Музей

[Николай-СПб]

Iryna13, благодарю Вас! На этой выставке у меня было общее ощущение, словно с картин сняли многолетние темные наслоения...

[berezka]

Очень интересно и познавательно. Спасибо, Николай.

[Bikulina]

Не устаю вас благодарить за то,что делитесь ваши фотографиями и знаниями. Всегда нахожу в ваших постах что-то новое и интересное для себя. Спасибо вам, Николай-СПб

[KOLIBRY]

Николай-СПб, спасибо большое за рассказ и фотографии!

[Николай-СПб]

Bikulina, KOLIBRY, большое спасибо за отклики!

[Iryna13]

Николай-СПб, у меня от Вашего рассказа слезы на глазах. Я была в музее Алеппо за много лет до войны.Думала, что никогда больше не увижу эти экспонаты и вдруг... как будто снова побывала в любимой Сирии до войны. Благодарю не только за рассказ,а и за пробудившиеся чувства и память. И надежду.

[Николай-СПб]

Iryna13, очень рад, что такая связь случилась, и по воспоминаниям, и по событиям. Будем надеяться на лучшее!

[Walja]

Николай-СПб, как всегда интересно написано и превосходные фотографии. Спасибо.

[Николай-СПб]

В Лувре проходит большая выставка, приуроченная к 500-летию со дня смерти Леонардо да Винчи. Организаторы хотели собрать на нее большинство известных картин великого мастера, но по разным причинам им этого сделать не удалось - кто-то из владельцев пожадничал, кто-то испугался, какие-то вещи оказались не транспортабельны. И кураторы нашли оригинальный ход: выставили снимки картин (и присутствующих, и отсутствующих) в инфракрасном свете - в натуральную величину и с задней подсветкой. Получился своего рода рентген произведений, который показал их под новым, неизвестным широкой публике углом.



Лично для меня инфракрасные изображения стали открытием, позволившим увидеть новые детали знакомых картин, больше узнать о процессе их создания. (Для справки. Инфракрасная рефлектография, при помощи которой были получены снимки - это методика анализа красочных слоев живописи, в том числе срытых под верхними видимыми мазками. Она позволяет проявить начальные авторские наброски, а также изменения, имевшие место до полного завершения полотна).

__________________________________________________ _______________

Портрет Джиневры ди Бенчи, 1474-76. Национальная галерея, Вашингтон





На полотне изображена дочь флорентийского банкира поэтесса Джиневра д'Америго де Бенчи, платоническая возлюбленная венецианского посла во Флоренции Бернардо Бембо, который, по-видимому, и заказал этот портрет Леонардо. В момент написания портрета Джиневре было 16 лет, а Леонардо - 22 и это была одна из самых первых его работ в портретном жанре.

Нижняя часть холста, которая по-видимому изображала руки модели, утрачена, из-за чего формат картины изменился с прямоугольного на квадратный. Следы этой беды ясно видны на рефлектограмме - нижний край полотна словно истлел или обожжен. Разителен контраст тонко прописанного растительного фона и широких мазков в глубоких слоях - возможно зелень была дописана другим составом красок, "прозрачным" для инфракрасных лучей.

Париж надеялся получить на выставку оригинал картины, но Вашингтон так и не дал своего согласия. Правда не поскупился Лондон: королева прислала на выставку 24 рисунка Леонардо из своей личной коллекции, в числе которых эскиз рук, считающийся наброском утраченной части портрета Джиневры.

Эскиз рук. Коллекция Елизаветы II, Виндзор.


__________________________________________________ _______________

Мадонна Бенуа, 1478-80. Эрмитаж, Санкт-Петербург





"Мадонна с цветком" - одна из первых работ молодого Леонардо как самостоятельного живописца. На тот момент ему было всего 26 лет, и прошло уже шесть лет, как он покинул мастерскую своего учителя Андреа Верроккьо. Следы этой картины были потеряны вплоть до XIX века, когда она появилась в коллекции российской художественной династии Бенуа. В 1914 году она была приобретена Эрмитажем за рекордную по тем временам сумму, которая, впрочем, была значительно меньше цены, предложенной американцами, но Бенуа очень хотели оставить картину в России.

В 1824 году при переносе картины с доски на холст обнаружились следы еще одной руки у младенца Христа, по-видимому относящиеся к первому варианту композиции. А вы замечаете эту третью руку на инфракрасном изображении?

В отсутствии Моны Лизы, оставленной в своем зале на втором этаже Лувра, Мадонна Бенуа оказалась своего рода вишенкой парижской выставки. Из-за окружающей толпы я так и не смог сфотографировать ее на экспозиции, поэтому выше привожу кадр, который делал в Эрмитаже.

__________________________________________________ _______________

Поклонение волхвов, 1481. Галерея Уффици, Флоренция



"Поклонение волхвов" осталось незаконченным, поскольку в 1482 году по повелению Лоренцо Медичи Леонардо отбыл из Флоренции в Милан, заказчики же картины, монахи монастыря Сан Донато, не хотели ждать возвращения художника. Считается, что композиция картины уникальна и не имеет аналогов в итальянской живописи. Это связано с обилием персонажей и организацией пространства - пустого перед Марией и заполненного активной толпой за ней, - словно приглашающего зрителя войти внутрь картины.

Лувр вёл переговоры с Галереей Уффици о показе "Поклонения волхвов" в Париже, но итальянские искусствоведы и реставраторы выступили против, опасаясь, что транспортировка и изменения влажности могут привести к повреждениям недавно отреставрированной картины. Поэтому на выставке смотрят большую инфракрасную копию. На ней видно, как мастер прочерчивал перспективу архитектурной части, как изменял облик Марии (особенно головной убор), как убирал лишние детали (руки справа-внизу)...





__________________________________________________ _______________

Мадонна в скалах, 1483-86. Лувр, Париж





Одно из первых возрожденческих полотен, где персонажи показаны не на фоне пейзажа, а внутри него. Оно создавалась как алтарная картина для миланской церкви Сан-Франческо Гранде. Заказчик, однако был не удовлетворен работой, на которой у образов святых не доставало святости, а ангел указывал Иисусу на младенца Иоанна. Началась многолетняя тяжба, в результате которой Леонардо с учениками написали для заказчика второй вариант - с более серьезными лицами, нимбами вокруг голов и без указующей руки ангела (сейчас этот вариант находится в Лондонской национальной галерее). Первая, намного более человечная картина осталась в мастерской художника, ее Леонардо привёз во Францию вместе с другими своими любимыми работами, сейчас она хранится в Лувре.

На рефлектограмме верхний "растительный" слой живописи почти исчезает, из-за чего пейзаж приобретает аскетичную первозданную суровость, еще больше подчеркивая плавные очертания человеческих фигур.

__________________________________________________ _______________

Портрет музыканта, 1490. Пинакотека Амброзиана, Милан





Инфракрасный снимок гораздо полнее показывает детали одежды персонажа, чем потемневший холст. Неожиданно четко и светло проявляется его лицо, придавая всему образу больше воздушности и утонченности. Возможно, это изображение ближе по смыслу к тому виду оригинала, который существовал пять столетий назад.

Долгое время считалось, что портрет изображает миланского герцога Лодовико Сфорцо. Но в начале XX века при расчистке красочного слоя удалось разобрать слова на бумаге, которую молодой человек держит в руке и увидеть рядом ноты. Это изменило название картины, но не помогло установить личность портретируемого - на сегодня существует несколько версий, ни одна из которых не общепризнана. Одна из оригинальных гипотез предполагает в музыканте автопортрет самого Леонардо. Интересующиеся аргументацией могут заглянуть сюда: http://blog.arthistoryonline.ru/lyal...et-muzyikanta/

__________________________________________________ _______________

Дама с горностаем, 1489-90. Национальный музей, Краков





Попробуйте сами найти основное отличие, видимое на втором изображении.

На портрете изображена Чечилия Галлерани, возлюбленная миланского герцога Лодовико Сфорца, ставшая впоследствии матерью его сына Чезаре. Во время написания портрета девушке было 16 или 17 лет. Это одна из самых поэтичных работ Леонардо, которую некоторые искусствоведы ставят в один ряд с Джокондой.

Картина прошла два детальных лабораторных исследования, призванных, в частности, подтвердить авторство Леонардо. Обнаружилось, что она была написана в несколько этапов с изменением фона и положения рук. Зверька сначала не было, потом появился небольшой серый и наконец крупный белый. Исчезла вуаль на голове, но появилась голубая накидка. На картине виден прозрачный чепчик, прикрывающий обруч на голове, а вот на рефлектограмме чепчик исчезает и обруч остается полностью видимым на фоне волос.

"Дама с горностаем" неоднократно показывалась на выставках в разных странах. В конце 2016 года собрание князей Чарторыйских, куда она входила, было выкуплено государством за смешные 100 миллионов евро при оценке в 2 миллиарда. И теперь картину на "чужие" выставки не отдают ("только в обмен на Мону Лизу", заявил польский министр культуры). Это я называю жадностью.

__________________________________________________ _______________

Прекрасная ферроньера, 1490-96. Лувр, Париж





После реставрации 2015 года этот луврский шедевр выглядит "почти как новый". В русскоязычных текстах почему-то привилась манера писать слово "ферроньера" с большой буквы, как если бы это было именем модели. На самом деле французское ferronniere означает не более чем девушка с ферроньеркой - женским украшением в виде обруча для поддержки волос.

В свое время владельцы "Дамы с горностаем" решили что на их картине изображена та же самая женщина, что и на этом портрете, и даже сделали на своем полотне надпись LA BELE FERONIERE (см. фото выше), но потом поняли, что женщины на этих портретах разные. Сейчас наиболее распространено мнение, что на портрете изображена Лукреция Кривелли, ставшая любовницей миланского герцога Лодовико Сфорца после того, как он выдал замуж Чечилию Галлерани ("Даму с горностаем"), а его жена Беатриче д'Эсте умерла во время родов в 1497 году.

Как пишут французы, на рефлектограмме "помимо изменения деталей одежды можно заметить, что лицо немного менее вытянуто, скулы уже и подбородок менее заострен; мелочи? но они точно показывают пропорции этого совершенного лица, которое смотрит на вас с вниманием и настойчивостью, немного непривычной для своего времени."

__________________________________________________ _______________

Мадонна с веретеном (вариант Лансдаун), 1501-10. Частная коллекция





Леонардо делал работу по заказу секретаря французского короля Людовика XII, но первый оригинал считается утраченным. Существуют по крайней мере два повторения (одно, где рука Леонардо проявляется наиболее явно - на снимке выше), также претендующих на роль оригинала, но большинство искусствоведов все же считает их вторичными и, по крайней мере частично, написанными учениками школы Леонардо.

В то же время на рефлектограмме ясно видно обилие правок, коррекций деталей и вариантов композиции: например, набросок архитектурного сооружения слева, положение ноги младенца, накидка на голове у Марии. Становится более понятным и название: младенец Иисус держит в ручонках прялку, похожую на распятие. Это свидетельствует о долгом и сложном процессе работы над произведением, что не характерно для копий, которые пишутся практически без исправлений.

__________________________________________________ _______________

Спаситель мира (вариант Гане), 1500-е. Частная коллекция





Инфракрасное изображение проявляет нимб вокруг головы Христа и крест на хрустальном шаре, превращающий его в державу. Обе эти детали принципиальны для понимания цели автора картины и ее звучания для зрителя. Кого изобразил художник, бога или человека? владыку земного мира или царствия небесного?

На выставке эта картина атрибутирована как копия, созданная "школой Леонардо". А знаменитое полотно "Спаситель мира", в котором 8 лет назад ряд экспертов признал авторский оригинал Леонардо да Винчи и которое Лувр ожидал увидеть на юбилейной выставке, так до Парижа и не доехало. Мало того, эта картина, проданная в 2017 году за рекордные 450 млн. долларов, вообще исчезла из поля зрения. По неподтвержденной информации, она находится на яхте саудовского принца Бен-Салмана, ожидая открытия нового музея в Саудовской Аравии. Возможно принц испугался передавать свой вариант Лувру из-за опасений, что музей не подтвердит авторство Леонардо, ведь единодушия среди экспертов по этому вопросу нет...

Леонардо да Винчи, Спаситель мира, 1500. Частная коллекция.


__________________________________________________ _______________

Мона Лиза, 1503-05. Лувр, Париж





Самую известную работу Леонардо решили оставить на её постоянном месте, поскольку пропускная способность зала постоянной экспозиции намного выше, чем пропускная способность залов выставки. Тем интереснее было рассматривать рефлектограмму на выставочной экспозиции. Мона Лиза словно стала прозрачной и легкой, посветлели ее глаза, а улыбка как будто бы стала чуть шире.

Если сравнивать детали картины и инфракрасного изображения,то первым бросается в глаза изменение пейзажа, дальний план которого совсем пропадает в дымке. Стали яснее видны колонны, обрамлявшие композицию, и кресло в котором сидит женщина; при этом балясины спинки рифмуются с базами колонн. Правая сторона спинки кресла когда-то была видна, теперь ее закрывает накидка, форма которой возможно менялась. Также можно заметить, что пальцы обеих рук переписывались, их положение стало другим, а большой палец правой руки распрямился.

__________________________________________________ _______________

Богоматерь с Младенцем и святой Анной, 1508-10. Лувр, Париж





Леонардо использовал мало распространённый сюжет, когда Мария сидит на коленях у своей матери Анны и держит на руках младенца Иисуса. Это одна из поздних и любимых картин художника, к работе над которой он возвращался много раз, но отдельные места так и не завершил.

Сохранность картины была довольно плохой и в 2012 году провели ее реставрацию, в ходе которой картина приобрела непривычно яркие цвета. Два куратора Лувра в знак протеста даже вышли из состава реставрационной комиссии, полагая, что даже при жизни Леонардо краски не могли такими светлыми и насыщенными. Мне трудно судить о цветах, но общий светлый тон образов виден и на рефлектограмме, особенно это касается лиц Марии и Анны.

__________________________________________________ _______________

Иоанн Креститель, 1514-16. Лувр, Париж





Глаза Иоанна Крестителя выглядят на инфракрасном изображении совершенно необыкновенно - они притягивают, проникают, зовут за собой. И эти глаза еще меньше походят на глаза святого, чем их оригинал на холсте. А вот крест на рефлектограмме совершенно исчезает, остается только жест правой руки, направленный вверх - традиционный для изображения Иоанна. Этот жест неоднократно появлялся и в других произведениях Леонардо, например в "Мадонне с веретеном". У меня этот образ оставил, пожалуй, наиболее сильное впечатление от выставки.

Картина считается последней работой великого художника, он привез ее с собой во Францию в 1516 году и продолжал дорабатывать пока еще мог держать в руке кисть. Техника сфумато - размытия контуров фигуры и лица - доведена им здесь до совершенства. После этой картины Леонардо традиция изображения Иоанна Крестителя уже не могла остаться прежней...

__________________________________________________ _______________

В заключение хочу показать еще два интересных рисунка из парижской экспозиции.

Витрувианский человек, 1490. Галерея Академии, Венеция.


В соответствии с записями Леонардо, рисунок был создан для определения пропорций человеческого тела, как это описано в трактате античного архитектора Витрувия и надолго стал канононическим.

В Италии ассоциация Italia Nostra пыталась добиться запрета на вывоз знаменитого рисунка, настаивая, что эта работа должна постоянно находиться в специальных условиях, а транспортировка и освещение на выставке могут нанести ей непоправимый вред. Однако итальянский суд решил, что "Витрувианский человек" все же может быть представлен на выставке в Париже, правда лишь на несколько недель.


Франческо Мельци(?). Портрет Леонардо да Винчи, 1515-18. Библиотека Амброзиана, Милан.


Мельци был самым талантливым учеником Леонардо и его душеприказчиком. Он провел рядом с мастером все последние годы его жизни.

__________________________________________________ _______________

Выставка в Лувре работает до 24 февраля 2020 года

[Николай-СПб]

В 2018 году парижский Малый дворец открыл экспозицию, которая воссоздала облик главной скульптурной галереи начала XX века. Когда я туда впервые попал, то сразу же обратил внимание на фигуру балерины, исполняющей сложное па, - она понравилась мне и сама по себе, и как потенциальный сюжет для серии "Мрамор", где я комбинирую фотографии скульптур с фотографиями живых людей. Эта статуя - отправная точка рассказа о судьбах трех наших соотечественников, волею судеб оказавшихся в Париже.

Сергей Юрьевич. Танцовщица Саша Лио, 1932-33. Малый дворец, Париж



Автором изваяния является русский скульптор Сергей Александрович Юрьевич - человек богатой и очень разнообразной судьбы. Он родился в 1876 году в дворянской семье, родословная которой восходит ко временам Ивана Грозного. Его дед, генерал С.А.Юрьевич, был одним из учителей императора Александра II. Будущий скульптор окончил Императорский Александровский лицей в Петербурге (бывший Царскосельский, где когда-то учился Пушкин). После учебы он был направлен на службу в Париж, где вскоре занял должность атташе по культуре при Российском посольстве, в частности он готовил Российскую экспозицию на Всемирной выставке 1900 года.

Сергей Юрьевич, антропометрическая карточка, 1905. (Выполнена в ателье Альфонса Бертильона, изобретателя антропометрии. Вероятно, прохождение процедуры было необходимым для сотрудников иностранных посольств в Париже).



Несмотря на успехи в дипломатической работе, отмеченные наградами и Российской империи, и Франции, главной страстью Юрьевича были исследования в области психологии. Он проводил собственные научные изыскания, опубликовал несколько монографий, стал одним из основателей Международного Психического института, где затем занимал должность вице-президента, принимал участие в работе нескольких Международных психологических конгрессов. По словам самого Юрьевича, эта работа была такой напряженной, что пошатнула его здоровье. В 1903 году он отправился на отдых в Швейцарию, где начал рисовать, пробуя себя в разных техниках.

И вот однажды "...когда я пытался освоить анатомию стопы для картины, я решил сделать ее сначала из глины. Впечатление, которое я получил от того, что она была круглой и твердой в руке, а не на холсте, было настолько сильным, что я удивился, почему я раньше не занимался скульптурой" - рассказывал Юрьевич. По возвращении в Париж он снял студию в Отеле Бирон, расположенную над мастерской Огюста Родена, и стал учеником великого мастера. Так начался путь скульптора, который в то же время не оставлял карьеру дипломата и продолжал заниматься исследованиями психики.

Во время Первой мировой войны Сергей Юрьевич вернулся в Россию, но после Революции вместе с семьей эмигрировал во Францию. Он обосновался в Париже, и теперь уже окончательно. О посольской работе в это время речь конечно не шла, не было возможности и для исследований. Роден говорил ему: "Одна хорошая статуя стоит больше, чем вся ваша <потерянная> собственность", - и Юрьевич полностью сконцентрировался на скульптуре. Он ежегодно выставлял свои работы в Салонах, участвовал в выставках. Его портретные работы пользовались популярностью - при поиске заказов ему очень помогали наработанные дипломатические связи.

Сергей Юрьевич за работой над бюстом Саад Заглул-паши, 1926.


Саад Заглул был лидером египетского национально-освободительного движения. Когда англичане предложили ему стать султаном Египта при условии сохранения английского управления, Заглул сказал, что лучше быть слугой в независимом государстве, чем султаном оккупированной страны.


Портрет Франклина Рузвельта, 1930. Во время создания этого бюста будущий президент США был еще губернатором штата Нью-Йорк.

Фото - сайт аукциона Скиннер


Настоящую славу принесли Юрьевичу скульптурные образы балерин и танцовщиц - он создавал их и в малых формах, и как монументальные статуи.

Танцовщица, 1920е годы. Копия неизвестного мастера по работе С.Юрьевича.

Фото - сайт онлайн магазина

Танцовщица Наттова, после 1924.

Фото - сайт аукциона Дрюо


Снимок выше показывает уменьшенную копию утраченного бронзового оригинала. Его изображение я сумел найти лишь на двух старых фотографиях, вот одна из них:

Танцовщица Наттова, 1924.

Фото - журнал The Studio, №376, июль 1924.

Эта статуя, впервые показанная в Салоне 1924 года, была приобретена мэрией Парижа для основного городского музея - Малого дворца. Она стала первой работой иностранного скульптора, купленной Парижем (Юрьевич получил французское гражданство лишь в 1933 году).


Вернитесь теперь, пожалуйста, к началу записи и взгляните еще раз на самую первую фотографию. Замечаете стилистическое сходство двух скульптур - Наттовой и Лио? В них определенно чувствуется единство: обнаженные фигуры в пуантах, напряженные танцевальные позы с одной точкой опоры, эффектные жесты рук, похожие повороты головы... Даже пьедесталы статуй подобны: с одной стороны на них написано имя скульптора, а с другой - имя танцовщицы, при этом шрифт надписей одинаков.

На мой взгляд, очевидно, что статуи эти парные, и вторая (Саша Лио) создавалась как "рифма" к первой. Не случайно ее отливку также приобрел Малый дворец - так обе бронзовые скульптуры оказались в одной коллекции. Судьба их, увы, сложилась трагично. В 1934 экспозиция скульптуры Малого Дворца была разгромлена новым директором музея Раймоном Эшолье. Залы Жюля Далу и Жана Карриэса были закрыты, работы подверглись частичному уничтожению. Были выдворены скульптуры Главной галереи, многие из них перевезли в парижские пригороды. Среди последних оказались и танцовщицы Юрьевича, попавшие в местечко Бри-сюр-Марн.

Танцовщицы Сергея Юрьевича в парке Бри-сюр-Марн. После 1934 года.

Фото из книги Veronique Belle: D'Ombre, de Bronze et de Marbre. Sculptures en Val-de-Marne 1800-1940. 1999


Развязка наступила после поражения Франции от Германии в 1940 году и оккупации страны немецкими войсками. По закону, принятому Вишистским правительством, нацистская Германия могла реквизировать цветные металлы для снабжения своих военных заводов. Большое количество французских статуй и памятников было отправлено в переплавку. Обе бронзовых скульптуры Юрьевича закончили свою жизнь в жерле печи...

Пьер Жаан. Переплавка памятников на металл. Из серии Смерть и статуи, 1941.



К счастью, уцелел гипсовый вариант статуи Саши Лио, хранившийся в запасниках Малого дворца. А вот Наттовой повезло меньше - от ее гипса (с которого делалась погибшая отливка) остался лишь обломок.

Сергей Юрьевич. "Божественная Наттова", 1923.

Фото - сайт аукциона Дрюо


Кем же были эти прекрасные танцовщицы? Почему две статуи схожи, хотя они создавались с разрывом почти в десять лет? Объяснение оказывается совсем простым: девушки были родными сестрами, и обе танцевали на сцене - только в разное время.

Семья, где выросли сестры, перебралась в Париж из Петрограда; по одним источникам, это произошло за год до Революции 1917 года, по другим - сразу после нее. Фамилия девочек указывалась как Шмидт, старшую (1905 года рождения) звали Натальей, а младшую (1915 г.р.) - Сусаной. По видимому, семья не бедствовала, поскольку Наталья начала учиться классическому танцу у Ивана Хлюстина, хореографа Парижской Оперы и бессменного балетмейстера Анны Павловой. В начале 20х годов она уже появлялась на сцене Оперы в эпизодических классических партиях, но ее неудержимо манил современный танец. Наталья решила сменить амплуа и стала выступать в кабаре и мюзик-холлах под псевдонимом Наташа Наттова (иногда Натова) с танцами в стиле adagio act, что тут же принесло ей громкий успех.

Знаете ли вы, что такое adagio act? Я почти уверен, что нет. Наиболее близкое по смыслу русское название - это акробатическое адажио, когда один из партнеров (база) все время касается ногам земли, а второй (пилот) "летает" вокруг него во всех мыслимых и немыслимых позах. Впрочем, лучше один раз увидеть, чем сто раз услышать. Посмотрите один из номеров Наташи Наттовой - запись этого выступления сохранилась. Можно начинать сразу со времени 3:00, и вы увидите наиболее эффектную часть танца.


https://www.youtube.com/embed/JneuJ1fOVYw


Наташа покорила сначала Париж, а потом и Лондон. В 1925 году она пересекла океан и начала выступать в Америке, где ее номера также пользовались огромной популярностью. В одном из интервью Наттова говорила: "в танце не столько важно то, что ты делаешь, сколько то, как ты это делаешь... Это один из способов показать, что именно личность является главным фактором. Много красивых движений было создано и тысячи танцоров учатся их исполнять с техническим совершенством. Но лишь немногих из тысяч с удовольствием смотрят. У них есть то, чему нельзя научиться - их индивидуальность."

Наташа Наттова, 1929.


В Америке Наташа вышла замуж за Николаса (Николая) Гаккель-Дакса, одного из своих танцевальных партнеров, также выходца из России, к тому времени уже ставшего гражданином США. Пара стала жить и работать в Нью-Йорке. А в Париже меж тем подрастала Наташина сестра, которая стала называть себя Сашей.


Саша Шмидт была исключительно одаренной девочкой: она занималась живописью, играла на скрипке и на пианино, с десяти лет начала танцевать. В Париже она обучалась балетному искусству в школе Елены Гончаровой, главного хореографа театра Шатле, где когда-то начинались дягилевские "Русские сезоны". В 13 лет Саша дебютировала на сцене театра Гэте-Лирик. Там ее и "открыл" танцовщик и балетмейстер Орам. Она стала выступать в составе "Трио Орам" в жанре акробатического танца на сцене Казино де Пари, взяв себе сценический псевдоним Саша Лио. Успех концертов был грандиозным.

Саша Лио и Орам, начало 1930х годов.

Фото из книги Andre Levinson. Les Visages de la danse, 1933.

Вы узнаёте? Да-да, это та самая поза, в которой потом застынет Саша в скульптуре Юрьевича.

Но Саша, при всех ее способностях и несмотря на огромную популярность у публики, не находила радости в своей работе. "Товарищи называли ее преждевременным ребенком, который никогда не улыбается. Как и многие ее соотечественники с берегов Волги, она была предрасположена к меланхолии" - писала о ней газета. Мне кажется, наиболее полно характер Саши отразился на полотне работы Сергея Петровича Иванова, русского художника-портретиста, работавшего в Париже с 1922 года и создавшего целую галерею портретов своих современников:

Сергей Иванов. Портрет Саши Лио, 1932.



В октябре 1932 года Саша без памяти влюбилась в красивого египетского гостя, который был старше нее более чем вдвое. Он дарил девушке букеты, обедал с ней в модных ресторанах, покупал драгоценности и платья. Но когда Саша попросила египтянина жениться на ней, последовал категоричный отказ, и красивая сказка внезапно закончилась. Импульсивная Саша пошла к себе домой на улицу Ламарк, отослала мать в кино, заперлась на кухне и включила газ. Когда ее мать вернулась, Саша была мертва. Ей было всего 17 лет...

Сергей Юрьевич. Голова танцовщицы.

Фото - сайт аукциона Осенат

Саша?


...Когда я впервые увидел статую Саши Лио в парижском Малом дворце, то удивился ее месторасположению в галерее: спиной к свету, с лицом, повернутым к стене так, что его почти невозможно увидеть зрителю. Теперь, когда я знаю Сашину историю, мне это кажется в чем-то символичным и может быть даже не случайным - она отвернулась от людей...

Я многих спрашивал, можно ли повторить Сашину позу, но никто не хотел даже попробовать. И вот в конце прошлого года на семинаре в австрийском Линце я совершенно случайно встретил Викторию, которая просто сказала: "да, могу" и согласилась уделить мне 15 минут сверх программы семинара. Я надеюсь, Саша не была бы против результата нашей с Викторией работы.

Мрамор XXVI. По скульптуре Сергея Юрьевича "Танцовщица Саша Лио".
Модель: VikTory



...Наташа Наттова примчалась в Париж в октябре 1932-го и почти год провела с матерью, утешая ее в неизбывном горе. Затем она вернулась в Америку, где продолжала выступать до 1940 года. Впоследствии обучала молодых танцовщиц. Умерла в Калифорнии в 1988 году.

Сергей Юрьевич с началом Второй мировой войны уехал в США, а после окончания войны вернулся во Францию. С 1950 года он преподавал ваяние в Гилфордской художественной школе. Умер в 1969 году, похоронен на кладбище Сент-Женевьев-де-Буа под Парижем.

Мне не хочется завершать эту запись на минорной ноте, поэтому в качестве концовки я приведу слова американского журналиста из газеты The Brooklyn Daily Eagle: "Юрьевич начал свою новую жизнь с глиной и бронзой в том возрасте, когда большинство других людей уже устают. Но ведь он же русский. А русские, похоже, не подвержены ограничениям, которые связывают нас остальных. Иначе они не были бы русскими."


Еще о
- Сергее Юрьевиче: https://artrz.ru/search/%D0%9D.%20%D...804787730.html
- Наташе Наттовой: http://www.jazzageclub.com/natacha-nattova/3094 (англ.)
- Саше Лио: https://www.newspapers.com/newspage/458092422/ (англ., см. OCR)

[Toty]

Николай-СПб, вы кладезь для замечательного форума Infrance. Вы вытягиваете наш русскоязычный любимый форум на совершенно неповторимый уровень...

[Николай-СПб]

Toty, спасибо! Мое дело фотографическое, остальное из "открытых источников"

[dart9235]

Toty, спасибо! Мое дело фотографическое, остальное из "открытых источников"

Николай-СПб, огромное спасибо !

[Николай-СПб]

dart9235, благодарю Вас!

[Suare]

Николай-СПб, вы кладезь для замечательного форума Infrance. Вы вытягиваете наш русскоязычный любимый форум на совершенно неповторимый уровень...

Согласна с вами. Спасибо, Николай - СПб

[Николай-СПб]

Suare, Iryna13, Bikulina, сердечно благодарю вас за отклики!

Bikulina, Наттова неоднократно получала травмы во время репетиций и выступлений. Самыми серьезными были перелом носа и перелом ноги. Но она восстанавливалась и продолжала выступать

[berezka]

Николай-СПб, спасибо большое за такой интересный рассказ.

[Bikulina]

Спасибо вам,Николай-СПб за ваш чудеснейший рассказ, в котором я нашла много нового для себя. После просмотра видео заинтересовалась adagio act, очень красивый и зрелищный танец, но на мой дилетантский взгляд, достаточно опасный, особенно для дамы, которую раскручивают, как хотят и даже используют вместо скакалки.
Последняя фотография просто великолепна, дух захватывает - просто огонь и пламя. Браво!

[berezka]

Спасибо. Давно хотела посетить Отель де Паива, однажды даже записалась на экскурсию, но не получилось.

[Николай-СПб]

Suare, berezka, благодарю Вас!
Вот еще одна "скульптура с историей", на этот раз Роден

[Николай-СПб]

Судьбы произведений искусства бывают не интересными, чем судьбы их авторов. Сегодня я хочу рассказать небольшую историю о скульптуре Родена "Поэт и муза", которая хранится в Эрмитаже.

Огюст Роден. Поэт и муза, 1905. Государственный Эрмитаж, Санкт Петербург.



Впервые сюжет девушки на коленях, держащей свои руки за головой, появляется у Родена в начале 1880х годов. В это время скульптор активно работает над Вратами Ада, создавая для них многочисленные варианты персонажей Божественной комедии Данте. Одной их фигур по его замыслу должна была стать стоящая на коленях "осужденная". Этот коленопреклоненный образ можно видеть в верхней-левой части Врат под другими женскими фигурами, соединенными друг с другом в хаотическом танце.

Врата Ада. Фрагмент верхней части



Специалисты считают эту фигуру одним из самых первых персонажем Врат, датируя ее 1882-84 годами, именно в это время Роден создал гипсовую модель "осужденной фавнессы". Тело ее гармонично, но лицо искажено, выражая чувство вины и напряженного беспокойства, что вполне уместно для попавших в ад "проклятых".

Фавнесса на коленях, 1884. Музей Родена, Париж



Оба фото - сайт музея Родена в Париже


Ближе к концу 80х годов тема получает развитие: Роден лепит новый вариант статуи, в котором трагическое начало исчезает, а женственность и красота выходят на первый план. Мастер нашел важные детали, которые позволили изменить акцент восприятия: изящный наклон головы к правому плечу, а затем и жест рук, приподнимающих шапку волос. Скульптура появляется в двух интерпретациях под названиями "Пробуждение", "Волна", "Туалет Венеры" (Родену нравилось, когда названия его работам давали зрители и он легко менял свои. Он ценил зрительскую реакцию, считая ее необходимым откликом на свой посыл, вложенный в материал).

Пробуждение, 1887. Музей Родена, Париж

Фото - сайт музея Родена в Париже


Туалет Венеры, 1885-88. Музей Родена, Париж

Фото - сайт музея Родена в Париже


Моделью для этих скульптур служила Кармен Висконти, с которой Роден работал почти 13 лет - с 1880 по 1893 год. В своих интервью Кармен вспоминала, что позировала мастеру для "Евы", "Поцелуя" и "Туалета Венеры", но скорее всего фавнессу Роден также лепил с нее - так, по крайней мере, считает Википедия. Как и другие любимые модели Родена, Кармен была итальянкой, впрочем, почти все парижские натурщицы и натурщики тех лет были родом из Италии. (Трудно сказать, почему та или иная профессия в определенный период времени становится "национальной", видимо проявляется какая-то обратная связь с укладом жизни диаспор и особенностями их характера. До сих пор парижская консьержка - это преимущественно португалка. А в Питере времен моей молодости большинство дворников были татарами, а сапожников - ассирийцами).

Венера была показана на совместной выставке Родена и Клода Моне в 1889 году и стала так популярна, что ее даже выбрали для афиши роденовского павильона на Всемирной выставке, которая открылась в Париже в 1900 году.

Афиша павильона Родена на Всемирной выставке 1900 года в Париже



С этой выставки началась всемирная слава скульптора. Многие работы были приобретены прямо с экспозиции, на другие поступили заказы коллекционеров и музеев из разных стран. Конечно, не стала исключением и Венера. Помимо бронзовых отливок, удовлетворить спрос на которые было относительно просто, в 1905 и 1906 года Роден исполнил "Туалет Венеры" в мраморе. Первый экземпляр хранится ныне в Лилле, второй, сделанный годом позже, в Вашингтоне.

Туалет Венеры, 1905. Музей изящных искусств, Лилль

Фото - Википедия


По последней фотографии видно, что Муза из эрмитажной скульптуры - это практически точная копия лилльской Венеры. Трудно сказать, какое из этих двух изваяний было выполнено раньше, поскольку год создания обоих произведений одинаков. Но петербургская скульптура отличается наличием второго персонажа - поэта. Его присутствие в корне меняет всё восприятие композиции, она кажется настолько цельной, что женскую фигуру уже трудно представить стоящей отдельно. Почему же рядом с Венерой-Музой появился поэт? Здесь начинается очередной "русский след".


...Во время проведения Всемирной выставки с Роденом познакомился русский финансист Степан Петрович Елисеев. Он был правнуком родоначальника династии купцов Елисеевых и полным тезкой своего деда, соучредителя Торгового Дома "Братья Елисеевы", чьи знаменитые Елисеевские магазины по сей день украшают Питер и Москву.

Степан Петрович Елисеев (1857-1935), 1900е годы.

Фото - https://and110.ucoz.ru/LR/16/KVV.html


Степан Петрович не пошел по торговой линии, а стал финансистом. Он был вице-президентом Русского для внешней торговли банка, одного из крупнейших в России (1-2 место по акционерному капиталу и 3-4 место по объему операций). Елисеев также был щедрым благотворителем; за эту деятельность, в частности постройку Дома призрения для бедных на Охте, он получил чин действительного статского советника и потомственное дворянство.

У банка, где работал Степан Петрович, имелись филиалы в Лондоне и Париже, и по роду своих занятий Елисеев часто выезжал в эти города, где знакомился с самым современным искусством эпохи. Подобно другим российским меценатам рубежа XIX-XX, Елисеев приобретал во Франции художественные произведения, судя по всему, ему особенно нравились скульптуры Родена; со временем оказалось что он был основным собирателем работ скульптора в России.

Когда Елисеев начал заказывать Родену скульптуры для своей коллекции? Я встречал две даты: 1900 и 1903 годы. Обе вероятны, поскольку в исполнении заказов Роден был неуправляем и мог делать их очень быстро, будучи увлечен идеей, или тянуть годами, добиваясь совершенства результата и постоянно откладывая работу. Так или иначе, но работы для Елисеева были готовы в 1905-06 годах (разные источники указывают одну из двух этих дат). Вот они:

1. Ромео и Джульетта, 1905. Государственный Эрмитаж, Санкт Петербург



2. Амур и Психея, 1905. Государственный Эрмитаж, Санкт Петербург

Фото - сайт Эрмитажа

3. Вечная весна, 1905. Государственный Эрмитаж, Санкт Петербург



4. Поэт и Муза, 1905. Государственный Эрмитаж, Санкт Петербург



Не правда ли, в этой группе работ просматривается строгая логика: все скульптуры посвящены теме любви, и все они двухфигурные. Изваяния выполнены в одном стиле, практически в одном размере и закончены почти в одно время. Мне представляется более чем вероятным, что и заказаны они были вместе, т.е. Елисеев с самого начала хотел получить не просто несколько роденовских статуй, а вполне определенную серию работ.

Могла ли Венера остаться одинокой в такой серии? Нет и еще раз нет. Елисеевской Венере-Музе просто необходим был спутник, и он появился рядом с ней в образе Поэта.

Это подтверждается и тем, что "Поэт и муза" скульптура уникальная. "Вечная весна" существует в гипсе, двух вариантах мрамора и многих бронзовых отливках. "Ромео и Джульетта" имеет варианты в терракоте, гипсе, мраморе и бронзе; "Амур и Психея" известна по крайней мере в трех копиях. И только "Поэт и муза" существует в одном единственном экземпляре, для нее нет ни набросков, ни даже гипсовой модели, такое впечатление что она сделана сразу и начисто - в мраморе. На сайте музея Родена, где собрана информация о 16339 работах Родена (из них 6549 скульптур), о ней нет никаких сведений, кроме единственной фотографии неизвестного автора, изображающей готовую скульптуру из коллекции Елисеева.


Годом позже Роден завершил работу над бюстом Варвары Сергеевны Елисеевой, супруги Степана Петровича. В парижском Музее Родена хранится ее гипсовый вариант и бронзовая отливка.

Варвара Сергеевна Елисеева, 1906. Музей Родена, Париж

Фото - сайт Музея Родена


Несмотря на несколько жесткие черты лица, Варвара Сергеевна была очень довольна своим портретом, о чем свидетельствует ее переписка с Роденом. Мраморный вариант бюста был отправлен в Петербург, правда завершил его уже другой скульптор - Шарль Деспио. Роден сам предложил Деспио работать в его мастерской, и с 1907 года тот занимался переводом в мрамор многих работ Родена, поскольку мэтр был буквально завален заказами. В том числе Деспио осуществил перевод в мрамор и портрета Елисеевой. Увидев работу законченной, Роден сказал: "Я знал, что Вы сделаете хорошую вещь, но не думал, что это будет так прекрасно".

Варвара Сергеевна Елисеева, 1906-07. Государственный Эрмитаж, Санкт Петербург

Фото - сайт Эрмитажа


Итак, основу роденовской коллекции Елисеева составили четыре двухфигурные композиции плюс бюст его супруги. Варвара Сергеевна активно переписывалась с Роденом, при этом Степан Петрович в адресатах Родена не значится. В каталогах выставок можно увидеть фразы о том, что мраморы Эрмитажа были заказаны Родену "купцом Елисеевым из Санкт-Петербурга и его женой". Неужели правы французы в своем извечном "шерше ля фам", и в истории появления скульптур Родена в Петербурге прослеживается мягкая, но уверенная женская рука? Окончательно ли растворилась Венера в Музе? Может быть она воплотилась в бюсте хозяйки дома? Тогда появление поэта рядом с музой выглядит еще логичнее - Венера в доме может быть только одна.


...В 1902-04 годах супруги Елисеевы выполнили реконструкцию своих апартаментов в доме на Набережной Мойки 59. Вполне вероятно, что они заранее планировали и размещение там достаточно дорогих скульптур Родена (известно, что за "Вечную весну" Елисеев заплатил 10 тыс.франков, что составляет около 150 тыс.долларов в современном эквиваленте. Надо думать, что цены остальных четырех скульптур были сопоставимы). Современники вспоминают, что несколько скульптур Родена действительно находились в одном зале, но ни одного дореволюционного рисунка или снимка мне найти не удалось.

Танцевальный зал в доме Елисеева на Мойке 59. Современное состояние

Фото - сайт Талеон-отеля


После Революции 1917 года Елисеевы эмигрировали во Францию, а их собственность была национализирована. В голодном 1919 году у Горького возникла идея создать в доме Елисеевых на Мойке "приют" для петроградской интеллигенции, который назвали "Домом искусств", сокращенно ДИСК. Здесь жили Александр Грин, Ольга Форш, Петров-Водкин, Мандельштам, Ходасевич, Зощенко, Гумилев (последний здесь же был арестован), и многие другие.

Ходасевич писал о доме, где располагался ДИСК: "Здесь был большой зеркальный зал, в котором устраивались лекции, а по средам - концерты. К нему примыкала голубая гостиная, украшенная статуей работы Родэна, к которому хозяин питал пристрастие - этих Родэнов у него было несколько. Гостиная служила артистической комнатой в дни собраний; в ней Корней Чуковский и Гумилев читали лекции ученикам своих студий - переводческой и стихотворной." По-видимому под зеркальным залом имеется в виду танцевальный, показанный на фото выше. К нему примыкает гостиная, называемая сейчас золотой. Возможно, именно в ней находились скульптуры Родена.

Золотая гостиная в доме Елисеева на Мойке 59. Современное состояние

Фото - сайт Талеон-отеля


В Талеон-отеле, который провел реставрацию дома Елисеева и сейчас занимает его помещения, есть другая гостиная, стены которой голубые. Трудно сказать, появился ли этот цвет во время реставрации, или сохранился с начала века, но, как мне кажется, эта комната также вполне достойна скульптур Родена.

Гостиная императорского люкса в Талеон-отеле.

Фото - сайт Талеон-отеля


В заключение истории приведу еще одну деталь. На сайте Эрмитажа, где сейчас хранятся все работы Родена из коллекции Елисеева, у каждого из экспонатов есть приписка: "Поступил в 1923 г. из дома Елисеева через Дискуссионный клуб". Про дом Елисеева понятно, но при чем здесь какой-то клуб? Оказывается, после отъезда Горького за границу в 1923 году, ДИСК был закрыт, а его помещения в доме Елисеева передали Центральному дискуссионному клубу П.К.Р.К.П. (Петроградского Комитета РКП(б)), также известному как Дом политпросвещения. Вот оттуда и была передана в Эрмитаж коллекция скульптур Родена.

В июне 1927 года в этот партийный клуб под видом коммунистов проникли трое диверсантов и бросили несколько гранат, ранив двадцать шесть человек и повредив интерьеры дом Елисеева. Это была самая громкая акция белоэмигрантского РОВСа на территории Советской России. К счастью для скульптур Родена, в это время они уже находились в Эрмитаже...


Еще по теме:
Хронология работ Родена: http://rodin-web.org/frames.htm
Сайт музея Родена а Париже: https://collections.musee-rodin.fr/
История дома Чичерина (купцов Елисеевых): http://www.citywalls.ru/house1562.html

[Rucya]

Все Ваши проекты для этой темы очень интересны и познавательны.
Что то хорошо знакомо и благодаря информации память возвращает уже когда то увиденное, но всегда открываете что то новое. Интересное и захватывающее.
Всякий раз это виртуальное посещение музея с прекрасным гидом и историями.
Спасибо.

[Rucya]

Николай, в Эрмитаже сейчас проходит выставка Линия Рафаэля.
Сотрудники подготовили цикл виртуальных экскурсий в связи с ограничением посещений.
Могу ли я дать ссылку в тему о виртуальных экскурсиях на форуме на Ваш рассказ о выставке в Лувре?

[Николай-СПб]

Rucya, конечно! Любое распространение информации о выставках и экскурсиях приветствуется!

[Николай-СПб]

Возник у меня вопрос: а когда начали рисовать портреты не в профиль, а в фас? Не лепить из глины, не вырезать в камне-дереве, а именно рисовать или писать красками. Так, чтобы ясно было видно лицо с двумя глазами, носом и ртом. Спросил одного, другого... посмотрел там, тут... Но нет, похоже, этим простым вопросом никто не задавался.

Портрет молодой женщины. Хавара, 120-150 гг. н.э. Египетский музей, Каир



Стал копать сам. Конечно, первыми на ум пришли любимые фаюмские портреты. Они - одна из вершин мирового искусства и одни из самых древних из дошедших до нас портретных изображений. Какой из них самый старый? Похоже, как раз тот, который и самый удивительный по технике, - портрет Алины, выполненный в начале I века нашей эры.

Портрет Алины. Хавара, Египет, 24 г.н.э. Новый музей, Берлин



Фаюмские портреты появились в то время, когда Октавиан Август победил Клеопатру и сделал Египет колонией Рима (30 г. до н.э.). Но римская культура проникла в Египет еще раньше, италийские мастера работали в Египте уже при Цезаре. А еще раньше, со времен первых фараонов македонской династии Птолемеев, работали тут греки. Может быть, более старые изображения лиц нужно искать на европейском континенте?

Геркулес и Омфала (фрагмент), фреска I в.н.э. из Помпей. Археологический музей, Неаполь



Портрет из "Виллы Мистерий" (фрагмент), рубеж I в.н.э., Помпеи



Когда смотришь на эти фрески, сразу видишь школу. Но как она возникла, откуда пошла? Чуть копнув вглубь, понимаешь, что римское изобразительное искусство вырастало из греческого. Именно туда ведут корни, там, вероятно, и нужно искать первые портреты. К сожалению, сохранившиеся образцы греческой живописи можно пересчитать по пальцам. Но они все же есть, и на них видны лица - и анфас, и в три четверти (которые изобразить всего труднее).

Мастер Кодзамакис. Роспись гробницы фракийского правителя Ройгоса, ок. 250 г. до н.э. Казанлык, Болгария



Мастер Гносис. Охота на оленя, ок. 300 г. до н.э. Археологический музей Пеллы, Греция


Полагают, что мастер Гносис ориентировался в своем искусстве на современную ему реалистическую греческую живопись, да и сделать мозаику можно было лишь по предварительному живописному наброску. Произведение, вероятно, изображает Алекандра Македонского (справа) и его ближайшего друга Гефестиона (слева).

А вот, пожалуй, самая старая роспись: портрет безвестной красавицы из фракийской гробницы Оструша (близ г. Шипка, Болгария), датируемой серединой IV века до н.э.




К счастью, греки также расписывали керамику, сохранность которой оказалась гораздо выше, чем фресок, или картин на досках. На кувшинах и чашах можно найти прекрасные рисунки и композиции. Попробуем проследить как изображались на них лица.

Панафинейская амфора (фрагмент), 332-331 гг.до н.э. Британский музей, Лондон


Такие амфоры вручались победителям состязаний на Панафинейских играх. На них указывалось имя тогдашнего архонта (правителя), что позволяет делать достаточно точные датировки. Панафинейские амфоры традиционно изготавливались чернофигурными, даже когда более молодой краснофигурный стиль давно стал господствующим (черным лаком рисовались либо фигуры, либо закрашивался фон - тогда фигуры оставались красными, цвета обожженой глины).

А вот лица, написанные почти на век ранее (краснофигурный стиль).

Мастер Сизифос.Геракл и кентавр Несс, ок. 420 г. до н.э. Лувр, Париж



Женщина с зеркалом, ок.430 г. до н.э. Лувр, Париж


Отметьте жест руки и изящные брови на последнем портрете. Сразу вспоминаются рисунки Матисса.

Двинемся глубже. На рубеже VI века до н.э. лиц в пол-оборота уже не встречается, да и фронтальные изображения становятся редкими гостями среди многих и многих профилей.

Атлет. 490-500 гг. до н.э., Лувр, Париж



Самые старые греческие сюжеты, которые я обнаружил, портретами можно назвать с натяжкой. Это стилизованное лицо медузы Горгоны, которое изображали на щитах греческие войны для устрашения противника, и герой Главк в шлеме, повернувшийся лицом к зрителю в сцене Троянской войны.

Битва под стенами Трои. Ок. 540 года до.н.э. Галерея Виктории, Мельбурн



И дальше от нас во времени - лишь профили. И прекрасные критянки, и божественной красоты девушки Санторина на зрителя не смотрят...

Девушка, собирающая крокусы (фрагмент). XVI-XVII век до н.э., Тира, Греция



Больше Европа ничем не порадовала. Несмотря на обилие статуй, представлявших лица людей и богов с большим искусством и высоким правдоподобием, что-то словно препятствовало делать то же самое художникам. Канон? Традиция? Нехватка мастерства? В последнее мне верится с трудом...

Но вернемся к фаюмским портретам, которые открывали поиск. Это ведь не только античное веяние, но и египетская погребальная традиция. Нет ли рисованного фронтального портрета в египетском искусстве?

Оказывается есть! Не так давно, в 2017 году, в запасниках Эдинбургского музея обнаружили покров мумии чиновника, погребенного в 9 году до нашей эры. Египтяне хоронили усопших в саркофагах, но это была достаточно дорогостоящая процедура, и в эллинистический период стали использовать саваны, на которые наносили изображение усопшего, что заменяло погребальную маску.

Саван мумии, I в. до н.э. Национальный музей, Эдинбург, Шотландия


На этом саване покойный изображен в виде бога Осириса. Но когда начали создавать подобные образы? Египетские традиции сохранялись веками, если не тысячелетиями, и менялись очень медленно. Есть ли образцы более древних покрывал с рисунками?

И вот свежая новость: в 2020 году в местечке Саккара под Каиром, где находится целая долина древних захоронений, обнаружили нетронутые ранее гробницы, относящиеся к VI-VII векам до н.э. Их вскрывали в октябре 2020-го в присутствии прессы и многочисленных зрителей, репортажи об этом событии есть в сети. И посмотрите, одна из мумий оказалась с портретом.

Вскрытие саркофага VI-VII века до н.э.
1.


2.



Понятно, что саван еще не снят - это длительный процесс, требующий тщательной и аккуратной работы. Но нарисованное лицо хорошо различимо. Неужели именно этот портрет среднего египетского служащего является самым старым "фасом"? Не делали ли похожих портретов еще раньше, например на саркофагах?

Саркофаги певицы Танетеререт, 1069-945 гг. до н.э. Лувр, Париж.


Похоже, что ответ отрицательный. Саркофаги всегда выполнялись как скульптурные объекты, с объёмными элементами рук и ног и четко артикулированным лицом. Их хоть и расписывали, однако это было раскрашивание статуи, а не рисование портрета на гладкой поверхности. Только на дно самого внутреннего из всех саркофагов наносилось изображение человека, но там оно было традиционным: с развернутым к зрителю туловищем и повернутой в профиль головой. И чем выше было положение умершего, там строже выдерживались каноны и тщательнее соблюдались традиции при его изображении - и в погребальных росписях, и в тех образах, что оставались для живых.

...И все таки, египтяне не подвели. При росписи гробницы писца Небамона, выполненной 3400 лет назад, безвестный художник отошел от строгого канона и изобразил двух музицирующих девушек не в профиль, а в фас:

Роспись гробницы Небамона (фрагмент), 1390 год до н.э., Британский музей, Лондон
1.


2.



Это было самое старое фронтальное изображение лиц, которое я нашел. Однако, благодаря комментариям читателей, историю удалось продолжить.

Сначала мне указали на изображение шумерского воина, борющегося с двумя быками. У быков человеческие лица, повернутые к зрителю.

Сцена с арфы из Ура (фрагмент), ок 2500 г.до н.э., Музей археологии Пенсильванского университета (Penn Museum)


Мотив человека-быка был очень популярен в шумерско-аккадской культуре. Он затем распространился по всей Месопотамии, приняв наиболее выразительную форму у ассирийцев в их крылатых шеду (ламасу). И пусть на арфе не чистый рисунок, а резьба по перламутру, это изображение достаточно близко по технике к греческой вазописи, и его вполне можно отнести к теме первых фронтальных портретов.


А вот еще замечательное портретное изображение из пещеры Ла-Марш во Франции, возможно относящееся ко времени палеолита. В этой пещере была обнаружена целая галерея реалистичных портретов, все лица изображены в профиль, но одно повернуто почти фронтально.

Лицо из пещеры Ла-Марш, Франция. Предположительно ок. 14500 лет назад.
1.


2.


Оригинал не столь впечатляет, как реконструкция, но хочется верить, что древний шедевр (если он действительно древний) восстановлен верно, и тогда перед нами самое старое изображение лица анфас.

Однако, следует упомянуть, что в научном мире до сих пор не утихают споры о подлинности рисунков из пещеры Ла Марш. Аргументы сторон достаточно убедительны, поэтому окончательный вывод, подлинник перед нами или подделка, делать пока рано.

[Iryna13]

Николай-СПб, Как всегда огромная благодарность. Читаю-перечитываю, благодаря Вам более внимательно вглядываюсь в детали катрин, скультур. Очень интересно! Спасибо Вам за Ваш огромный труд!

[Николай-СПб]

Iryna13, спасибо за отклик, очень приятно слышать!

Croissant, благодарю Вас! Повело меня что-то на древности )

[Николай-СПб]

"Я так вижу!" - это последний, а иногда и единственный аргумент, которым художник, будь он живописец, скульптор или фотограф, завершает спор с критиками своих работ. И, по большому счету, автор прав, какой бы ни была реакция публики на результат его труда. Однако, всегда хочется узнать, а какова же была реальность, на которую смотрел художник, сравнить ее с законченным произведением.

__________________________________________________ ______________

1. Томас Бентон и Имоджин Брутон, 1939.

Картина Томаса Бентона "Персефона" создавалась в Художественном институте Канзас-Сити, где Бентон был преподавателем, а Имоджин Брутон работала натурщицей. Некоторые из студентов Бентона параллельно писали свои версии сюжета. Процесс работы был освещен журналистами и фотографом журнала Лайф. Почти сразу по завершении картины Имоджин вышла замуж и оставила позирование.

На картине изображена древнегреческая богиня Персефона, отдыхающая обнажённой у дерева. Окружающая ее сельская местность типична для американского Среднего Запада. А сам художник, одетый как фермер, играет роль бога Плутона, подглядывающего за Персефоной. Обратите внимание на туфли модели, которые также попали на картину.






__________________________________________________ ______________

2. Вильям-Адольф Бугро. Сестры, 1901.

Творчество Бугро называли квинтэссенцией академической живописи. Художник любил писать с натуры и воспроизводил внешность своих моделей с фотографической точностью, внося, тем не менее, в свои работы романтические мотивы. Работая с женщинами и маленькими детьми, Бугро позволял им играть, ссориться, забавляться. В удачные, по его мнению, моменты он зарисовывал движения, каждый раз пытаясь запечатлеть свои мимолётные впечатления: откровенность взгляда и жеста, подсознательные порывы, и это весьма ценилось покупателями.






__________________________________________________ ______________

3. Антуан Бурдель. Геракл, стреляющий из лука, 1909.

Бурдель более 15 лет был учеником и помощником Родена. Вероятно, он не превзошел учителя, но вошел в историю скульптуры как автор самобытного узнаваемого стиля, опирающегося на античную архаику, но в то же время необыкновенно экспрессивного и мощного. Влияние Бурделя испытали многие крупные мастера пластики, обучались в его мастерской и начинающие русские скульпторы, в частности, Вера Мухина. Не напоминает ли вам жест Геракла о мухинской статуе "Рабочий и колхозница"?






__________________________________________________ ______________

4. Марк и Белла Шагал, 1934

Марк Шагал вошел в историю живописи XX века как настоящий романтик. На протяжении всего творчества в его картинах присутствовал образ главной женщины его жизни -- супруги Беллы Шагал (в девичестве Розенфельд). Она "летала" с ним над Витебском, она появлялась в многочисленных портретах и аллегориях. Можно сказать, что в искусстве Шагала Белла стала иконографическим типом - таким видится и ее портрет 1934 года.






__________________________________________________ ______________

5. Говард Кристи и Элси Форд, 1933.

Говард Чандлер Кристи наиболее известен картиной, на которой он изобразил подписание конституции США. Но художник много работал и как иллюстратор, и как оформитель, особенно в годы Великой депрессии. Элси Форд была студенткой и любимой моделью Кристи, она много позировала ему для патриотических и благотворительных плакатов. Элси оставалась спутницей Кристи более 20 лет, до момента его смерти в 1952 году, и имела от Говарда внебрачную дочь.

На фотографии Элси позирует для эскиза росписи Нью-Йоркского Cafe des Artistes, над которым жил Кристи. Веселые обнаженные тела идиллических сцен на стенах кафе стали своего рода брендом Кристи. Часть этих росписей сохранилась, но, к сожалению, сред них нет той, которая изображена на фотографии. Похожую фигуру можно увидеть только на одном из патриотических плакатов Кристи.






__________________________________________________ ______________

6. Каролюс-Дюран и король Сиама Чулалонгкорн, 1907

Шарль Дюран взял себе псевдоним Каролюс-Дюран, которым и подписывал свои работы всю жизнь. С конца 1860-х годов художник стал одним из самых популярных и ценимых в Париже портретистов. При этом в своих работах он не льстил заказчику, а старался добиться правдивого отображения человеческой натуры.

В 1907 году Сиамский король Чулалонгкорн совершил большое европейское турне. В частности он посетил и Францию, где не только побывал в Лувре, Опере, поднялся на Эйфелеву башню, но и заказал себе у Каролюса-Дюрана парадный портрет. Правда писался портрет не в Париже, а в итальянском Сан-Ремо, поскольку Каролюс-Дюран занимал в то время должность директора Французской академии в Риме.






__________________________________________________ ______________

7. Илья Глазунов и Джина Лоллобриджида, 1963

В период расцвета соцреализма и интернационализма искусство Ильи Глазунова, обращенное к корням русской культуры и истории, воспринималось как свежая струя, но в то же время рассматривалось как диссидентское. Фактически, признание пришло к художнику из-за границы. Во время Московского кинофестиваля 1961 года художника отыскала всемирно известная кинозвезда Джина Лоллобриджида, а 1963 году она добилась от советских властей разрешения на его поездку в Италию. Глазунов писал портрет Джины на ее римской вилле. После окончания работы актриса (и не только она) уговаривала Глазунова остаться в Италии, но он вернулся в Москву, где у него тогда не было ни жилья, ни мастерской, ни выставок...






__________________________________________________ ______________

8. Эдвард Эгглстон и Эдит Бэкус, 1936

Эдвард Эгглстон был американским художником-иллюстратором. Он работал над обложками журналов, туристическими плакатами, рекламой, винтажными календарями. Во времена Великой депрессии Эгглстон следовал течению "бегства от реальности", создавая идиллические рисованные "истории", показывающие веселых и довольных женщин в стильных туалетах и купальных костюмах.

На фотографии художник работает над плакатом для выставки Великих озер 1937 года в Кливленде, который стал одной из самых известных его работ. Позирует ему модель Эдит Бэкус, которой в то время было лишь 19 лет. В 1941 году Эдит вышла замуж за Джека Крайслера, сына основателя корпорации Крайслер, и стала вращаться уже совсем в иных кругах.






__________________________________________________ ______________

9. Фердинанд Ходлер и Эмма Шмидт-Мюллер, 1913

Швейцарский художник Фердинанд Ходлер был и реалистом, и мистиком одновременно. На его полотнах поза, жест, и линии всегда многозначительны, а фигуры символичны. Это относится и к сюжетным, и к портретным работам художника.

Из отзыва критика: "Портрет Эммы Шмидт-Мюллер - безоговорочный шедевр. Каждый след кисти, каждое пятно цвета, каждое жилистое отражение и полупрозрачная тень сливаются в цельный, ясный и глубоко человечный образ темноволосой и темноглазой женщины, сидящей с торсом, наклоненным в одну сторону, и головой, склоненной в другую". На мой взгляд, именно эта точно выверенная поза, которая, если судить по фотографии, была найдена художником лишь на холсте, и придает портрету его особое очарование.






__________________________________________________ ______________

10. Дэниел Риджуэй Найт. Пастушка из Роллебуаз, 1896

Художник родился в США, но обучаться живописи уехал в Париж. После окончания Школы изящных искусств Найт поселился во Франции, купив дом на берегу Сены в Пуасси. Там он оборудовал себе необычную студию, которая как бы являлась продолжением природной среды и сохраняла естественное освещение. Жанровые картины Найта, сочетающие в себе портретные и пейзажные мотивы, пользовались у французской публики большим успехом.

Мне не удалось найти в сети репродукцию именно той картины, что видна закрепленной на мольберте. Но вот пастушка - модель Найта - узнаваема на другом полотне, репродукция которого приведена ниже.






__________________________________________________ ______________

11. Рене Магритт. Ясновидение. Автопортрет, 1936

"Смотреть на малое - видеть великое" - это можно сказать и о картине художника, и о нем самом. Искусство Магритта пронизано идеей наблюдения за казалось бы обыденными вещами, в которых, тем не менее, можно увидеть совершенно необычные явления и образы. И то, что для своего фотографического портрета Магритт выбрал собственную картину, где наблюдение обычного яйца рождает на холсте образ взрослой птицы, глубоко символично и характеризует всё творчество художника.






__________________________________________________ ______________

12. Константин Маковский. Портрет императрицы Марии Федоровны, 1912

Картины Маковского ценились очень дорого. Он, возможно, был самым успешными живописцем своего времени, баловнем фортуны и любимцем женщин. Работал он быстро, многие портреты оказывались готовы уже к концу первого сеанса. А чтобы заказчику такая скорость не казалось странной, Маковский говорил, что будет продолжать тщательную работу над портретом мастерской, и отдавал тот же холст через месяц.

Трудно сказать, как много позировала художнику императрица, но судя по фотографии, Маковский завершал парадный портрет без присутствия модели, по эскизам и более ранним наброскам. Конечно, портрет идеализирован и приукрашен - в 1912 году вдовствующей императрице было уже 65 лет. Следует, однако, отметить, что Мария Федоровна была исключительно моложава, на многих фотографиях она выглядит ровесницей своего сына Николая II. В Петербурге ходили слухи про удачную пластическую операцию, но они так и остались неподтвержденными слухами...






__________________________________________________ ______________

13. Анри Матисс и Лидия Делекторская, 1944

В 1932 году Лидия Делекторская пришла в мастерскую Матисса по объявлению: она оказалась в чужой стране одна, без средств к существованию, художнику же был нужен временный помощник в мастерской. Позже, когда жене Матисса понадобилась сиделка, Лидию попросили остаться в доме. А в 1935 году Матисс неожиданно для всех вдруг "увидел" в Лидии прекрасную модель.

Художник написал огромное количество портретов Делекторской, а она долгое время даже не подозревала, кому позирует. Постепенно Лидия стала для Матисса всем: музой, секретарем, помощником в делах. Супруга Матисса ревновала к ней и даже подала на развод, но Делекторская категорически отказывалась стать новой женой художника, хотя и любила его. Она была рядом с Матиссом 22 года, до самой его смерти. А после кончины мастера все свои сбережения тратила на приобретение работ Матисса, которые отправляла в Россию, в дар Эрмитажу и Пушкинскому музею. И это составило, ни много ни мало, двести картин, эскизов, рисунков...






__________________________________________________ ______________

14. Григорий Постников и Юрий Гагарин, 1962

Скульптор Григорий Постников сознательно и решительно продолжал традиции советской монументальной пластики, заложенные Мухиной, Шадром, Вучетичем. Главной темой скульптур бывшего летчика было покорение космоса, и эти работы очень нравились будущим космонавтам. Когда пришла пора лепить бюсты героев, космонавты настояли, чтобы работа была поручена именно Постникову, а не его более именитым коллегам. На фотографии ниже скульптор работает над эскизом головы Гагарина в Звездном городке. Справа стоит Алексей Леонов, который через три года первым вышел в открытый космос.

На нижнем снимке Гагарин оставляет автограф на готовой работе - своем скульптурном портрете, выполненном Постниковым.






__________________________________________________ ______________

15. Диего Ривера и Сильвия Пиналь, 1956

Диего Ривера разработал в искусстве свой собственный метафорический язык, который поддерживал революционные идеалы и раскрывал историю его родной Мексики. Его работы способствовали появлению чувства национальной мексиканской гордости и принадлежности к своему народу, помогли выковать новое общенациональное самосознание, существующее и по сей день.

Сильвия Пиналь являлась одной из икон мексиканского кино, культовой актрисой 1950х-60х годов. На сегодня, она остается одной из немногих оставшихся в живых легенд "золотого века" мексиканской культуры.






__________________________________________________ ______________

16. Илья Репин и священник Григорий Петров, 1908

Работы Репина - как исторические, так и портретные - можно назвать своеобразной художественной летописью конца XIX начала XX века. Портреты художника всегда ярко индивидуальны и наделены неповторимыми чертами, наиболее полно раскрывающими существо и характер изображаемого человека.

Священник Григорий Петров был современником Репина, пламенным оратором, публицистом и общественным деятелем, он выступал на страницах прессы с обличением существовавших в Российской империи порядков. За критику митрополита он был отлучен от церкви, предан анафеме и выслан из столицы. Портрет писался в имении Репина Пенаты под Петербургом, куда Петров специально для этого приехал. И Репин прекрасно передал его страстную натуру и мятежный дух. После Революции Петров эмигрировал, но оставил полотно в России.






__________________________________________________ ______________

17. Огюст Роден и Адель Абруцезе, 1890е.

Сестры Абруцезе, Адель и Анна, были на протяжении долгого времени любимыми натурщицами Родена. Они позировали скульптору для многих работ, в том числе, для сюжетов "Врат ада". C Адели скульптор лепил "Крадущуюся женщину", "Ирис - посланницу богов", "Упавшую кариатиду". Модели Родена не застывали в определенных позах в процессе работы. Скульптор заставлял их постоянно двигаться по студии, ощупывал их мышцы, измерял пропорции тела, зарисовывал, и лишь потом приступал к лепке.

На репродукции ниже представлен портрет Адели, на который модель Родена стоит рядом со скульптурой, для которой она позировала.




Густав Макс Стивенс. Адель и кариатида, 1886



Огюст Роден. Упавшая кариатида, 1882


__________________________________________________ ______________

18. Джон Сарджент. Миссис Фиск Уоррен и ее дочь Рэйчел, 1903

На картине изображена представительница американской промышленной аристократии Гретхен Уоррен со своей дочерью. Гретхен родилась в богатой бостонской семье, музицировала, пела, сочиняла стихи, появлялась перед публикой на сцене. Портрет заказал Сардженту ее муж-промышленник. Позирование проходило в доме Изабеллы Гарднер, чья картинная галерея стала впоследствии музеем.

Портрет, конечно, считают удачей Сарджента, но если в него вглядеться, то лишь характер девочки представляется раскрытым. Мать показана красиво и богато, но это пожалуй и все, что можно о ней сказать по картине. На фотографии она выглядит гораздо человечнее.






__________________________________________________ ______________

19. Хаим Сутин и подвешенная курица, 1925

Нищий беглец из белорусского еврейского местечка постепенно превратился в Париже в знаменитого художника. Говорили, что он рисовал еду, прежде чем ее съесть, всегда выглядел неряшливо и жил в беспорядке. Но его друзьями были Модильяни, Пикассо, Шагал, Леже, Маревна. Работы свои Сутин продавал за гроши, а когда стал известен, тут же тратил все, что получал. Но в конце 1920х годов за его ни на кого и ни на что не похожими картинами коллекционеры устраивали настоящую охоту.

Кажется, что Сутин все время пыталтся "ухватить и перенести на холст одновременно две эмоции: восторг перед красотой мира и ужас от осознания ее скоротечности и обреченности, призывая для этого на помощь динамичную, рвущую холст композицию, нервный мазок и экспрессию цвета".






__________________________________________________ ______________

20. Анри Тулуз-Лотрек и глухая Берта, 1889

Картина "Женщина с зонтиком" является портретом парижской проститутки по прозвищу "Глухая Берта". Примечательно, как удачно неизвестный фотограф запечатлел работу над картиной: здесь виден и сам художник, и его модель, и окружающая обстановка, и сама картина. Заметно, что, несмотря на некоторую гротескность изображения, Тулуз-Лотрек безупречно точен в изображении всех подробностей: предметы, одежда, шляпка, поза модели и выражение ее лица -- полностью соответствуют тому, что оказалось на холсте.






__________________________________________________ ______________

21. Павел Трубецкой и Лев Толстой, 1899

Павел Трубецкой родился в Италии как внебрачный сын князя Петра Трубецкого. Князю, имевшему сразу двух жён -- одну в России, другую в Италии, -- император Александр II запретил возвращаться на родину. Но Павел Трубецкой, уже будучи известным скульптором, все же вернулся в Россию, где провел более 10 лет. В это время он близко сошелся со Львом Толстым и вылепил несколько его бюстов. Тот, что показан на снимке, был создан в имении Толстого Ясная поляна.






__________________________________________________ ______________

22. Кес ван Донген и Женевьева Викс, 1920

Самыми востребованными работами Ван Донгена были портреты. С некоторым цинизмом художник объяснял свою популярность в качестве портретиста среди женской половины высшего общества: "Главное -- это удлинить женщин и особенно сделать их стройными. После этого остается только увеличить их драгоценности. Они восхищены". Как можно видеть, портрет Женевьевы Викс вполне подтверждает эту шутку.

Женевьева была французской оперной певицей, но блистала она не только в Париже, а и в Мадриде, Буэнос-Айресе, Рио-де-Жанейро, Нью-Йорке, Риме, Константинополе. Ван Донген изобразил ее в образе Саломеи, когда той преподносят на блюде голову Иоанна Крестителя.






__________________________________________________ ______________

23. Вильям-Адольф Бугро. Богиня дня, 1881

Богиня дня - это одна из четырех картин, составляющих серию Утро-День-Вечер-Ночь. Фотография хорошо иллюстрирует то, как Бугро работал с моделью для получения на полотне изящной летящей фигуры, находящейся в активном движении. К сожалению, качество фото более чем посредственное, поэтому я привожу гравюру, сделанную по снимку, - на ней и студия, и художник, и модель видны гораздо лучше.

Когда в конце творческого пути Бугро начал активно работать с обнаженной натурой, критика стала обвинять его в безнравственности. После кончины его имя и художественное наследие оказались в забвении, и лишь в критической литературе можно было встретить негативное упоминание о Бугро как о живописце жанра ню. Картины, отправленные в запасники музеев, почти столетие хранились в подвальных помещениях и на чердаках. Но все возвращается на круги своя, и сейчас полотна Бугро занимают почетные места в лучших музеях мира.









__________________________________________________ ______________

24. Фрида Кало и доктор Фарилл, 1951

Картина на мольберте - последний автопортрет Фриды. Она нарисовала себя вместе со своим хирургом, доктором Хуаном Фариллом. В 1951 году этот хирург сделал Фриде семь операций на позвоночнике. Ей пришлось пробыть в больнице Мехико почти 9 месяцев, и только в ноябре 1951-го она, наконец, снова смогла рисовать, правда лишь сидя в инвалидной коляске. Первой картиной, которую она написала, был автопортрет, посвященный доктору Фариллу. Фрида записала в своем дневнике: "Я болела в течение года... семь операций на позвоночнике. Доктор Фарилл спас меня".

Посмотрите на палитру, которую Фрида-на-картине держит в руке. Этот символ означает, что она писала портрет кровью собственного сердца.

[KOLIBRY]

Спасибо!

[Николай-СПб]

KOLIBRY, благодарю Вас!

Rucya, сам учусь, вот и тянет рассказать )