Ив Клайн и другие картины

[vrubelru]

Ksenya, Клайн сочетал этот синий с золотом сходите на выставку, там есть картины из чистого золота, очень красиво!
а лучше всего еще почитать до выставки о всей его философии цвета и жизни.

[Ksenya]

С золотом? Это высший пилотаж

Сходить не получится До-о-олго идти придется, боюсь даже до 5 февраля не доберусь...Нынче ведь зима на дворе

А вот философию цвета и жизни сего художника , так уж и быть, почитаю...Заинтриговали!

[X_anna...]

а сайт, сайт-то видели?? http://www.yvesklein.org/ Класс!

[Ksenya]

В 1955, принимая участие в выставке "Салон новой действительности" с монохромной картиной, выполненной в оранжевом цвете, Кляйн столкнулся с неприятием своего творчества.

vrubelru, а ведь начинал с ОРАНЖЕВОГО Да-а-а, не зря день прожила Это была маленькая пауза, снова углубляюсь в изучение философии и биографии Кляйна

[Ksenya]

vrubelru, спасибо, что подняли эту тему

Открыла для себя, такую интересную личность
Просмотрела работы Ива Кляйна в интернете и УВЫ... Конечно же, хотелось бы увидеть их в оригинале...Думаю, они действительно производят сильное впечатление

Вот, что вычитала...

Но сам Кляйн отрицал выставки, предпочитая перформансы – так что для того, чтобы лучшим способом оценить его поиски, достаточно просто поднять голову и посмотреть на небо. Которое он когда-то хотел подписать, сделав произведением искусства.

Вот и буду довольствоваться небом!!! Откладываю все дела, иду гулять и любоваться синим небом

[vrubelru]

Ksenya, а про "пустую" выставку читали?

[Ksenya]

И про "пустую" тоже читала... Вот только не обнаружила фотографии самого художника Правда, целенаправленно поиском не занималась. Думаю, начну двигаться в этом направлении Просто стало интересно, как он выглядит
Давеча вспомнила небезызвестного Энди Уорхола, который "ОГО-ГО", какой переворот осуществил в искусстве...И ведь, будь он мужчиной, ординарной или "традиционно-красивой" внешности, лишенный всвязи с этим комплексов, возможно, даже не выделился из массы...А в итоге такое "натворил"!
Да-а-а...Что-то не туда меня понесло Итак, ищу фотографию Ива Кляйна!

[Ksenya]

X_anna..., увидела-таки сайт Здоровский!!! Вчера он у меня никак не желал загружаться... И на художника, заодно, посмотрела

[mzagran]

тупик или конец?
Куда идет изобразительное искусство? Так спрашивали, когда четко обозначился его кризис. Нынче говорят уже не о кризисе, а о конце искусства – оно выбилось из колеи, застряло в беспутице и на мели. Искусство перестало быть искусством, прекратило выдавать художественную форму. Нынче все что ни есть сойдет за искусство. И это утверждает не какой-нибудь лох из деревенской глубинки Алабамы, а уважаемый, ответственный и блестящий в своих рецензиях и статьях критик Доналд Каспит, поставивший вопрос круто и сам давший на него безоговорочный ответ: конец искусства. Без никакого вопросительного знака. Как императив. Вопрос в другом: с чего всё это началось? Когда искусство утратило эстетический закон и художественный критерий?
В 1974 году Крис Бёрдэн был распят, как Христос на кресте, на крыше Фольксвагена. Он создавал произведение искусства. Еще через 10 лет Германн Нитш устроил трехдневный перформанс. Его участники вспарывали животы быкам и овцам и затем топтали босыми ногами в чанах, где кровь и внутренности животных были обильно смешаны с виноградом. Еще одно произведение искусства. Рафаэль Ортиз отсекал курице голову и бил тушкой по гитаре. Ана Мендиета, которой музей Уитни устроил ретроспективу в прошлом году, также приноровилась обезглавливать куриц, а затем обрызгивать куриной кровью свое нагое тело. Как заметил один комментатор: «Животным опасно находиться в мире искусства». Как, впрочем, и самим художникам. Они полосуют себя бритвами, втыкают иголки в голову, катаются голыми по осколкам стекла, свисают, опять же голышом, с мясных крюков и даже вытерпливают хирургическую «операцию-перформанс», во время которой зрители как ни в чем не бывало беседуют с художником-пациентом. А в 1989 году Боб Фланаган прибил гвоздем свой пенис к деревянной доске.
Мир искусства окончательно свихнулся? И не спрашивайте! Те, кто интересуется, как далеко зашло безумие, могут отыскать самые дерзкие из художественных актов, созданных за последние 40 лет, – от публичного исследования шейки матки до некрофилии. Реакция на эти перформансы самая разная – от любопытства до отвращения. Кто-то видит в них смысл. Большинство отвращает от них глаза. Но есть и такие зрители, чье внимание к этим работам объясняется их надеждой извлечь отсюда политическую выгоду.
Правофланговые конгрессмены, фундаменталисты-проповедники, боевитые нью-йоркские мэры (независимо от их политической окраски) – все они прекрасно знали, что могут довести своих сторонников до белого каления, выступая против эксцессов современного искусства. Само собой, когда силы реакции наступают, интеллигенты бросаются на баррикады, чтобы защищать свободу слова и художественного выражения.
Однако не так уж разнятся полемисты по обе стороны баррикад. Крайности сходятся, и из самой глуби современного искусства, от его критиков и историков, раздаются слишком знакомые определения – «декадентское», «нарциссистское», «бессмысленное», «бесцельное». Забавный случай подтвердил все эти уничижительные для искусства эпитеты. В 2001 году престижная лондонская галерея экспонировала работу Дамиена Хёрста, состоящую из бумажных стаканчиков из-под кофе, пустых бутылок из-под пива, фантиков от конфет и других отбросов. Это произведение искусств оценивалось в шестизначную цифру. Но уборщик помещения, не будучи знатоком искусства, смел его с остальным мусором. Шутка в связи с этим трагикомическим эпизодом: уборщик, по-видимому, был правофланговым критиком.
Но самые суровые оппоненты современного искусства приходят не со стороны, а из самой его сердцевины. В отличие от демагогических проповедников и политиков, они знают, о чем говорят. Они возражают не против отдельных художников или предметов искусства. Они подвергают сомнению само искусство, которое сошло с колес, съехало с катушек, утратило все свои критерии и устои.
В 70-е годы прошлого века критик Гаролд Розенберг писал: «Искусство пребывает сегодня в глубочайшем кризисе. Уже никто не может с уверенностью сказать, что является произведением искусства, а что – нет».
Другой американский критик Хилтон Крамер доводит эту мрачную картину художественного распада до наших дней. В оценке современной живописи Крамер применяет простейшую формулу: модернизм хорош, постмодернизм плох. Великие мастера модернистской традиции – Сезанн, Матисс, Пикассо остаются для него «основой нашей истеблишментной культуры» и «пробным камнем качества», которое было вытеснено в нашу постмодернистскую эпоху пошлым вкусом и «карнавалом чепухи». Начиная с 60-х годов, искусство деградировало в китч. В текущей живописи нет ни ведущей тенденции, ни превалирующей авангардной теории, ни даже доминирующей художественной личности. Что же, авангард окончательно иссяк? – спрашивают критики и отвечают знаменитым выкриком отчаяния Мартина Хайдеггера: «Только Бог может спасти нас».
Разумеется, не все критики замыкают жизнеспособность искусства великими модернистами вроде Сезанна и Пикассо. Многие идут дальше, признавая и постмодернизм, и его разнообразные течения. Но чем ближе они подходят к современности, тем мрачнее, пессимистичнее их приговоры. «Все сойдет за искусство» - вот девиз искусства сегодняшнего дня. При такой эстетической и этической вседозволенности художника, что остается критику критиковать? Где художка? А где чернуха? А где и вовсе порнуха?
В таких условиях критик вынужден отказаться от своего традиционного ремесла. Он обречен на словесное сканирование художественного – или антихудожественного – экспоната, помещая его в исторический контекст, на установку стилистических и интеллектуальных связей между художниками. За редкими исключениями, сегодняшний критик избегает вынести свой художественный вердикт. Ибо он ему самому неизвестен. Вряд ли все-таки потомки сочтут экскременты художника за художественные эксперименты и поставят их в один ряд с шедеврами Фидия, Леонардо, Пикассо и Модильяни. Нынче не только художество, но и художественная критика находятся в глубоком и затяжном кризисе.
Первые признаки вседозволенности появились в работах Джексона Поллока. Позднее его назвали главой «абстрактного экспрессионизма» - такой разновидности абстрактного искусства, основанного на интуитивности не контролируемого разумом творчества. Поллок отказался от рисунка, от линии и разработал технику «дриппинга» - произвольного разбрызгивания краски по полотну. Он привлек внимание в 1949 году благодаря репродукции с его картины в журнале «Лайф». Для многих молодых художников «дриппинг» Поллока означал освобождение от ограничений и норм живописи.
К середине 50-х годов один японский художник создавал картину, швыряя банки с краской на полотно. Другой японец писал картины ногами. В 1960 году французский художник Ив Клайн пользовался обнаженными женскими телами вместо кистей. В 1965-м Шиджеко Кубота присела на корточки над полотном, создав «вагинальную картину», в которой критик увидел «активированную вагину в качестве источника вдохновения и нового языка в живописи». В 1970-х Энди Уорхол сделал пи-пи на свои полотна. В конце 1990-х Кейт Боадви создал свое беспрецедентное искусство выжимая краску из ануса.
Итак, всё разрешено в искусстве и всё, буквально всё может стать произведением искусства. Так считает новомодный критик Артур Данто и так, вместе с ним, считают художники-авангардисты. Однако эта вседозволенность, как и любое действие человека, ограничено моральными запретами. Искусству долгое время придавали «возвышенный статус», позволяя художникам действовать в музеях, аудиториях и галереях так, как было бы неприемлемо в других контекстах.
Австрийский художник Гюнтер Брус устроил в Вене на сцене перформанс, который не скоро забудут законопослушные венцы. При большом стечении зрителей Брус пописал и покакал на сцене, затем вволю помастурбировал, доведя себя до эякуляции и распевая при этом австрийский национальный гимн. Мало того, он совершил еще несколько актов «творчества», которые ни один критик и журналист не решаются описать словами. Когда Брус был арестован за надругательство над государственной символикой, он возражал, что его действия были бунтом против условных табу и что представление должно быть охраняемо теми же полицейскими как произведение искусства.
Брус был по-своему прав: зрители пришли на его представление по собственному желанию. Но что если бы он физически набросился на кого-нибудь из публики и объяснил бы этот акт все той же борьбой с табу, с общественными запретами и ограничениями? Андрэ Бретон как-то сказал, что «простейший акт сюрреалиста – выбежать на улицу, пистолет в руке, и палить без разбора по толпе». И хотя искусство в обществе действительно проживает в «привилегированной зоне», но эта зона находится в пределах общества. Для людей, живущих в обществе, даже для художников идея, что всё годится в искусство, есть профанация искусства. То есть чистая фикция.
Понятно, почему эта фикция взросла, почему столько критиков искусства купились на нее. Трудно было предположить, что капающая из тюбика краска – «дриппинг» Поллока - повлечет за собой у другого художника прием выдавливания краски из собственной ж..ы, может, что-то и похуже.
Сама дефиниция искусства определяет его как социальное взаимодействие, как связь между людьми, наконец, как диалог, а не просто выражение ничем не ограниченного эгоцентризма, как это чаще всего случалось последние десятилетия. Но что есть и на что похоже это новомодное диалогическое искусство?
Марина Абрамович ставит на сцене (обычно в музеях) мазохистские спектакли одного актера. Она – экстремалка-мазохистка, и ее спектакли обычно шокируют и отвращают зрителей. Тем не менее зрители набираются и бурно реагируют на ее действо. В представлении «Губы Томаса» Абрамович вырезала пентаграмму у себя на животе, а затем забила себя хлыстом до бесчувствия. Недавно она повторила этот мазохистский спектакль, и когда поднесла по второму разу лезвие бритвы к своему окровавленному животу, женщина из публики закричала: «Вы не должны делать это снова!»
Марина Абрамович драматизирует человеческую уязвимость и персональную ответственность, считают критики. В ее представлениях зритель участвует наравне с художницей. Полгода назад Абрамович выступала в ротонде музея Гуггенхейма с серией невероятно амбициозных представлений, названных «Несколько легких пьесок». А самая её знаменитая работа «Дом с видом на океан» была исполнена в 2002 году в Нью-Йорке. 12 дней подряд Абрамович жила на трех платформах в галерее Челси. У нее была кровать, душ и туалет, но никакой еды, кроме минеральной воды, и никаких отвлечений: она не могла ни читать, ни писать, ни говорить. Ее жизнь свелась к минимуму – меньше, чем самое необходимое. «Это произведение – о жизни в данный момент, - пояснила Абрамович, – в абсолютных здесь и сейчас». Но если представление было тяжело и требовательно для художницы, зритель также невольно вовлекался в эту сферу. Входя в галерею, публика была немедленно поставлена перед моральным выбором: мельком глянуть на Марину Абрамович на ее платформах и идти дальше, воспринимая её как некое животное в зоопарке, либо задержаться и приобщиться к ее реалиям? Для тех, кто задерживался – а таких было много, включая Сюзан Зонтаг, Салмана Рушди и Бьорка, – эффект был магический (или, скорее, метафизический). Весь внешний мир ускользал куда-то, как и само время, – один час, два часа, три проходили незаметно. Чувство сиюминутного настоящего с привкусом вечности почти физически ощущалось в комнате. Абрамович предлагала своим зрителям дар духовности без доктрин, ритуалов или утешений религии. В последний день, когда галерея была полна народу и когда Абрамович помогли сойти с помоста – она потеряла в весе 21 фунт, – она сказала зрителям: «Эта работа столько же ваша, сколь и моя».
Всё это мило и хорошо, но даже здесь вопрос остается в силе: «Почему это искусство?» И почему Марина Абрамович, к примеру, в своем мазохистском неистовстве создает именно произведения искусства, а не существует сама по себе? Легко вообразить, как снобы усмехаются над культурной наивностью подобных сомнений. Но вопрос, справедливый и очень серьезный, всегда заслуживает если не ответа, то по крайней мере - раздумий.
Елена Клепикова

[igor-nz]

vrubelru, я Вас тоже хочу поблагодарить за отличную тему о Клайне. У Вас хороший худ. вкус. С работами Клайна я давно знаком (и сам тоже ставил материалы о нём - на других форумах).

[vrubelru]

mzagran, если честно, то совершенно не поняла, к чему Вы привели выше цитату.

Современное искусство многогранно и далеко не все шедевры (кстати , Пикассо тоже относится в современному). И кто такая мадам Клепикова? Искусствовед?

igor-nz, спасибо вкус- заслуга родителей и бабушки

[igor-nz]

mzagran, если честно, то совершенно не поняла, к чему Вы привели выше цитату.

Современное искусство многогранно и далеко не все шедевры (кстати , Пикассо тоже относится в современному). И кто такая мадам Клепикова? Искусствовед?

igor-nz, спасибо вкус- заслуга родителей и бабушки

vrubelru, я о такой "мадам Клепиковой" слышу впервые, но думаю, что это просто истеричная, политизированная "журналюга" :-) из соответсвующего издания...

[igor-nz]

mzagran, если честно, то совершенно не поняла, к чему Вы привели выше цитату...
И кто такая мадам Клепикова? Искусствовед?
igor-nz, спасибо вкус- заслуга родителей и бабушки

Иван Толстой:
Выставка абстракциониста, бунтаря, корифея европейского модернизма Ива Клайна открылась в Париже. Дмитрий Савицкий.

Женский голос: Дамы и господа, на мою долю выпала честь представить вам сегодня вечером Ива Кляйна. Кляйн – сын художников, он учился в школе торгового мореходства, затем в Национальной Школе Восточных языков, после чего работал в книжном магазине в Ницце, а позже дрессировал скаковых лошадей в Ирландии…

Ив Кляйн: Дамы и господа, я убежден в том, что ни с помощью ракет, ни с помощью спутников человек не сможет завоевать космос. Он вечно будет в межзвездном пространстве лишь туристом… Но если он превратит собственную чувствительность в нечто новое, что позволит ему телесно стать частью космоса, в котором царит иная, спокойная и великая сила чистейшего воображения, тогда – да! Тогда это удастся…

Дмитрий Савицкий: В те довоенные годы, когда он появился на свет, молодые люди увлекались раджа-йогой, Вивеканандой, Штейнером, Блаватской, дзен-буддизмом. Интерес к оккультизму, розенкрейцерам, восточным религиями родился на заре ХХ века, но Первая Мировая война внесла свои поправки в эти увлечения. Молодой человек, выросший среди ослепительной синевы Средиземноморья, в Ницце, решивший заглянуть внутрь себя самого с помощью дзен-буддисткой техники медитаций, знал, что нужно найти комнату, помещение, где никто и ничто тебя не потревожит, не нарушит напряженный покой мантрама, стремление к абсолютной пустоте, в которой, как говорил Святой Августин, «вьются лишь птицы дневных мыслей, от которых не стоит даже отмахиваться...»
Помещение такое молодой человек нашел, это был подвал, принадлежавший отцовской книжной лавке. Но для выросшего на пляжах Ривьеры молодого человека подвал без окон был метафорой клаустрофобии, с которой он еще не умел бороться. И он выкрасил потолок подвала ярко-синей краской, создал себе небо. И будущее. Потому что, если художник Ив Кляйн известен, то, прежде всего, своим синим цветом, который он позже запатентовал как, International Klain Blue , IKB ,«Международный Синий Кляйна», номер PB 29, CI -77-0007.
Ив Кляйн, проводивший молодость на пляжах Лазурного берега, упорно вглядывался в синьку неба, однажды заявил друзьям, что поставил на ней свою подпись. Отныне – она принадлежала только ему.
Выставка работ Ива Кляйна в парижском культурном центре имени Жоржа Помпиду, это 120 картин и скульптур художника, около 40 рисунков, рукописи, а главное фильмы и фотографии, демонстрирующие метод Кляйна, искусство перформанса и хеппенинга. Выставка открыта до 5 февраля и пользуется большим успехом. Спонсоры этой ретроспективной экспозиции, названной «Тела, цвет и нематериальное..», фирмы шампанского «Моэт» и «Энесси», а так же товаров класса люкс - «Луи Вюитон»…
Но о спонсорах позже.
Слово Катрин Паолетти, философу, ведущей энциклопедической передачи Франс-Кюльтюр «Университет Всезнания»:
Катрин, вы побывали на выставке Кляйна в культурном центре Жоржа Помпиду, что вы думаете об этом знаменитом «синем цвете» Кляйна, о котором идет столько разговоров? Какое впечатление он произвел на вас лично?

Катрин Паолетти: Знаменитый IKB , «Синий Ива Кляйна» - на самом деле чистый пигмент. Действительно он в свое время принял решение найти «абсолютный», идеальный, цвет. Но до того, как он начал использовать свой IKB , он УЖЕ писал монохромные, одноцветные, картины…. Немаловажен и тот факт, что «синий Кляйна» был вдохновлен синим цветом неба на картинах Джотто. Можно сказать, что в своем поиске он соединил два желания: создать идеальный цвет и желание «войти» в нематериальное… Он, кстати, и говорил, что именно через цвет он и познал нематериальное…»

Дмитрий Савицкий: Ив Кляйн родился в Ницце в 1928 году. Родители (и мать и отец художники) жили в Париже, и воспитывала его бездетная тетушка. Мистицизм и особенно идеи ордена Розы и Креста его заинтересовали еще в юности. Он также увлекся дзюдо и в своем понимании мистического подхода к миру, считал, что «дзюдо это существование человеческого тела в духовном пространстве». Позже, когда он начал обмазывать своих натурщиц синей краской и отпечатывать их на холстах, он говорил, что идея эта пришла именно из дзюдо, из воспоминаний о том, как тело после броска отпечатывается на спортивном мате.
В 1947 году Кляйн прошел в Лондоне обучение у мастеров золочения. Кстати, свой синий цвет он создал не сам, а с помощью приятеля-химика. 1952 и 1953 гг. он провел в Токио, что позволило ему повысить уровень мастерства в дзюдо, вникнуть в его философию и позже стать преподавателем дзюдо во Франции.
В обычном смысле слова Ив Кляйн не умел рисовать. Свои монохромные картины он впервые выставил в 1955 году в «Салоне новой действительности». Это был чистый оранжевый цвет, и когда от него потребовали поставить хоть несколько точек иного цвета, он отказался. Первый «синий» Кляйн был выставлен в миланской галерее Аполлинера. То была выставка из 11 одинаковых синих полотен, но…. разной цены.
И в этом был уже ВЕСЬ Кляйн. Прием, а не содержание стало главным.
В эту же эпоху он огласил свою «теорию чувствительности» через которую (и лишь через нее) можно познать мир. Ив Кляйн:

Ив Кляйн: Что такое чувствительность? Это то, что существует ВНЕ нас, но в то же самое время постоянно нам принадлежит. Жизнь же, как таковая, нам не принадлежит. Но с помощью чувствительности мы можем ее «КУПИТЬ». Чувствительность – это деньги вселенной и космоса, величайший продукт природы, который нам позволяет купить жизнь у первичной материи.
Воображение – это двигатель чувствительности. Движимые воображением, мы воссоединяемся с самой жизнью, жизнью, которая является абсолютным искусством. С неподвижной головокружительной скоростью в мире осязаемом появляется Абсолютное Искусство. То, что смертные восторженно называют Великим Искусством.

Дмитрий Савицкий: Если вы знакомы с выступлениями Сальвадора Дали или, более внятными, Марселя Дюшана, вы поймете, о чем говорил Ив Кляйн.
В конце пятидесятых Кляйн стал производить синие глобусы и скульптуры из крашенной губки. Сначала он наносил синюю краску на холст с помощью губок, а потом стал выставлять губки, как отдельные объекты. Согласно учению розенкрейцеров, «губки являются отражением изобилия духовных миров в океане».
В 1958 году в парижской галере «Ирис Клерт» состоялась самая знаменитая и самая скандальная выставка Кляйна. Называлась она «Пустота». Посетители получали на входе стакан с коктейлем ярко синего цвета и входили в выставочный зал. Он был пуст. Но Кляйн не только выставил пустоту, он ее продавал. Причем лишь за золото. Считалось, что купленное пространство после сделки было – «занято». Золото же Кляйн публично выбросил в Сену.
Работы Кляйна (и в этом интерес выставки в центре Помпиду) снимались в процессе создания. К примеру, Кляйн во фраке и белых перчатках (чтобы не испачкаться искусством) тащит через холст обмазанную IKB – натурщицу. Или Кляйн (скорее фотомонтаж) птицей падает с городской стены.
«Группа новых реалистов» (Арман, Даниель Споэрри и Жан Тингелли) сплотилась вокруг Кляйна, который в последние годы жизни стал использовать еще один элемент стихии. После «синего» (небо, море, космос), он перешел к огню и стал употреблять газовые горелки для создания обожженных поверхностей полотен. Самым последним приемом Кляйна была сама голая стихия – он устанавливал полотно на крышу автомобиля и гнал под проливным дождем, заставляя дождь и ветер работать для «абсолютного искусства». Перед самой смертью он экспонировал монохромно окрашенные рельефные географические карты: синий мир Кляйна. В 1962 году он скончался. Было ему всего лишь 34 года.
Выставка в центре Помпиду демонстрирует, прежде всего, не работы Кляйна, а исчезнувшую эпоху. Эпоху отчаянных попыток дать бытовым вещам вторую жизнь, буквально, актом прикосновения (Дюшан с его «Писсуаром»), Уорхолл с его консервными банками. То есть эпоху реальных попыток (после отказа от старых религий) сакрализации банального.
Ну, а Кляйн сделал акцент на самом «обряде», на перформансе, на хеппенинге, откуда и пошли бесчисленные художественные акты, запечатленные лишь во времени, но отнюдь (вещественно) не в пространстве.
Что касается спонсоров, то весьма часто они же являются и крупнейшими коллекционерами работ того или иного мэтра. И устройство гигантских ретроспективных выставок прибавляет к стоимости картин в их запасниках – несколько нулей.
http://www.svobodanews.ru/Transcript...112127527.html

[vrubelru]

Несколько уточнений:
- Ив Клайн сначала увлекся дзюдо , собственно изначально он хотел стать Президентом Федерации дзюдо Франции, а не художником, а потом вошел в орден розенкрейцеров, тк именно в секции дзюдо он познакомился с человеком, который ввел его в этот орден. Он несколько лет выписывал литературу и прочее ордена из США , а под конец заявил, что против секретных обществ.
- в дзюдо он дошел до 4 дана, для этого он уехал в Японию, где ему пришлось начать все с нуля в дзюдо (тк япония не признавала французские пояса). Дойдя до 4 дана, он вернулся во Францию, где на тот момент ему равных в дзюдо не было, однако, Французская Федерация дзюдо отказалась признавать его заслуги. Вот тут-то он и окончательно ушел от карьеры дзюдоиста.
- он не то, чтобы воспитывался тетушкой, но дело в том, что родители его были довольно бедны и тетушка им финансово и всячески помогала. Ив Клайн часто у нее гостил, именно она нашла ему работу в своем книжном магазине и именно она оплатила ему учебу в Японии.
- насчет пустой выставки, там не только коктели были синими, но и весь фасад галереи, собственно с улицы не было видно, что выставлено внутри галереи, тк все окна были выкрашены в знаменитый синий цвет. Стены же галереи накануне Ив Клайн выкрасил в белый цвет. Посетителей вводили со двора и они должны были представлять на белоснежных стенах тот синий цвет, которым они любовались на улице. Ровно через год выставка была повторена и в этот раз внутри галереи были выставлены синие монокромы.

[veronic]

Я лично люблю синий цвет, но в одежде его употребляю редко. Он мне нравится сам по себе. В одежде предпочитаю коричневые и бежевые тона. Не могу согласится с тем, что бежевый любят застенчивые люди. Я застенчивой никогда не была, даже в глубоком детстве.

Теперь насчет эмоций, которые вызывает картина выставленная для обсуждения.
У меня эта картина вызывает эмоции спокойной отрешенности. Как бы безжизненности, уход в безмолвие.
Я бы не стала дома использовать в интерьере синий цвет в чистом виде. Я поклонник фен шуя, и там четко расписано какой цвет надо использовать, чтоб привлечь здоровье, удачу или деньги.

[veronic]

Мой последний пост был написан после прочтения первой страницы, сейчас ознакомилась со второй страницей. Интересная дискуссия получилась, а больше похоже на обмен монологами. Мне очень понравилась статья Мzagran или Елены Клепиковой. Мне так понравилось, что я даже ее сохранила.

Я наверно с этой статьей соглашусь, добавить что-то сложно, ведь людям нельзя давать абсолютную свободу, ведь не у всех есть стержень, многие легко переходят границу. Сейчас граница полностью стерта, и это породило хаос в искусстве. Что посеяли, то сейчас пожинаем. Вместо оттачивания мастерства и постижения высоких знаний природы, перспективы, цвета, гармонии и анатомии получили мерзость, других слов у меня нет.

[igor-nz]

Вообще тема Клайн и другие картины называется,
а не
"статья Мzagran или Елены Клепиковой".

Такие книженции в советское время издавали под эгидой идеологического отдела ЦК КПСС:
Мих. Лифшиц Л. Рейнгардт
КРИЗИС БЕЗОБРАЗИЯ

От кубизма к поп-арт

М: "Искусство", 1968
http://www.gutov.ru/lifshitz/texts/krizis/cover01.jpg
О Клайне, естественно, там ничего положительного быть не могло...
Краткая аннотация : "мерзость, других слов у меня нет"

[igor-nz]

Человеческая комедия» Седрика Лолля

Седрик Лолля родился в 1975 г. в Абиме, на французских Антиллах. В 12 лет под именем Аполо оставляет свои граффити на стенах парижских домов и в тоннелях метро. В 16-и переезжает вместе с родителями на Гуйану, которая становится богатым источником его исканий, изучает топографию, историю искусств, архитектуру. Очарованный возможностями цвета, рисует тотемы на деревянных дощечках, которые приносит домой из школьной мастерской. Позже путешествует по Северной Америке, делая более продолжительные остановки в Сан-Франциско и Нью-Йорке, и с 1999 г. постоянно живет в Париже. Здесь он поступает в Академию изобразительных искусств, где находит поддержку профессора Жана Дюфе, а также начинает учить детей в детсадах и школах рисованию. Самому Седрику также присуща детская непосредственность - уплощенность и упрощенность контуров фигур, населяющих его многоцветные полотна, не умаляет их достоинства, а спешно, словно телеграмма, передает свидетельство художника о событиях окружающей его жизни.


Седрик Лолля (Фото: ЧТК)
- Это, несмотря на его возраст, очень умудренный опытом автор, который несет на своих плечах всю историю искусства, необычайно образованный. В его картинах посвященный зритель найдет многие реминисценции и поймет, у кого Седрик учился. Мы видим здесь, к примеру, парафразу знаменитой картины Делакруа «Свобода, ведущая народ на баррикады», которая висит в Лувре, и на другие известные работы. Она напоминает стиль Жана де Биффе, работавшего в 60-е годы, но Седрик Лолля не копирует - он абсолютно оригинален и самобытен. Думаю, что его ждет большое будущее, и хорошо, что мы можем помочь его старту именно в Праге, - говорит Ян Мах, один из организаторов выставки, получившей название «Человеческая комедия».


Фото: ЧТК
Интересно то, что свои рисунки под именем Клотар Лолля переносит на майки и текстиль, так что с его творчеством можно познакомиться совсем нечаянно, увидев его непременных человечков на одежде случайно прохожего. Именем Клотар художник подписывал свои первые картины. Седрик Лолля получил признание французских дизайнеров, которые становятся первыми коллекционерами его картин. Лолля впервые была предоставлена возможность показать в таком объеме свои картины и организаторы верят, что выставка станет ярким стартом как самого художника, так и культурного сезона в новом году.
Так представила пражанам молодого французского творца куратор экспозиции в галерее «Манес» Хелена Стоб:


- Он хочет быть внутри картины, внутри происходящего и считает, что это невозможно, если писать картину, стоя перед полотном. Поэтому он пишет свои картины на полу, вступает на полотно, отпечатки его шагов становятся составной частью картины. Поэтому работы Лолля большого формата. Художника очень вдохновил Ив Клaйн, который в 60-е годы был самой знаменитой фигурой французского художественного авангарда. Клайн обмазывал своих натурщиц краской и катает их по полотну. Седрика вдохновило то, что натурщицы так стали неотделимой частью картины, и к этому он тоже стремится - проникнуть до самой сути.
материал с Пражской выставки Aвтор: Лорета Вашкова

[Strelnikov]

К середине 50-х годов один японский художник создавал картину, швыряя банки с краской на полотно. Другой японец писал картины ногами. В 1960 году французский художник Ив Клайн пользовался обнаженными женскими телами вместо кистей. В 1965-м Шиджеко Кубота присела на корточки над полотном, создав «вагинальную картину», в которой критик увидел «активированную вагину в качестве источника вдохновения и нового языка в живописи».

Каждый выражает себя как может... но главное чтобы это что-то было от души ... тогда это интересно и притягивает ... но у меня так к великому моему сожалению не получается ... не получается прыгать голой попой по холсту и размазывать краску ... поэтому вся живопись мертвая и не живая ... все застыло ... и время тоже... но все-таки надо попробовать, а может что-то получиться?

[vrubelru]

Strelnikov, потому у Вас и не получается, тк для Вас это "прыгать голой попой по холсту" , в то время как для Клайна это было передачей красоты женского тела без вмешательства художника. Заметьте, он даже перчатки белые надевал для этого, никакого намека на пошлость не было, вагинальных картин , конечно же, тоже. Впрочем, даже если Вы надените перчатки, то уже ничего нового в искусство не внесете.
Не нравится Вам Клайн, напишите лучше о художнике, который Вам нравится и почему.

[igor-nz]

Strelnikov, потому у Вас и не получается, тк для Вас это "прыгать голой попой по холсту" , в то время как для Клайна это было передачей красоты женского тела без вмешательства художника. Заметьте, он даже перчатки белые надевал для этого, никакого намека на пошлость не было, вагинальных картин , конечно же, тоже. Впрочем, даже если Вы надените перчатки, то уже ничего нового в искусство не внесете.
Не нравится Вам Клайн, напишите лучше о художнике, который Вам нравится и почему.

Месье Strelnikov разделяет (судя по всему) бытующую среди малокультурных агрессвных дилетантов позицию : унижением великого "возвеличить" себя мелкого.

А вот обратный (и творческий) пример :



Tatyana Antoshina
"Yves Klein"
Collection of the author

http://www.mdf.ru/english/exhibition...toshina_ilove/

[Strelnikov]

Мысли у меня не пошлые, картины, тоже не пошлые, и мне нравится очень живопись Александра Шилова!!!!!!!
Я считаю его эталоном современного художника!!!
А в современном концептуальном искусстве больше эпотажности, ужимок, и действительно иногда пошлости. Кстати, у Ива Клайна, много отличных работ в его жанре и не его лично я имел ввиду...

Я против эпотажности, и того, что некоторые, берут унитаз, ставят на нем точку или линию и объявляют "ЭТО" произведением искусства, вот это действительно пошло ... Все мешьше и меньше таких мастеров как Шилов, потому, что молодое поколение развращено такими унитазами ... и не хочет трудиться и учится живописи ... в итоге представьте, приходите в галерею, а там одни унитазы, с точкой, с линией ... кошмар, к чему мы катимся...
...
Я, простой примитивист и ничего более того ... так, что Вы меня не унизили.
...
Я художник-любитель, из Киева (Украина), пишу для себя и друзей, как получается, стараюсь в каждую работу вкладывать частичку своей души.
Я не собираюсь открывать новые направления, кого-то удивлять или шокировать...
А так в принципе, в каждом направлении искусства есть свои шедевры...
Я не критик, не критикан ... стараешься выписать каждую деталь, чтобы было красиво, радовало глаз и когда унитаз с точкой объявляют шедевром это просто раздражает... и тогда понимаешь, действительно черный квадрат был конечной точкой в живописи ...

[igor-nz]

Strelnikov, потому у Вас и не получается, тк для Вас это "прыгать голой попой по холсту" , в то время как для Клайна это было передачей красоты женского тела без вмешательства художника. Заметьте, он даже перчатки белые надевал для этого, никакого намека на пошлость не было, вагинальных картин , конечно же, тоже. Впрочем, даже если Вы надените перчатки, то уже ничего нового в искусство не внесете.
Не нравится Вам Клайн, напишите лучше о художнике, который Вам нравится и почему.

Ему хочется писать о себе...Подумаешь : Клайн-Дюшамп-Тэнгели - вершины французской и Западной культуры ХХ в.... пост-советским примитивам виднее...

Yves Klein with Afghan Hound, c.1959



art.com

[igor-nz]

Главный цвет - синий от Yves Klein

Если символом осенних коллекций стал Jean-Michel Basquiat, королем весны признан Yves Klein. Коллекции John Galliano и Givenchy радовали глаз его ярким IKB (Международный Синий Klein). Возможно, это как-то связано с тем, что концерн LVMH стал спонсором выставки французского художника в Центре Помпиду во время Недели мод. Фирменный цвет Klein появился также в коллекциях голландца Bruno Pieters и итальянца Alberta Ferretti.



Не обошлись без синего и в Нью-Йорке. Oscar de la Renta использовал его в коктейльном платье, Donna Karan – в летних платьях. Не говоря уже о Zero Maria Cornejo, Malandrino, Chaiken.

http://www.intermoda.ru/news_6758_1167253200.html

[Strelnikov]

у Ива Клайна, много отличных работ в его жанре и не его лично я имел ввиду...

Вот, что я написал о Ив Клайне ... читайте мою цитату ...

Igor-nz - откуда у Вас столько злости??? Почему Вы отзываетесь с ненавистью к всему пост-советскому??? Дайте ссылку на Ваши работы, что бы можно было ответить Вам... И обсудить Ваше творчество ...

Я не писал о себе, а только ответил на вопросы заданные мне другими ...

[MARGOO]

Прошу участников темы придерживаться названия темы и не оффтопить.
Все личные претензии и вопросы решайте, пожалуйста, в личной переписке.
Спасибо. Модератор.

[Strelnikov]

Спасибо за замечание... Буду придерживаться темы, но меня задирают и пренебрежительно относятся к Украине ... сделайте и igory_nz тоже замечание, пожайлуста ...

[MARGOO]

Strelnikov, мой пост номер 56 обращен ко всем участникам этой темы. Давайте культурно и уважительно общаться в рамках заявленных тем. Для разговоров про Украину или другие государства на форуме есть соответствующие разделы, для личных тем - личные ящики.

[Strelnikov]

Спасибо! За понимание и доброе отношение к форумчанам ... еще раз спасибо!!!

[igor-nz]

а сайт, сайт-то видели?? http://www.yvesklein.org/ Класс!

"Клайн и музыка"



Публикация Центра Помпиду.