусств, Шамбери

Фото - Википедия

"Маленький продавец" стал одной из фигур крупной работы Пелеса, названной "Вашалькада" (от французского vache - корова). На нем изображены фигуры карнавального шествия бедноты, проводившегося на Монмартре в конце XIX века.

Вашалькада, 1895-1900. Малый Дворец, Париж

Фото с сайта Малого Дворца

Дети словно позируют невидимому фотографу, пародируя традиционный буржуазный портрет. К знамени бедноты, поднятом на заднем плане, привязана дохлая крыса, символ монмартрского кабачка с одноименным названием.

"Вашалькада" никогда не показывалась на выставках и не покидала студии Пелеса. Рынок живописи во Франции был монополизирован аристократами и представителями привилегированных сословий. Пелес со своим реализмом не мог вписаться в их систему ценностей. На Салоне 1896 года не было продано ни одной его картины, что граничило с финансовой катастрофой. Оскорбленный и гордый художник продолжал работать, но в знак протеста полностью отказался показывать свои картины на парижских выставках. Он замкнулся в свой студии на Монмартре - так Фернан Пелес и сам стал отверженным, пусть и добровольным.


Из эскизов для неоконченной работы "Кусок хлеба", ок. 1908. Малый Дворец, Париж


"Кусок хлеба" был единственной работой, заказанной Пелесу государством. Картина должна была изображать очередь в бесплатную муниципальную кухню. Пелес начал работать над эскизами фигур в 1900 году и закончил десять из них к 1908 году.


Танцовщицы, 1905. Малый Дворец, Париж


Здесь показана одна из артистических уборных парижской Оперы. Ее интерьер резко контрастирует с роскошью других помещений Гранд Опера: балет в те годы был в упадке. Танцовщицы получали мизерную зарплату (особенно в кордебалете) и охотно позировали даже бедным художникам за самое незначительное вознаграждение.


После кончины Пелеса в 1913 году, его сестры передали все картины художника, хранившиеся в мастерской, городу Парижу. Так они попали в запасники Малого Дворца, который тогда, как и сейчас, был городским музеем. Там картины провели в забвении долгих сто лет. Только в 2009 году Малый Дворец организовал выставку-ретроспективу Пелеса и с этого времени о художнике заговорили вновь. К сожалению, я не был на той выставке, но после нее многие работы художника остались в залах музеяа. Когда я недавно увидел их, то пройти мимо не смог - захотелось поделиться.

Прачечная, 1880. Малый Дворец, Париж


Это одна из самых ранних работ Пелеса на тему жизни простых людей. Ею можно было бы открыть эту запись, но я решил поставить ее как закрывающую скобку, отсылающую к началу.

Общество равнодушно проходит мимо трудных и неприкрашенных картин, ему больше интересны скандалы, гламур, в крайнем случае - лубочные жанровые сценки, но вовсе не свое отражение в правдивом зеркале. Впрочем, "но ведь это всегда было... люди как люди... обыкновенные люди... в общем".

Посмотрим, какое место займет Фернане Пелес во французской живописи лет этак через пятьдесят...

[Iryna13]

Николай-СПб, спасибо! Впечатляет, очень впечатляет...

[Николай-СПб]

Iryna13, ulitochka, спасибо за отклики! Я сам только-только открыл для себя этого художника - шел по Малому дворцу и как застопорило меня у его картин.

[Stroka]

Николай-СПб, необыкновенно реалистично, тоже не знала этого художника, заставляет смотреть снова и снова, спасибо

[Николай-СПб]

Дали-скульптор во многом отличается от Дали-художника: он строже, лаконичнее и, как мне показалось, реалистичнее, если такое выражение уместно применительно к сюрреализму. Складывается ощущение, что скульптуры Дали - это объемные варианты его картин, очищенные от многих деталей, доведенные до логического завершения и как бы поднятые на уровень обобщения идеи.

Возможно, это влияние плотности реального материала, который сопротивлялся бурной фантазии художника, ранее безудержно выплескивавшейся на плоскость холста. Возможно, результат осмысления и переосмысления своих же собственных живописных работ - а практически все скульптуры Дали есть повторения и развитие мотивов, появлявшихся в его рисунках и картинах. Возможно, наконец, это лишь мое субъективное впечатление, сложившееся под влиянием события и места - выставки скульптур Дали в петербургском музее Эрарта.


Главный зал выставки "Скульптуры Сальвадора Дали". Музей Эрарта, Санкт-Петербург



Прошедшая петербургская выставка - это продолжение путешествия скульптур Дали, заказанных и собранных Беньямино Леви, президентом компании Dali Universe, другом художника, знатоком его творчества и страстным коллекционером его работ. Ранее эти скульптуры показывались в Париже, Шанхае, Флоренции, Нью-Йорке, Лос-Анджелесе. Они были отлиты в бронзе при жизни художника по созданным им эскизам и восковым моделям методом "вытеснения": вокруг восковой модели создавалась керамическая форма, затем воск расплавлялся и сливался, а на его место в форму заливался горячий металл.

Dali Universe владеет и Центром Сальвадора Дали на Монмартре, где располагается крупнейшая выставка скульптур художника. Но честно скажу, работы, представленные в прекрасно организованной питерской экспозиции, произвели на меня гораздо большее впечатление, чем парижские. Да и не видел я в Париже многих из представленных в Питере скульптур - на Монмартре они меньшие по размеру, и словно не так детально проработанные.


Улитка и ангел, 1980. По рисунку 1977 года


Эта скульптура занимает особое место во вселенной Дали, поскольку она отсылает ко встрече художника с Зигмундом Фрейдом, которого Дали считал своим духовным отцом. Улитка, примостившаяся на сидении велосипеда, стоявшего неподалеку от дома Фрейда, поразила воображение Дали. И улитка, общепринятый символ праздного времяпровождения, получила здесь крылья и легко движется по волнам. Крылатый посланник богов, на короткий миг присел на спину улитки, наделив ее даром движения.

(Здесь и далее курсивом даны выдержки из выставочных описаний скульптур. Насколько я понимаю, это переводы на русский язык англоязычных табличек из Парижского центра Дали).


Женщина в огне, 1980.


Эта скульптура объединяет два постоянных мотива Дали: огонь и женскую фигуру с выдвижными ящиками. Кажется, что пламя живет своей жизнью, представляя скрытое напряжение бессознательного желания. Вместе с тем выдвижные ящики отсылают к тайне и сокрытому. Эта прекрасная женщина без лица становится символом всех женщин, ведь для Дали настоящая красота женщины заключается в тайне.

"Женщина в огне" отсылает к одной из ранних программных работ художника под названием "Пылающий жираф", которая создавалась в период гражданской войны в Испании.

Пылающий жираф, 1937


На переднем плане изображена фигура женщины, с протянутыми вперед руками. И руки, и лицо женщины окровавлены. Голова, лишенная глаз, исполнена отчаяния и беспомощности перед надвигающейся катастрофой. Позади двух женских фигур изображены костыли-подпорки - мотив, который многократно появлялся затем в произведениях Дали, символизируя слабости человека.


Ликующий ангел, 1984. По рисунку 1976 года.


Невесомые ангелы, способные преодолеть притяжение Земли, становятся лирическим выражением мира сна и фантазии Дали. Художник однажды сказал: "Ничто не вдохновляет меня так, как идея ангела!". С концах 40-х годов, когда художник начинает вплетать в свои работы религиозные темы, ангелы часто появляются в его работах. Эта скульптура изображает ангела с расправленными крыльями и запрокинутой головой, играющего на трубе божественную музыку и передающего ликующую весть всем, кто его услышит.


Дань моде, 1984. По гуашевому оригиналу 1974 года.


Отношения Дали с высокой модой завязались в 1930-е годы благодаря работе с Коко Шанель, Эльзой Скиапарелли и журналом Vogue и продолжались всю его жизнь. Голову этой удивительной Венеры, застывшей в позе супермодели, украшают розы - самые изысканные цветы. Ее лицо лишено черт, что позволяет поклоннику воображать такое лицо, какое он пожелает. На одно колено перед ней встал джентльмен, "денди", отдающий дань этой музе XX века.

Поклонение моде, 1971



Алиса в Стране чудес, 1984. По гуашевому оригиналу 1977 года.


Алиса - один из самых любимых героев Дали. Она вечный ребенок, отвечающий на путаницу мира Зазеркалья несокрушимой наивностью детства. После встречи с жителями этого фантастического мира она возвращается в действительность не только невредимой, но и неизменившейся. В скульптуре Дали скакалка Алисы превратилась в плетеный шнур, символизирующий повседневную жизнь. Ее руки и волосы расцвели розами, олицетворяющими женскую красоту и вечную молодость.

Рисунок-прототип, 1977



Поклонение Терпсихоре, 1984. По рисунку 1977 года.


Терпсихора - одна из девяти прославленных мифологических муз. Интерпретируя образ музы танца по-своему, Дали создает два зеркальных образа, противопоставляя мягкую и чувственную фигуру твердой и застывшей. Отсутствие черт лица подчеркивает символическое звучание композиции. Танцовщица с плавными классическими формами представляет Грацию и бессознательное, в то время как угловатая, кубистская вторая фигура говорит о постоянно растущем и хаотичном ритме современной жизни.


Леди Годива и бабочки, 1984. По рисунку 1976 года.


Одним из любимых персонажей великого мастера сюрреализма была Леди Годива. Создавая эту скульптуру, Дали прославляет ее чувственный и женственный образ. Бабочки, объявляющие о прибытии Леди Годивы, не только парят вокруг нее и ее благородного коня, но и украшают ее тело, пока она играет на трубе. Леди Годива воплощает земную красоту, в то время как бабочки представляют бесплотный потусторонний мир.

По средневековой легенде, прекрасная Леди Годива была женой графа Леофрика. Подданные графа страдали от непомерных налогов, и Годива безуспешно упрашивала своего мужа их снизить. Однажды на пиру, будучи пьяным, Леофрик пообещал снизить налоги, если его жена проедет обнажённой на лошади по улицам Ковентри. Граф был уверен, что его условие невыполнимо, но Леди Годива сделала этот смелый шаг, поставив интересы своего народа выше личной чести и гордости. Жители города, любя и уважая свою госпожу, в назначенный день закрыли ставни и двери своих домов, и никто из них не вышел на улицу. Граф, поражённый самоотверженностью жены, сдержал свое слово.

Рисунок - прототип скульптуры


Леди Годива и бабочки, деталь



Космический слон, 1980


Из рассказа Беньямина Леви, президента Dali Universe: "Моя любимая скульптура - «Космический слон». Она как раз вызвала у нас с Дали настоящие баталии. Он хотел сделать слону ноги с тремя пальцами, как у птиц. Мне казалось, что это не очень понравится публике, что такое решение не будет удачным с коммерческой точки зрения. Я предложил Дали поставить слона на ноги лошади. Но он не хотел! К счастью, вмешалась супруга Дали - Гала. Она сказала: «Сделай так, как месье Леви хочет». И Дали поменял работу. Гала очень любила деньги. А Дали, честно говоря, было все равно - он не знал цены деньгам, у него всегда было пусто в кармане. Для него деньги ничего не значили, но Гала была другой - она деньги любила."

Скульптура "Космический слон" олицетворяет важный для Дали символ, родившийся в 1946 году, когда художник работал над знаменитым полотном "Искушение святого Антония". Образ слона, несущего по египетской пустыне обелиск, был создан Дали как символ присутствия и развития технологий в современном мире. На картине четыре слона бредут на паукообразных ногах, означающих желание, и предлагают дары искусства, красоты, силы, наслаждения и знания.

Искушение Святого Антония, 1946. Королевский музей изящных искусств, Брюссель.



Космическая Венера, 1984. По гуашевому оригиналу 1977 года


Венера - богиня красоты. Дали, воздавая должное женской фигуре, наделяет ее своими особыми элементами. В основе скульптуры лежит классическая форма мраморной статуи женского торса, к которой добавлены четыре элемента: мягкие часы, яйцо, два муравья и разделение тела на две части. Перекинутые через шею часы сообщают две противоположные идеи. С одной стороны, красота плоти временна и непременно исчезнет. С другой стороны, красота искусства вечна и находится вне времени.

Космическая Венера, деталь


Муравьи служат напоминанием о человеческой смертности и непостоянстве. Между двумя частями «Космической Венеры» мы видим яйцо, которое, как и муравей, было любимой темой Дали. Оно воплощает в себе двойственность твердой внешней оболочки и мягкого содержания. Яйцо оказывается положительным символом, олицетворяющим жизнь, возрождение, воскрешение и будущее.


Единорог, 1984. По рисунку 1977 года.


Легенды изображают единорога символом чистоты. Его рогу приписывают способность обезвреживать любой яд. Это мифическое животное также ассоциируется с целомудрием и девственностью, как мужской, так и женской. По этой причине его образ стал условным изображением или эмблемой благородного рыцаря. Кроме того, некоторые легенды представляют единорога символом мужественности. Дали решил изобразить его как некую фаллическую фигуру, чей рог пронзает каменную стену сквозь отверстие в форме сердца, из которого стекает капля крови. Чувственную природу скульптуры подчеркивает фигура лежащей на переднем плане обнаженной женщины.

"Агония любви", 1978.



Адам и Ева, 1984. По гуашевому оригиналу 1968 года.


В этом совершенном произведении Дали изображает сад Эдема: Адама, Еву, змея и сложное напряжение между ними. Художник воссоздает тот самый момент, когда Ева предлагает Адаму запретный плод. Адам, не ведая, что их ждет, если он поддастся искушению, ️в изумлении и нерешительности поднимает руку. Знающий о грядущих страданиях пары змей пытается утешить обреченных и сворачивается в форму сердца. Тем самым он напоминает Адаму и Еве о том, что любовь️ создает целое, которое всегда больше суммы отдельных частей.

Адам и Ева, деталь.



Благородство времени, 1984. По гуашевому оригиналу 1977 года.


Мягкие часы Дали ниспадают на мертвое дерево, ветви которого уже породили новую жизнь, а корни овили камень. Ствол дерева одновременно служит часам опорой. Термин "корона часов" в английском обычно обозначает механическое устройство, позволяющее установить стрелки и завести часы. Однако время во Вселенной Дали невозможно установить, и сами часы не обладают внутренней силой и движением. Без движения "корона" становится королевской короной, которая украшает часы и указывает на то, что время не служит людям, но властвует над ними.


Видение ангела, 1984. По рисунку 1977 года.


Сальвадор Дали осмысляет классическое религиозное изображение сквозь призму сюрреалистического восприятия. В этой скульптуре большой палец, из которого возникает жизнь (ветки дерева), символизирует силу и господство Бога. По правую сторону от божества находится человечество: мужчина в расцвете жизненных сил. По левую сторону - ангел, символизирующий дух созерцательности; его крылья покоятся на костыле. Несмотря на то что человек соединен с Богом, божественное знание превосходит его собственное.

Рисунок - протоип скульптуры



Святой Георгий и дракон, 1984. По гуашевому оригиналу 1977 года.


Самая большая скульптура выставки - "Святой Георгий и дракон". Это известный сюжет битвы Света против сил Зла. Но в образе Георгия Дали изобразил самого себя, а женщина, приветствующая героя, символизирует музу сюрреализма.


Символы Вселенной Сальвадора Дали

Дали постоянно использует некоторые символы, чтобы усилить звучание своих работ. Контраст жесткой оболочки и мягкой внутренней части - это одна из центральных идей его Вселенной. Она согласуется с психологическим понятием, по которому люди ставят (жесткую) защиту вокруг своей (мягкой) уязвимой психики.

Ангелы
Они обладают способностью проникать в небеса, общаться с Богом и находить мистический союз с художником. Фигуры ангелов, написанные Дали, часто заимствуют черты Гала, воплощающей для Дали чистоту и благородство.

Подпорки (костыли)
Это символ поддержки слабых фигур, неспособных удерживать форму. Еще ребенком, Дали обнаружил старый костыль на чердаке дома отца и никогда не расставался с ним. Этот объект придавал ему самому уверенность и гордость.

Слоны
Слоны Дали обычно наделены длинными ногами, на их спинах - обелиски как знаки власти и господства. Тяжелый груз, поддерживаемый тонкми хрупкими ногами, словно обретает невесомость.

Улитки
Улитка связана с знаменательным событием в жизни Дали: его встречей с Зигмундом Фрейдом. Дали считал, что ничего не происходит случайно, и с тех пор улитка у него ассоциировалась с Фрейдом и его идеями. Его также очаровывали сочетание жесткой раковины улитки и ее мягкого тела.

Муравьи
Символ распада и разложения. Дали впервые встретил муравьев в детстве, наблюдая за поеданием ими разложенных останков мелких животных. Он с увлечением и отвращением наблюдал этот процесс и продолжал использовать муравьев в своих работах, как символ декаданса и эфемерности.

Мягкие часы
Дали часто говорил: «Воплощение гибкости времени и неделимости пространства - это жидкость». Мягкость часов Дали также отсылает к ощущению, что скорость времени, точная в научном определении, может сильно различаться в субъективном восприятии человека.

Яйцо
Христианский символ воскресения, чистоты и совершенства. Яйцо для Дали ассоциируется с предыдущей жизнью, внутриутробным развитием и новым возрождением.

Морской еж
Его "экзоскелет", ощетинившийся шипами, может быть очень опасным и болезненным при контакте. Но в этой оболочке есть мягкое тело - и оно было одним из любимых блюд Дали. Раковина морского ежа, очищенная от шипов, появляется во многих картинах художника.

Хлеб
Дали всегда был большим поклонником хлеба. Он начал изображать хлеб на своих картинах из-за страха его потери. Он также включал хлеб в свои сюрреалистические композиции. При этом хлеб чаще всего выступает в "твердой" фаллической форме, в противоположность "мягким" часам.

Пейзажи
Классические реалистичные пейзажи, полные странных, а порой и невозможных объектов часто появляются в работах Дали. Они помогают создать атмосферу нереальности на его картинах, но в то же время напоминают о его родной Каталонии и обширной равнине, которая окружает Фигерас, где жил Дали.

Выдвижной ящик
Человеческие тела с выдвижными ящиками неоднократно встречаются в картинах и скульптурах Дали. Они символизируют память и бессознательное и относятся к фрейдистскому "ящику идей", выражая тайные побуждения и спрятанные секреты, которые однако можно открыть.

Венера Милосская
Издавна является частью личной мифологии художника. Она была первой женской фигурой, которую Дали, еще будучи мальчишкой, слепил по репродукции, украшавшей семейную столовую.


"Тот факт, что в момент работы над своими картинами я сам не понимаю их смысла, вовсе не означает, что смысла в них нет."
Сальвадор Дали

[Iryna13]

Николай-СПб, как всегда, огромное спасибо! А в этот раз огромное-преогромное! Дали -один из моих самых любимых творцов. И в Фигерасе, и в Кадакесе -чудесные музеи, но, вот скульптур там, в отличие от картин,представлено несравненно мало. С большим удовольствием еще раз насладилась творениями Дали, читая Ваш рассказ.

[Николай-СПб]

Iryna13, благодарю Вас!

[Николай-СПб]

В музее Сальвадора Дали в Фигерасе есть отдельная галерея, где выставлены ювелирные работы художника. Они не менее интересны, чем представленные инсталляции и живописные полотна, а на меня эти вещи произвели даже более сильное впечатление, чем другие экспонаты.

Рубиновые губы, 1949



Вход в ювелирную галерею. Театр-музей Дали.



Возможно, Дали не совсем правомерно называть ювелиром, поскольку он не изготавливал украшения сам, а только создавал эскизы, которые другие воплощали в реальном материале. Но в то же время, Дали нельзя назвать и лишь дизайнером, потому что он не просто отрисовывал каждое изделие, но тщательно прорабатывал технологию его изготовления, сам выбирал и закупал лучшие драгоценные камни, золото и другие необходимые материалы.

Медовое сердце (Сердце с сотами), 1949



Дали говорил о своих ювелирных работах:

"Идеальная вещь для меня та, которая абсолютно не для чего не пригодна. Этим предметом нельзя писать, им не удалишь лишние волосы и не сможешь позвонить. Этот предмет нельзя разместить на шедевре или поставить на комод Людовика XIV. Эту вещь нужно просто носить, и это - ювелирное украшение."

Хореографическое ожерелье, 1964.



"Моя коллекция ювелирных изделий, собранная Ассоциацией Оуэн Чисем, неизбежно приобретет историческое значение. Со временем эти изделия докажут, что просто красивые предметы, не имеющие практического применения, но при этом прекрасно изготовленные были оценены в эпоху, когда основной упор делался, казалось, на все утилитарное и материальное." (эта и остальные цитаты Дали приводятся по тексту каталога выставки его ювелирных украшений, подготовленной ассоциацией Оуэн Чисем в 1959 году. Впоследствии изделия были выкуплены и переданы в театр-музей Дали в Фигерасе).

Взрыв, 1959



"Освобожденные от материализма и во имя филантропических идеалов, ювелирные изделия Дали выступают послами в Америке, России, Европе и остальном мире, символизируя собой космогоническое единство нашего века."

Свет Христа, 1953



"Ювелирно оформленные вещи - украшения, медали, кресты, предметы искусства были задуманы не для того, чтобы храниться мертвым грузом в бронированной камере. Они были созданы, чтобы радовать глаз, поднимать дух, будить воображение и выражать убеждения."

Падший ангел, 1963. В кварцевом массиве скрыт механизм, который заставляет крылья ангела двигаться



"Без публики, без присутствия зрителей эти изделия не выполнили бы той функции, ради которой они были созданы. Значит, сам зритель превращается, в конечном счете, в художника. Его взгляд, сердце, ум, улавливая, в большей или меньшей степени понимая намерение создателя и сливаясь с этим намерением, вдыхают жизнь в эти изделия."

Паук ночи, 1962


Паук ночи, фрагмент



"В эпоху Возрождения великие мастера не ограничивались одним единственным средством выражения. Гениальность Леонардо да Винчи выходит далеко за пределы живописи. Его научный дух постигал в морских глубинах и в воздухе возможность чудес, которые сегодня стали реальностью. Бенвенуто Челлини, Боттичели и да Лука обрабатывали драгоценные камни для украшений, создавали необыкновенной красоты кубки и орнаментальные чаши, отделанные камнями. Паладин нового Возрождения, я тоже отказываюсь быть ограниченным. Мое искусство охватывает, помимо живописи, физику, математику, архитектуру, ядерную науку - психоядерную, ядерную мистику и ювелирное мастерство."

Чаша жизни, 1963. Механизм внутри шара приводит крылья бабочек в движение



"Своими ювелирными изделиями я хотел бы выразить протест против той значимости, которая придается цене материала, используемого ювелирами. Я стремлюсь к тому, чтобы было оценено искусство мастера таким, какое оно есть - дизайн и мастерство изготовления должны быть оценены выше стоимости драгоценных камней, как это было в эпоху возрождения."

Pax Vobiscum (Мир вам), 1968. Внутри миниатюрного "алтаря" скрыт механизм, который периодически поворачивает центральный камень (цитрин), открывая находящуюся за ним миниатюру.


Pax Vobiscum, фрагмент с повернутым камнем и открытым ликом сюрреалистического Христа



"В ювелирных изделиях, так же как и во всей моей творческой деятельности, я воплощаю то, что больше всего люблю. В некоторых из них можно оценить архитектурные оттенки (как и на отдельных моих картинах). Здесь еще раз проявляется логарифмический закон, а так же отношения между духом и материей, между временем и пространством."

Глаз времени, 1949. Часы в виде глаза стали одной из самых известных ювелирных работ Дали


Глаз времени представлен в ювелирной галерее на фоне графической работы Дали



"Антропоморфные темы вновь и вновь проявляются в моих ювелирных изделиях. Я вижу человеческие формы в деревьях, листьях, животных; животное и растительное - в человеческом."

Виноград бессмертия, 1970. На аметисте рисунок Дали "Ангел вечности"


Виноград бессмертия, фрагмент



"Мое искусство живописью, бриллиантами, рубинами, жемчугом, изумрудами, золотом, хризопразом доказывает, каким образом происходит метаморфоза; человеческие существа обладают способностью создавать и преобразовывать. Когда они спят, они абсолютно меняются, превращаясь в цветы, растения, деревья. Следующее преобразование происходит в Раю. Тело вновь становится цельным и достигает совершенства."

Живой цветок, 1959. Лепестки цветка раскрываются скрытым в основании механизмом.



Разница между настоящими драгоценностями и фальшивыми в том, что подделка всегда выглядит более реальной - более сверкающей. Поэтому появляется очень заманчивая идея - сделать настоящие драгоценности настолько обманчивыми, чтобы они могли походить на фальшивые

Дафна, 1967. По легенде, Дафна, преследуемая Апполоном, попросила у богов превратить ее в лавровое дерево.


Дафна, фрагмент. За топазом находится женский портрет работы Дали, видимый только под определенным углом



"Космический слон" - это наверное самый узнаваемый образ в творчестве Сальвадора Дали. Впервые он появился на полотне, затем воплотился в скульптуру и в ювелирное изделие.

Космический слон, 1961



Новаторством и отличительной чертой ювелирных работ Дали являются механизмы, приводящие части изделий в движение. Вот бьющееся сердце, созданное по случаю коронации Елизаветы II, но посвященное главной музе Сальвадора Дали, его несравненной Гала.

Королевское сердце, 1953
https://www.youtube.com/embed/2oogkhSKr18


В основных залах театра-музея есть еще несколько ювелирных работ Дали.

Десять рецептов бессмертия, 1973 (трехмерный вариант иллюстрации к одноименной книге)


Дракон и яйцо



Павлин Гала Дали. На голове у павлина миниатюрный портрет Гала



Последние две работы находятся в зале, который расположен под сценой театра-музея. Именно здесь покоится прах великого художника: Дали завещал похоронить себя так, чтобы по его могиле ходили люди. На поверхность сцены этот саркофаг выходит гладкой серой плитой без всяких надписей, и многие посетители музея даже не подозревают, что находится у них под ногами...

[Suare]

и многие посетители музея даже не подозревают, что находится у них под ногами...

Обычно экскурсоводы сразу об этом говорят. Спасибо за ваши фотографии, как будто заново побывала в его музее. А вы не засняли картину Дали на стене, на фотографии которой проявляется лик Линкольна ? Я сделала несколько попыток с мобильного, но чёткой фотографии не получилось. Может с вашей техникой получилось ?

[Николай-СПб]

Suare, про сам музей сделаю отдельную запись, там и Линкольн будет, вроде он получился )


Lubacha, благодарю, пожалуйста!

[Lubacha]

Боже, как это красиво!

Николай-СПб, спасибо за подробную виртуальную экскурсию!

[Small_birdie]

Боже, как это красиво!

Я так же подумала. Просто гениально.
И кто-то же смеет его критиковать!

Николай-СПб, спасибо.

[Николай-СПб]

Small_birdie, был бы человек (особенно особенный), а критики всегда найдутся )

Iryna13, очень рад! Я воспринимал Дали как художника, а теперь открываю для себя все новые его таланты

[Николай-СПб]

Меня всегда интересовало, как возникло и развивалось искусство портрета. В памятниках древнеегипетской цивилизации можно проследить эволюцию изображения человека на протяжении нескольких тысячелетий. В отличие от влажной глинобитной Месопотамии, где не было в достатке ни камня, ни дерева, Египет обладал и материалами, и особым сухим климатом, который позволял сохраняться образам созданным в камне, в дереве, и даже на ткани....



-------------------------------------------------------------------------

Раннее и Древнее царства, 3200 - 2150 гг. до н.э.

Объединение Верхнего и Нижнего Египта под властью первых фараонов произошло около 3100 года до нашей эры. В это время в дельте Нила был основан Мемфис, первая столица единого Египта, которая постепенно превратилась в политической, религиозной и торговый центр страны.

Во время Раннего царства начинает развиваться искусство изображения человека. Небольшие скульптурные фигуры приобретают определенное изящество, хотя их еще трудно назвать портретными, да и вряд ли они несли тогда какую-то персонификацию.

Женская фигура из зуба крокодила, 3100-2700 гг. до н.э. Лувр, Париж


Жест руки, прижатой к телу, весьма характерен для египетских статуй, т.е. уже в этой старинной работе можно найти черты будущей традиции.


Женщина с ребенком, ок. 3000 г. до н.э. Новый музей, Берлин.



С развитием власти фараонов постепенно складывается монументальный стиль и вырабатываются каноны, которые потом свято соблюдались на протяжении десятков веков. Они отражают факт, что всё египетское искусство являлось составной частью заупокойного ритуала, призванного обеспечить умершим загробную жизнь.

Неса, супруга Сепа. 2700-2620 гг. до н.э. Лувр, Париж


Статуя Несы - это один из первых скульптурных портретов, дошедших до нас со времен Древнего царства. Этот архаичный стиль узнаваем по целостности форм: как будто скульптор еще не решался глубоко врезаться в камень. Сами изображения были призваны навечно сохранять черты живших когда-то людей, поэтому лица их так безмятежны, а позы статичны.

По представлениям египтян, умерший также нуждается в доме, еде и питье, как и живой человек. Из этих убеждений родилось стремление сохранить тело усопшего или хотя бы его голову; постепенно были выработаны сложные приемы мумификации. В гробницы ставили статуи умерших на случай порчи мумий, помещали фигурки слуг, утварь, инструменты, пищу. Считалось что душа может возвращаться в мумию или изображение и оживлять их, тем самым обеспечивая посмертную жизнь человека.

Принцесса Нефертиабет, 2620-2500 гг. до н.э. Лувр, Париж


Эта стела из гробницы принцессы имела ритуальное назначение: через неё умершая получала силы от поднесенных ей даров и жертв. Женщина протягивает руки к подносу, наполненному ломтиками хлеба. Над столом находятся иероглифы, обозначающие различную еду: куски мяса, окорока, домашнюю птицу. Надпись над головой сообщает, что покойная Нефертиабет ("красавица востока") была царской дочерью, принцессой времени правления великого фараона Хеопса, строителя самой большой пирамиды.


"Запасная голова", ок. 2450 г. до н.э. Музей истории искусств, Вена


Во времена Хеопса в гробницы клали так называемые "запасные головы", изображавшие умерших. По-видимому головы должны были помочь душе узнать "своё" тело при возвращении в него. Благодаря этой традиции мы имеем возможность увидеть самые древние портретные изображения людей. К сожалению, после смерти Хеопса этот обычай исчез. Загадкой запасных голов остаются намеренно нанесенные им повреждения (например, отколотые нос, уши...). По одной из гипотез, это делалось для того, чтобы душа узнавала правильное тело, но не переселялась в запасную голову.


Сидящий писец, 2500-2350 гг. до н.э. Лувр, Париж


Эта статуя времен Древнего Царства - один из шедевров Лувра. Однако кем был этот человек, неизвестно. Несомненно, что он занимал высокое положение: это не скромный служитель, готовящийся к письму, - "писцами" в те времена часто представляли выдающихся государственных деятелей. Статуя особенно привлекательна тщательностью исполнения, оригинальными красками, интеллектуальным выражением лица. И фигура, и лицо детально проработаны, необычайно выразительны глаза, обрамленные медью. Особым свойством этих глаз является "неуловимость" их взгляда: с какой стороны ни подойдешь к статуе, писец смотрит мимо или сквозь тебя...




Инспектор писцов Рахерка и его жена Мерсеанх, 2500-2350 гг. до н.э. Лувр, Париж


В захоронениях времен Древнего Царства часто оставляли высеченные из цельных кусков известняка изображения семейных пар. В этой скульптуре создается впечатление, что женщина прячется за спину своего мужа и одновременно подталкивает его локтем. Их круглые лица спокойны, что характерно для искусства того периода.


Голова мужчины, 2300-2150 гг. до н.э. Египетский музей, Барселона


Часть погребальной статуи, по-видимому, портрет простого человека. Благодарю жаркому сухому воздуху Египта деревянная скульптура прекрасно сохранилась, донеся до нас лицо мужчины, которому исполнилось бы сейчас четыре тысячи двести лет.

-------------------------------------------------------------------------

Смута (I-й переходной период), 2150 - 2040 гг. до н.э.

Когда сильная и долгая засуха расшатала хозяйство Египта, массовое сознание возложило вину за природный катаклизм на центральное правительство и лично фараона. В стране начались беспорядки, и вскоре единое царство распалось на отдельные номы, а власть перешла в руки номархов ("градоначальников"). Утрата единства стала причиной разрушения обще-египетской ирригационной системы, что вызвало дальнейший экономический кризис и массовый голод. По стране бродили разбойничьи шайки, которые грабили храмы и усыпальницы. Культура и искусство пришли в упадок, памятников этого времени почти не осталось.

Портрет мужчины (т.н. "Голова Солта"), II-III тыс. до н.э. Лувр, Париж


Один из самых прекрасных и самых загадочных портретов Египетской коллекции Лувра. Получил свое название по имени Генри Солта, британского собирателя и консула в Египте, который передал экспонат Лувру в 1826 году. Неизвестно, кто изображен на портрете, когда он выполнен и где был найден. По косвенным признакам его относят то к Древнему царству, то к Среднему, датировки разнятся от 2700 до 1400 года до н.э., мог он быть изготовлен и во время смуты....

-------------------------------------------------------------------------

Среднее царство, 2040-1800 гг. до н.э.

В 2040 до н. э. фиванский монарх Менухотеп сумел вновь объединить страну, жаждавшую твердой руки и наведения порядка. При нем и его потомках фараонах-фиванцах была построена новая оросительная сеть - фаюмские ирригационные сооружения. Общий хозяйственный подъем способствовал развитию культуры, в стране появились первые школы, возобновилось строительство пирамид и храмов. Это отразилось и в искусстве, где стало наблюдаться большее тяготение к реализму, причем это проявлялось не только в официальных образах царей, но и частных скульптурах.


Хранитель печати Нахти, ок. 1950 г. до н.э. Лувр, Париж

Фото - Википедия

Гробница Нахти была найдена археологами неразграбленной. Кроме многочисленных скульптур господина в окружении слуг, в гробнице оказалась довольно высокая статуя, вырезанная из акации и покрытая охрой. Тонкая моделировка статуи позволяет причислить ее к выдающимся произведениям Среднего царства.


Носильщица, ок. 1950 г. до н.э. Лувр, Париж


Эта деревянная статуя, представляющая красивую египтянку, не является изображением умершей. Она лишь безымянная прислужница, изваянная чтобы вечно подавать воду и пищу своему почившему господину. Хотя в те времена часто изображали женщин, несущих поклажу, эта скульптура отличается особенной красотой: тело девушки восхитительно стройно, лицо нежно и внимательно, неподражаема элегантность с которой она держит свою ношу.


Сидящая фигура Чартихотепа, ок. 1850 гг. до н.э., Новый музей, Берлин


В конце Среднего царства произошло "повторное открытие" индивидуальности, которая уже появлялась в работах Древнего царства. Человеческое лицо начинает занимать центральное место в произведении, появляются скульптуры с персональными чертами, хотя общий образ и преломляется через традицию царских портретов. Фигура Чертихотепа, хозяина поместья, демонстрирует здоровую уверенность в себе и неколебимое спокойствие. Безымянный скульптор должен был обладать немалым талантом чтобы подняться до такой высокой степени обобщения.

-------------------------------------------------------------------------

Вторжение гиксосов (II-й переходной период), 1800-1550 гг.

Гиксосы - собирательное название народов, вторгшихся в Египет с территории Сирии в XVIII веке до н.э. и завоевавших значительную часть страны. Военные технологии гиксосов (колесницы, новые типы доспехов, составные луки) в сочетании с воинственностью и высокой мобильностью давали им превосходство над египетской армией. Основу гиксосов составляли семиты-амореи, к ним также присоединились хурриты и хетты. Гиксосы образовали собственную правящую династию, но не смогли покорить весь Египет, их владения простирались только до Асьюта, а южной частью Египта продолжали управлять "вторые" фараоны из столицы в Фивах.

Посмертная маска, 1750-1650 гг. до н.э. Лувр, Париж


Во время правления гиксосов египетское памятники разрушались, а искусство не развивалось, лишь в южной части страны продолжали поддерживать старые традиции.

Саркофаг Интефа, ок. 1580 гг. до н.э. Лувр, Париж


Интеф (или Иниотеф) был фараоном семнадцатой династии Египта правившим во время, когда Египет был разделен на две части: Верхний Египет управлялся фараоном из Фив, а Нижний Египет контролировался гиксосами.

-------------------------------------------------------------------------

Новое царство, 1550 - 1069 гг. до н.э.

Египтянам понадобился целый век чтобы овладеть военными приемами гиксосов и начать успешно противостоять пришельцам. Победу над врагами одержал первый фараон XVIII династии Яхмос I. В середине XVI в. до н.э. Яхмос изгнал гиксосов из Египта и преследовал их до южной Палестины. Благодарные египтяне сохраняли культ этого царя-освободителя до последних времен своей истории.

Принц Яхмес (впоследствии фараон Яхмес I), ок. 1580 г. до н.э. Лувр, Париж



Восстановление Египта после нашествия гиксосов завершила царица Хатшепсут, самая успешная из нескольких женщин-правительниц Древнего Египта. Хатшепсут провозгласила себя фараоном во время правления ее несовершеннолетнего пасынка Тутмоса III. Она приняла полный царский титул, включая тронное имя Мааткаре. Правление Хатшепсут ознаменовало собой новое возвышение Египта. Из всех сфер своей государственной деятельности Хатшепсут проявила себя прежде всего как фараон-строитель. Она восстановила множество разрушенных гиксосами памятников и воздвигла немало новых по всему Египту.

Царица Хатшепсут с ритуальным сосудом, ок. 1475 г. до н.э., Новый музей, Берлин


В этой статуе царица изображена в головном платке и с бородой, которые являются частью церемониальной одежды египетского фараона, традиционно бывшей мужским нарядом. Судя по всему, Хатшепсут намеренно вносила в свой публичный облик мужские черты для подтверждения и укрепления своего положения.

Новое царство стало эпохой высшего расцвета древнеегипетской государственности, известной наибольшим количеством памятников, составляющих основу всего наследия этой цивилизации. В искусстве изображения человека возникли настоящие художественные школы.


Девочка с кошкой, ок. 1380, Новый музей, Берлин.



Царица Тия, ок. 1355 г. до н.э. Новый музей, Берлин.


Царица Тия была главной женой Аменхотепа III - одного из самых могущественных фараонов эпохи Нового царства. При нем Египет достиг пика своего политического влияния и экономического процветания. На этом портрете черты лица царицы резки, излучают непреклонную волю и решимость, но вместе с тем они притягательны, не дают отвести от скульптуры глаз. Насколько фараон ценил свою главную жену можно судить по его поистине царскому подарку на 12-ю годовщину правления: за 15 дней для Тии выкопали искусственное озеро длиной 2 километра и шириной 400 метров.

Тия была была матерью знаменитого фараона-еретика Аменхотепа IV, который радикально изменил государственную идеологию. Он запретил почитание традиционных богов и ввел культ единственного бога - Атона, представлявшегося как солнечный диск с протянутыми от него лучами-ладонями. Себе он взял новое имя Эхнатон - "угодный Атону".

Царская чета: фараон Эхнатон и его супруга Нефертити, ок. 1340 г. до н.э. Новый музей, Берлин.


С началом правления Эхнатона произошли изменения в традиции представления фараона. Правитель стал изображаться с женственными бедрами, вытянутой головой и сильно искаженными чертами лица.

Рельефный портрет Эхнатона, ок. 1345 г. до н.э. Новый музей, Берлин.


Некоторые склонны усматривать в этих портретах Эхнатона признаки систематического кровосмсительства, десятками лет процветавшего в царских семьях. Однако возможно, что подобные изображения отражают идею о том, что фараон - это одновременно отец и мать египетского народа, поскольку у мумии, идентифицированной, как Эхнатон, подобных недостатков в строении тела найдено не было.

Настоящей музой своего времени стала супруга Эхнатона царица Нефертити. Ее прекрасные поэтичные изображения созданные мастером Тутмосом - это вершина всего древнеегипетского искусства.

Голова Нефертити, ок. 1340 г. до н.э. Новый музей, Берлин.


Бюст Нефертити, ок. 1340 г. до н.э. Новый музей, Берлин.


К сожалению, фотографировать в зале, где стоит бюст Нефертити, строго запрещено. Правда с чисто немецкой пунктуальностью в соседних залах проведена черта от которой снимать можно. Но расстояние получается довольно большим, поэтому детали на снимке видны плохо...

У Эхнатона и Нефертити было шесть дочерей. Их жизнь была увековечены во многих изображениях семьи фараона, занимающих центральное место в официальном религиозном искусстве того времени.

Принцесса из семьи Эхнатона, предположительно Меритатон, ок. 1340 г. до н.э. Лувр, Париж


Меритатон была старшей дочерью фараона. Здесь она представлена как юная девушка, причесанная так, как было принято причесывать детей в то время: волосы, перехвачены длинной лентой и спадают на правое плечо. Эту выдающуюся работу, созданную в конце правления Эхнатона отличает удачное сочетание традиционного стиля и реализма.

Голова принцессы из семьи Эхнатона, ок. 1345 г. до н.э. Новый музей, Берлин.



Во время царствования Эхнатона египетское искусство получило новый импульс развития. Стал распространяться так называемый Амарнский стиль, который на время потеснил старую монументальную манеру изображений и ввел новую, более живую и пластичную. Впервые в Египте фараон стал изображаться не как грозный властитель, а как семьянин, любящий отец и муж.

Прогулка в садах Амарны, ок. 1330 г. до н.э. Новый музей, Берлин.


Мнения о том, кто изображен на этом рельефе, разнятся. Называли и Эхнатона с Нефертити, и Сменхкару с Меритатон (Сменхкара на короткое время стал фараоном после смерти Эхнатона), и Тутанхамона с его молодой женой Анхесенамон. В пользу последней версии говорит поза фараона с необычно подогнутой ногой. Недавние исследования показали, что у Тутанхамона имелось искривление левой ноги и он хромал, опираясь на палку.

Во время правления юного Тутанхамона все религиозные нововведения его отца были отменены, в частности, из-за спада в экономике. Под влиянием жрецов и для восстановления морального настроя древних египтян были возвращены обряды поклонения многочисленным традиционным богам.


Фараон Рамзес II, 1279-1213 гг. до н.э. Лувр, Париж.


Рамзеса II называют Рамзес Великий, Рамзес-Победитель. Это один из величайших фараонов Древнего Египта, за свои рекордные 67 лет правления он расширил пределы державы, завоевав или присоединив к Египту много новых земель. Во время Рамзеса II, которое по праву считают одной из эпох высочайшего расцвета египетской цивилизации, было создано огромное количество храмовых комплексов и монументальных произведений искусства, в том числе уникальные скальные храмы с гигантскими статуями.


Голова принца Хаэмуаса, сына Рамзеса II, ок. 1260 г. до н.э. Новый музей, Берлин


Хаэмуас был верховным жрецом мемфисского бога Птаха. За масштабные работы по восстановлению и расширению храмов и древних памятников Хаэмуаса иногда называют "первым египтологом". Он проводил изучение библиотек и настенных надписей восстанавливаемых храмов, составлял каталоги царских и храмовых свитков. Благодаря своей учёности, Хаэмуас оставил после себе память как о величайшем мудреце и чародее, что нашло своё отображение в постоянном упоминании его имени рядом с именем его великого отца и в цикле сказаний.


Профиль фараона Рамзеса VI, 1143-1136 гг. до н.э. Лувр, Париж. Часть росписи гробницы фараона


-------------------------------------------------------------------------

Закат (III переходной период и Позднее царство), 1069 - 332 гг. до н.э.

В 1069 году до нашей эры умер фараон Рамзес XI и власть перешла в руки Херихора, верховного жреца Амона. Он стал править Верхним Египтом, а правителем Нижнего Египта сделал своего сына. Страна вновь оказалась разделенной и единое хозяйство стало приходить в упадок. Египет быстро превратился в арену соперничества региональных группировок аристократии и жречества: на пике раздробленности страна была поделена на пять слабых царств и перестала быть великой державой Средиземноморья.

Искусство этого периода вновь обращается к классическому египетскому канону в котором усиливаются элементы украшательства и декоративности.

Саркофаги певицы Танетеререт, 1069-945 гг. до н.э. Лувр, Париж.


Танетеререт, певица храма Амона, была похоронена в трех красиво украшенных саркофагах (на снимке видны два внутренних с портретами певицы на крышках и на внутренней части). Саркофаги представляют собой идеализированный образ покойной, представленный в виде завернутой мумии, как у Осириса. Различные духи и божества, изображенные на каждом из элементов, должны были обеспечить Танетеререт магическую защиту для безопасного выживания в загробной жизни.


Каромама, верховная жрица Амона-Ра. Ок. 850 г. до н.э. Лувр, Париж


Каромама по рождению наследовала титул "супруга бога Амона". "Супруга бога" должна была быть царской дочерью, но не могла стать ничьей женой: она давала обет безбрачия и обучалась своей предшественницей, которая затем передавала новой жрице титул и должность. Бронзовая статуя Каромамы была выполнена по заказу ее почитателя, надзирателя казначейства Ахентефнахта.

Феодальная раздробленность не могла не стать причиной дальнейшего падения. Начиная с VIII века до н.э. Египет периодически завоевывается эфиопами, ассирийцами, персами. В искусстве этого периода можно увидеть отражение трудных времен: наряду с усилением реализма, появляется все больше обращений к прошлому, к старости и мудрости.

Пожилой мужчина, ок. 525 г. до н.э. Лувр, Париж


В этой примечательной скульптуре советника одного из "локальных" фараонов проявился модный в то время архаизм, выразившийся в обнаженном бюсте и гладкой прическе, а также реалистический стиль в изображении лица. Пожилой возраст мужчины подчеркнут. Благодаря удачно выбранному красивому зеленому сланцу эта работа отличается великолепной отделкой и тщательной проработкой деталей.


"Зеленая берлинская голова", ок. 350 г. до н.э. Новый музей, Берлин


Эта работа считается одним из выдающихся достижений древнеегипетского искусства. Портрет отличается реалистичностью отображения и тщательностью шлифовки поверхности, присущей скульптурным работам позднего периода. Лысый череп позволяет предположить, что изображённый является жрецом. Черты лица отличаются от идеалов красоты, принятых в Древнем Египте, что придаёт ему индивидуальность и свидетельствует о влиянии древнегреческого искусства. Тем не менее, скульптор остался верен египетским традициям: обе половины лица практически симметричны, а морщины на переносице и вокруг глаз, придающие изображённому достаточно суровый облик, очевидно продуманы.

-------------------------------------------------------------------------

Эллинистический период, 332 г. до н.э. - III в.н.э.

В 332 году до н.э. Александр Македонский завоевал Египет, изгнав оттуда персов. После смерти Александра правителем Египта стал его друг и соратник, македонский полководец Птолемей. Он основал царскую династию, которая правила Египтом более трех столетий. Справедливость и мудрость основателя новой династии быстро завоевала симпатии египтян, и в последующих войнах они ни разу не перешли на сторону врага.

Правитель из династии Птолемеев, I в. до н.э. Лувр, Париж


При господстве греческой прослойки, Птолемеи не стремились к насаждению в чужой стране собственных порядков, а проводили политику сближения греческой и египетской культур. В стране развивался эллинизм. В то же время сами Птолемеи старались придерживаться местных обычаев, поэтому их изображения выдержаны в традиционном египетском стиле.

Клеопатра VII, I в.н.э., Эрмитаж, Санкт-Петербург


Последняя царица эллинистического Египта из династии Птолемеев, Клеопатра прославлена драматическими историям любви к Юлию Цезарю и Марку Антонию. В годы её правления Египет был покорён Римом, а сама Клеопатра покончила жизнь самоубийством, чтобы не стать пленницей первого римского императора Октавиана Августа. По свидетельствам современников, Клеопатра не была красавицей, но тем не менее была необыкновенно обаятельна, очаровывая людей своей речью, умом и энергией.


Одним из проявлений эллинизма стало использование в египетских погребениях живописных портретов вместо традиционных масок. Впоследствии эти портреты получили название Фаюмских, по месту первых находок (подробнее см. в записи "Чудо фаюмских портретов" https://www.infrance.su/forum/showth...post1061486499)

Леди из Кемета, II в.н.э., Египетский музей, Барселона


Египетская мумия с живописным портретом вместо традиционной погребальной маски. После присоединения Египта к Римской империи в в стране распространились техники портретной живописи восковыми красками (энкаустика). Египтяне, а также греческое и римское население Египта стали заказывать прижизненные портреты, которые затем использовалсь в погребальных обрядах по египетской традиции. При этом портреты впеленывали в мумию на место лица.


Портрет девушки, II в.н.э., Старый музей, Берлин



Фаюмские портреты - одна из вершин египетского и мирового искусства. Многие из них дошли до нас в отличной сохранности благодаря тому, что пролежали две тысячи лет в сухом стабильном климате древних гробниц.

Мужской портрет, II в.н.э., Старый музей, Берлин



В III-IV веках нашей эры в римском Египте распространяется христианство, которое прекращает практику мумификации умерших. Надобность в погребальных портретах отпадает и они постепенно исчезают. Последняя страница истории древнеегипеского портретного искусства оказывается перевернутой...

[Bikulina]

Спасибо вам, Николай-СПб, за ваш чудесный пост. Как обычно, после ваших рассказов появляется неумолимое желание вновь посетить музеи и увидеть всю эту красоту своими глазами.

[Николай-СПб]

Bikulina, тогда я считаю, что достиг своей цели )

[Toty]

Николай, спасибо, что делитесь плодами своего труда. Вроде бы, незатейливые репортажи, просто фотографии музейных экспонатов... а как затягивает!

[Николай-СПб]

Toty, благодарю Вас!

[Iryna13]

Николай-СПб, спасибо! Удивляете нас каждый раз. Пару месяцев назад в Монако была интересная выставка «Золото фараонов», с очень интересными экспонатами. После Вашего рассказа о фаюмских портретах, смотрела на них с большим интересом. Спасибо огромное!

[Николай-СПб]

Iryna13, спасибо Ирина! Египет такая захватывающая тема, прямо затягивает...

[Николай-СПб]

Есть люди, которым словно заранее известно их предназначение в жизни, они не сворачивают с тропы судьбы, какие бы преграды и трудности не вставали на пути. Некоторые достигают цели, к которой они осознанно или неосознанно стремятся, другие падают по дороге... Но до последнего момента они движутся вперед, как рыба идущая на нерест, и просто не могут поступать иначе. И даже их конец кажется, несмотря ни на что, продолжением их движения. Такой мне видится и жизнь Жана Карриэса, французского скульптора XIX века.


Жан Карриэс. Ушастая лягушка, между 1891 и 1894 годами. Малый дворец, Париж

Скульптор мало известен широкой публике за пределами Франции, а художник он необыкновенно интересный. Мне хочется немного рассказать о нем самом и его работах, тем более, что на русском языке о Карриэсе почти нет материалов.

Жан Карриэс родился в 1855 году в Лионе в семье сапожника. В 6 лет он остался сиротой и попал в приют, где получил первое образование. С раннего детства Жан лепил из глины разные предметы и маленькие статуи, бегал в мастерскую церковного скульптора, где потом начал помогать хозяину. Но ему всегда хотелось большего, он сам желал стать скульптором. Покинув Лион, Жан вёл бродячую жизнь, перебираясь из города в город, пока наконец не добрался до Парижа. В 1873 году он обладал опытом 18 лет жизни, пустым кошельком и огромным желанием выразить себя - что еще нужно, чтобы покорить столицу?

В Париже Карриэс пытается поступить в Школу изящных искусств, но, как и Роден, терпит неудачу. Скитаясь по городу, он прибивается к строительной артели в Пасси, где его умение и талант замечает граф Бримон. Он дает Карриэсу и его товарищу заказ на скульптурный фронтон для своего особняка, и это стало первым шагом Карриэса к заветной цели, маленькой, но победой.

Фронтон шато Меле-ле-Видам, долина Луары, Франция

Фото - Википедия


С 1874 года Карриэс начинает лепить самостоятельно, он создает головы младенцев, бюсты известных людей. В следующем году он выставляет несколько своих работ в Салоне, где слышит, что некоторые из них напоминают муляжи-копии (вспомним, то же самое говорили и Родену про его Бронзовый век). Как бы то ни было, но Карриэса замечают, а это уже много значит.

В 1876 году молодой скульптор получает заказ вдовы лионского художника Эжена Алара на посмертный бюст ее мужа, который был убит в 1864 году в Риме сыном одной из своих моделей.

Портрет Эжена Алара, 1876. Малый дворец, Париж

Фото - сайт музеев Парижа (http://www.parismusees.paris.fr)


Карриэс переосмыслил эту свою работу и создал на основе бюста композицию, которую назвал Последний сон (ее он затем подарил вдове Алара). В этой работе впервые явно проявилась его страсть к новаторству и поиску нетрадиционных изобразительных путей, когда вдохновение и воображение становятся неотъемлемой частью пластического исполнения.

Последний сон, 1877. Малый дворец, Париж



В начале 80х годов скульптор создает серию Обломки (Epaves), которая показывает людей выброшенных из жизни, утративших свои надежды. В этих работах сочетается натурализм, символика и глубокое проникновение в характер персонажей, они показывают разные грани человеческой души в трагические моменты жизни.

Русский нищий, 1881. Малый дворец, Париж.



Le cabotin (актер массовки), 1885. Малый Дворец, Париж. Этот бюст является портретом актера "второго плана" Эрнеста Коклена, друга скульптора.



В это же время Карриэс начинает экспериментировать с формами и воображаемыми образами. Проявляется его тяга к фантазии, устанавливается узнаваемый стиль с заостренными элементами, подчеркнутыми и словно прорисованными линиями.

Воин, 1884. Автопортрет в образе испанского конкистадора. Малый Дворец, Париж

Фото - сайт музеев Парижа


Голова фавна. По восковой модели 1885 года. Малый дворец, Париж



Луиза Лаббе (лионская поэтесса), 1887. Малый дворец, Париж


Последний портрет - одна из моих любимых работ у Карриэса. Какое сочетание декоративности, графичности, реализма и изысканности в этой композиции!

Благодаря своему неутомимому труду скульптор становится популярным. В 1886-1887 годах немецко-швейцарская художница Луиза Кэтрин Бреслау пишет самый известный его портрет "Жан Карриэс в своей мастерской", который сегодня выставлен в Малом Дворце в том же зале, что и работы скульптора. В это время художнику исполнился 31 год.

Луиза Бреслау. Портрет Жана Карриэса, 1887. Малый дворец, Париж



Вместе с литейщиком Пьером Бингеном скульптор создает серию портретов исторических личностей, которые были показаны на персональной выставке Карриэса в 1888 году.

Голландка или жена Франса Хальса, 1884. Музей современного искусства, Страсбург

Фото - Википедия


Портрет Веласкеса, 1894 (исходный вариант 1887). Малый дворец, Париж



Выставка 1888 года принесла Карриэсу финансовый успех и дала возможность осуществить свою мечту: стать керамистом и создавать произведения из глазурованного керамогранита. Интерес к глазурованной керамике проявился у Карриэса со времени Всемирной выставки 1878 года, когда он был потрясен и восхищен японской керамической скульптурой. Эта техника так заворожила его, что привела в итоге к радикальной трансформации всего его творчества последнего десятилетия.

Девушка со склоненной головой, 1888-1894. Малый дворец, Париж



В 1888 году Карриэс решает покинуть Париж, чтобы обустроить мастерскую в Сен-Аман-ан-Пюизе, регионе давних гончарных и керамических традиций (и опять возникает параллель с Роденом, перебравшимся из Парижа в Медон). Он построил большую муфельную печь и сам занимался испытаниями режимов обжига и эмалирования, создавал декоративные горшки, вазы, бутылки, переводил в керамику работы, уже выполненные в гипсе или бронзе.

Ваза с гротескной маской. После 1888. Малый дворец, Париж

Фото - сайт музеев Парижа


В это время Карриэс все больше вдохновляется готической скульптурой с одной стороны, и японским искусством с другой. Он примыкает к символистам, трансформируя через себя их идеи. Эти влияния постепенно доводят реализм Карриэса до искажения, карикатуры и, наконец, до гротеска.

Жаба и лягушка, 1889-1894. Малый дворец, Париж



Девочка с куклой, ок 1890. Малый дворец, Париж


Есть скульптуры, которые надо видеть "живьем", фотография не может передать их выразительности. Этот портрет маленькой девочки с угрюмым выражением лица и неподвижным взглядом, отмеченным страхом или подозрением, словно готовый кадр для фильма ужасов. Девочка крепко держит (или душит?) в своих руках кукольную фигурку, которая, пожалуй, более человечна, чем ее хозяйка. И в то же самое время, "Девочка с куклой" - произведение романтическое и вполне историческое, позволяющее Карриэсу отдать дань уважения Веласкесу - своему самому любимому художнику.

Девочка с куклой, фрагмент



Человек-лягушка, 1891. Институт искусств, Чикаго

Фото - Википедия

Пугающее и гротескное изображение сросшихся тел человека и лягушки вполне вписывается в сказочную канву символизма. При виде этой скульптуры нельзя не вспомнить горгулий и химер готических соборов, есть в ней черты водяных монстров японского фольклора. А наш современник конечно увидит здесь толкиеновского Горлума (и пусть меня закидают тапками, если создатели кино-трилогии не "срисовали" этот образ для своего фильма).

Жаба и лягушка (фрагмент), 1890-1894. Малый Дворец, Париж



В 1892 году Карриэс выставил более 130 образцов свой глазурованной керамики (скульптур и ваз) в Салоне Национального общества изящных искусств. Когда их увидел президент Франции Сади Карно, он пожаловал скульптору орден Почетного Легиона.

Голова Христа, 1892. Малый дворец, Париж

Фото - сайт музеев Парижа


Около 1890 года Виннаретта Зингер, дочь "короля" швейных машинок и будущая принцесса де Полиньяк, решила заказать Карриэсу монументальную арку для своего нового парижского особняка. Это шестиметровое сооружение должно было стать входом в зал, где Виннаретта планировала хранить оригинал партитуры Вагнера для оперы "Парсифаль", поэтому арка получила название "Врат Парсифаля" (и как только звучит слово врата, так вновь вспоминается Роден).

Эжен Грассе. Первый проект врат Парсифаля. 1890. Париж, Малый дворец.

Фото - Википедия

С огромной энергией скульптор взялся за работу, он планировал покрыть врата 600 глазурованными плитками с лицами героев "Парсифаля", а в центре поместить статую Виннаретты.

Артур Хакер. Искушение Парсифаля, 1894. Художественная галерея, Лидс.



Однако, по мере работы сюжеты и вид персонажей врат все более трансформировались. Во втором варианте проекта скульптор удаляет часть, посвященную женским персонажам, которые заменяются гримасничающими лицами фантастических существ.

Маска тыквы, 1888-1894. Малый дворец, Париж



Приобретение рукописи Вагнера в итоге не состоялось, но это не остановило Карриэса, а скорее подстегнуло его, убрав последние сдерживающие сюжетные рамки. Он полностью погружается в работу, забывая обо всем на свете. Третья редакция проекта - это скорее монстр, "галлюцинаторная мечта", по словам самого художника, откуда на зрителя смотрят бесчисленные босхианские фигуры, выдержанные в то же время в символистском вкусе конца XIX века.


Врата Парсифаля. Фрагмент правой части, 1891-1894, Малый Дворец, Париж



Врата Парсифаля. Фрагмент, 1891-1894, Малый Дворец, Париж



Карриэс проводит в своей мастерской дни и ночи, работа над Вратами становится всепоглощающей. В 1893 году он заканчивает полноразмерный гипсовый макет и приступает к работе над керамикой.

Жан Карриэс за работой над Вратами Парсифаля, 1893



В июне 1894 года Карриэс простужается и его измотанный организм не имеет сил сопротивляться болезни. Начинается острый плеврит и 1 июля скульптор умирает. Крещендо обрывается на самой высокой ноте. Врата Парсифаля, как и Врата Ада, остаются незавершенными...


На протяжении более тридцати лет оригинальный гипсовый макет Врат Парсифаля экспонировался в парижском Малом Дворце, обрамляя вход в зал, посвященный творчеству Карриэса. В 1934 году по решению директора музея Раймона Эшольера (я намеренно упоминаю это имя, потому что люди должны помнить не только великих созидателей, но и преступных разрушителей художественных произведений) Врата были демонтированы и частично уничтожены, а зал Карриэса - закрыт.

Новый зал, посвященный скульптору, открылся в Малом Дворце лишь в 2005 году. Сейчас ядром экспозиции является автопортрет Жана Карриэса.

Автопортрет, 1888. Малый Дворец, Париж


Эта восковая статуя, показывает художника в рабочей одежде со статуэткой в руке, а сбоку изображена маска женщины с закрытыми глазами. Статуэтка - это одна из миниатюр Карриэса под названием "Джентльмен Людовик XIII", а маска изображает мать Карриэса, которую он почти не помнил, но чей образ пронес с собой через всю жизнь. Рядом с маской расположена маленькая ангелоподобная фигурка и ваза с несколькими цветочными стеблями. Сочетание реалистического портретного сходства с фантастической маской, похожей на посмертную, и другими символическими элементами придает этому портрету особую психологическую напряженность. Бронзовая версия этой скульптуры установлена на могиле Карриэса (см. https://www.infrance.su/forum/showth...post1060777510).

Надгробный памятник Карриэса на кладбище Пер-Лашез в Париже


Отливка была сделана методом выплавляемой модели Пьером Бингеном, давним другом и соратником Карриэса. Деньги на изготовление памятника были собраны по подписке, которую инициировали друзья скульптора через несколько лет после его смерти; памятник был установлен на Пер-Лашез в 1914 году.

[Walja]

Николай-СПб, как всегда замечательные фотографии и рассказ. У меня сейчас нет возможности путешествовать (в реале), зато благодаря Вам гуляю по музеям с прекрасным гидом

[Suare]

Николай-СПб, как всегда замечательные фотографии и рассказ.

Присоединяюсь к вашим словам.

[Николай-СПб]

Walja, Suare, спасибо за отклики! Рад если пригодится )