Классическая музыка - Форумы inFrance - Франция по-русски

Michael · #1 20.03.2005, 14:47

Открывая новую тему, надеюсь на помощь модераторов.
Хорошо бы , друзья, из музыкального клуба все одиночные постинги,касающиеся классики, перенести сюда.
А сегодня - сообщение о вчерашнем событии в Петербурге.

19 марта в Большом зале Петербургской филармонии состоялось исполнение
Оратории Георга Фридриха Генделя «Мессия» (для солистов хора и оркестра).
Дирижировал маэстро Александр Дмитриев. ( Кстати, ему принадлежит первое исполнение Восьмой симфонии Малера в Петербурге).
А. Дмитриеву удалось собрать замечательный состав исполнителей :
Всемирный фестивальный хор под рук. Яна Йенсена (Норвегия) (Этот хор был основан в 1984 г. для исполнения именно оратории «Мессия» к 300-летию Генделя, участвовало около 2500 человек. Правда вчера в Большом зале , по моей приблизительной оценке участников хора было раз в 10 меньше.);
Академический симфонический оркестр филармонии ( не путать с Заслуженным коллективом под руководством Ю.Темирканова);
Литовский тенор Альгирдас Янутас;
Солисты Мариинского театра сопрано Ольга Кондина, меццо-сопрано Злата Булычова, баритон Евгений Уланов.

Оратория для солистов, хора и оркестра была написана на либретто Чарльза Дженненса по мотивам Ветхого и Нового Заветов. "Мессия" - лучшая из всех ораторий Генделя (1741) была сочинена в три недели и впервые исполнена 13 апреля 1742 в Дублине. Связного сюжета здесь нет. Оратория на основе текстов Библии (Книга пророков, Псалтырь и Евангелия) рассказывает о пришествии Христа, Его смерти и воскресении.
В центре внимания художника - не события земной жизни Сына Божьего, а Его миссия.
Поражает мощью звучания хора, виртуозным использованием полифонии, мягкими и гибкими, выразительными мелодиями арий. Хор призван подчёркивать монументальность события, его огромную значимость для человечества, а арии - силу чувств.
Свет и радость господствуют в оратории «Мессия» с первого до последнего звука, и немногие печальные страницы играют роль легкой тени, нужной лишь для того, чтобы свет заиграл еще ярче. Среди множества блестящих, торжественных, приподнятых хоров и арий «Мессии» хор «Аллилуйя» - самый блестящий, самый торжественный и самый радостный. Он остается таким не только для этой оратории, но и для музыки Генделя в целом, и даже для европейской музыки вообще. Трудно придумать столь же чеканный врезающийся ритм, такие же открытые и ясные, утверждающие интонации, создать столь же блестящую трубную звучность и в хоре и в оркестре. Хор «Аллилуйя» - символ твердости духа и гимн единению людей в общей радости. Слушая «Аллилуйю» скептики уверуют, отчаявшиеся обретут надежду, слабые получат опору. Эта музыка – подлинная «Аллилуйя», слава всевышнему, напоминающая о первичном назначении музыки объединять и поддерживать людей….
За неделю до смерти совершенно слепой Гендель вышел на сцену театра Ковент-Гарден руководить исполнением знаменитой оратории "Мессия". Он чувствовал её приближение... И всерьёз хотел умереть в страстную пятницу, надеясь "соединиться с Господом Богом, кротким Спасителем, в день Его Воскресения".
( Текст об оратории по материалам
http://penza.fio.ru/personal/37/2/2/muzika11.htm
http://www.podrobnosti.ua/person/2004/02/23/103913.html)

Хор «Аллилуйя» можно прослушать на
http://music.edu.ru/catalog.asp?cat_ob_no=&ob_no=12511

Vishenka · #2 20.03.2005, 22:56

Несколько раз за последние годы слушала "Мессию" вживую. В Штатах это до сих пор не светская музыка, а духовная, которая и исполняется, соответственно, в декабре, перед Рождеством. Для меня особый момент в оратории - "трубный глас" - соло трубы.

Michael · #3 14.07.2005, 12:32

ВЕЧЕР МУЗЫКИ ДЛЯ СКРИПКИ И ФОРТЕПИАНО В БЗ ФИЛАРМОНИИ.

(Или уголок Франции в Петербурге)

Сергей СТАДЛЕР
Юлия СТАДЛЕР
ФОРЕ
Соната ля мажор
РАВЕЛЬ
Колыбельная на имя Габриеля Форе
«Цыганка», концертная фантазия
ФРАНК
Соната ля мажор
СЕН-САНС
«Интродукция и рондо-каприччиозо»
СЕН-САНС - ИЗАИ
Этюд в форме вальса

12 июля. В Питере жара. Канифоль капает со смычка (Артем, бывает такое?

), публика в раздумьях, идти на концерт или подальше из города (а кто-то выбирает холодное пиво).
Но те кто, пришел в Филармонию, не пожалели о своем выборе.
Несмотря на жару, концерт удался. Особенно, учитывая, что исполнялась музыка только французских композиторов.
В первом отделении (как это ни парадоксально звучит) Стадлер казался немного "неразогретым". Зато во втором он отыграл просто блестяще.
Порадовал и безусловным хитом Сен-Санса - Рондо-Каприччиозо.

И , наконец, после более чем годового перерыва мне удалось услышать
бис - Балетные сцены Шарля Берио.
(Что-то редко исполнители балуют слушателей бисами. Или мне просто не везло?)

Michael · Дата рег-ции: 28.07.2002

Вильгельм Фуртвенглер

Давно хотел рассказать об одном из самых великих (если не самом великом) дирижеров прошлого века Вильгельме Фуртвенглере .

Родился Вильгельм Фуртвенглер в1886 в Берлине. Его отец – известный археолог, мать – одаренный художник. Вильгельм получил домашнее образование. Основы немецкой культуры ему привили частные учителя и друзья семьи, среди которых были философы и художники. Музыкальный талант Вильгельма проявился рано. В 12 лет он знал наизусть большинство произведений своего любимого композитора Бетховена и мог исполнить их на фортепьяно. В 10 лет он уже написал трио, квартет и 6 сонат для фортепьяно. После смерти отца основным занятием Фуртвенглера становится дирижирование (необходимо было поддерживать семью материально). Карьера его была типичной – сначала работа ассистентом дирижера, затем различные престижные дирижерские должности в Германии.
Хотя Фуртвенглер много выступал в разных европейских странах и США, центром его деятельности всегда оставалась Германия, прежде всего Берлин, где он в течение многих лет был руководителем Филармонического оркестра и Государственной оперы.
Часто Фуртвенглера сравнивают с Е.А. Мравинским (они даже внешне пожожи). Оба великих дирижера работали честно и добросовестно в сложных исторических условиях. Политика и искусство. Как часто их стараются смешать. И кто может ответить, как должен поступать художник в отношениях с властями придержащими? ( Вспомните, хотя бы жизнь Д.Д. Шостаковича)
Так Фуртвенглер оставался на своих постах и после прихода к власти Гитлера. Записи Фуртвенглера интересны и с исторической точки зрения. ( Показательны «живые» с кашлюющими фашистами в зале).
Любимый дирижер Гитлера. После войны он был обвинен в сотрудничестве с нацистами (хотя он никогда не состоял, в отличие от Караяна, в нацистской партии)
В 1947 с него было официально снято, и в 1952 он вернулся в Берлинский филармонический оркестр. Умер Фуртвенглер в 1954 году.
Среди поклонников музыки Вагнера, большая часть, считает Фуртвенглера (с огромным почтением , называя его «Фуртом» ) самым лучшим интерпретатором тетралогии «Кольцо нибелунга», «Тристана и Изольды» и др. опер. Почитание Фуртванглера граничит с фанатизмом. И для этого есть все основания. Записи Фуртванглера должен прослушать каждый серьезный поклонник классической музыки.
Но странное дело. Если просмотреть публикации о стиле дирижирования Фуртвенглера (хотя есть и видеозаписи) , то обращает на себя внимание , что жест его был неясным. Музыкантам из жеста было непонятно, когда нужно вступать. Тем не менее, оркестр всегда вступал, когда нужно.
Кстати, мне приходилось читать обвинения В. Гергиеву в подобных же неточностях (не сочтите за попытку сравнения этих дирижеров, они из разных эпох). Один из музыкантов, якобы, пытался вступать по руке. А Гергиев постоянно его ругал за неточность. Тогда кто-то посоветовал: «Да вступай ты, как все..».
И далее все было нормально. Напрашивается вопрос, а как же тогда это делают « все»?
Я долго размышлял над этим. Мне представляется, что не все можно объяснить в категориях жеста и ответного действия. Вспомните, различия функционирования правого и левого полушария мозга. То самое образное восприятие. Неуловимый посыл дирижера. Интуиция (зачастую , более точная чем логика) и т.д.
А что Вы думаете на эту тему?

Далее интересные байки из жизни великого дирижера:

1. вы меня поняли!
Однажды во время репетиции Фуртвенглер обратился к оркестру со следующей маленькой речью:
- Эта фраза должна быть сыграна так... так... как вы ее никогда в жизни не сыграете! Надеюсь, вы поняли меня? Попробуем еще раз...
Когда репетиция была окончена, весьма довольный Фуртвенглер сказал оркестрантам:
- Видите, как важно дирижеру доступным языком излагать свои требования. Вы прекрасно поняли то, что я хотел от вас услышать!

2. вокальное дирижирование
Как-то Фуртвенглер репетировал с оркестром. Он трижды останавливал игру и делал замечания. Оркестр упорно отказывался понимать требования дирижера. Тогда Фуртвенглер принялся напевать. Никакого результата. Он снова запел тот же результат... Дирижер, который не отличался хорошим голосом, наконец вышел из себя:
- Послушайте, скажите прямо, вам, видимо, очень нравится мое божественное пение? Если это так, где аплодисменты?!
Смущенные оркестранты усиленно застучали смычками о пюпитры.

3. редкий дар
Фуртвенглерa попросили как-то послушать известного скрипача и высказать свое мнение о его игре.
- Я просто поражен, - говорил потом дирижер. - Это не скрипач, а какой-то феномен. Я впервые слышал, чтобы столь легкие музыкальные произведения исполнялись с такими чрезмерными трудностями!

4. уникальный слух
Фуртвенглер репетировал с оркестром, что-то не получалось, и он вновь и вновь просил музыкантов повторять одно и тоже место. Наконец в отчаянии он швырнул дирижерскую палочку:
- Первый тромбон играет все время не в такт и слишком громко!
- Простите, но первый тромбон еще не пришел, - робко возразил флейтист.
- Все равно, - рассерженно прогремел дирижер, - когда он придет, скажите ему что он играет слишком громко!

**bluesman** · Дата рег-ции: 02.01.2002

Leff пишет:

Furtwangler отличный дирижёр, вот только записи брать не следует: в те времена приличных записывающих устройств не было.

Это, интересно, как понимать? А тогда что "следует"? Может вы его живьем слышали и расскажете? А нам теперь что, не слушать его записей? Мда, оригинально...

По мне так куда лучше Фуртвенглер с треском и прочими шумами, чем большинство современных записей DDD. Жизнь в них есть особая, в старых записях, душа...

masia-m · Дата рег-ции: 29.08.2005

bluesman,когда читаю Ваши посты-на душе теплее становится

Я не знаток классической музыки...конечно,многое нравится...вот у свекра Вивальди взяла,следующий будет наверное,Бах.
У свекров(фран.) огромная коллекция классики разных направлений,кажется,что есть практически все и в разных записях,поэтому тяжело с выбором подарков...Русскую классику и также певцов свекр знает лучше меня-трудно чем-то удивить...А вот о Штоколове он не слышал...но я так и не нашла(точнее родители в России) эти записи ни на дисках,ни на кассетах.

Michael · #7 18.01.2006, 22:11

Очень приятно, что на форуме появился
Leff , который пытается возродить интерес к классической музыке и опере.
Но о качестве записей можно поспорить. Обычно, когда говорят о плохом качестве записи, то имеют в виду именно "трески и прочие шумы" , о которых говорит Артем. Но часто забывают о качестве работы звукорежиссера.
Так вот, оказывается , что раньше звукорежиссеры работали гораздо лучше нынешних. Если говорить упрощенно, то они знали как пользоваться микрофоном,
где его поставить, чтобы и оркестр и солистов было хорошо слышно. А в наше время могут просто усилить звучание оркестра или певца. А результат получится
неживым. Ну и работа дирижера с оркестром, а также выдающиеся оперные певцы, эпоха которых со мертью Б.Нильсен, скорее всего, безвозвратно ушла в прошлое. Даже те старые записи позволяют слышать совсем другую музыку. Послушайте "Тристана" Фуртвенглера, его "Валькирию" 1954 г., 9 симфонию Брукнера - все это легендарные записи. Недостижимые образцы для современнных оркестров и исполнителей. И современнная техника не может заменить профессионализм исполнителя и звукорежиссера. Что говорить, мы , слушая старенький репродуктор, прекрасно отличаем у кого голос выдающийся, а у кого посредственный. Конечно, нельзя впадать в другую крайность. слушать только архивные записи. Обязательно нужно пойти в театр, насладиться живым звуком. В конце концов, как здорово было бы послушать игру знакомых музыкантов, если таковые имеются (у форумчан они есть, догадайтесь с трех раз, кто именно)
И еще интересная тема - грампластинки.. Держишь винил в руках и ощущаешь дыхание истории. Компакт-диск - бездушен. А трески и песок... Их почти не замечаешь, если музыка отличная. Это даже создает неповторимый домашний уют, сродни потрескиванию камина, наверное.
А кот мой, сразу начинает мышей ловить...

**bluesman** · Дата рег-ции: 02.01.2002

masia-m, спасибо

А у нас в Москве тааакие холода сейчас... ух!

Michael пишет:

И еще интересная тема - грампластинки.. Держишь винил в руках и ощущаешь дыхание истории. Компакт-диск - бездушен. А трески и песок... Их почти не замечаешь, если музыка отличная. Это даже создает неповторимый домашний уют, сродни потрескиванию камина, наверное.

Михаил, вот и я о том же... Кстати, это интересный вопрос, который меня уже давно мучает: почему раньше все было лучше? И качество исполнения и записи? Даже ни смотря на современную, совершенно фантастическую по возможностям технику (уже куда дальше: можно играть фальшиво и медленно, а звукорежиссер сделает все чистенько и быстро по темпу, не меняя тональности). Да развратились все просто, и солисты, и звукорежиссеры. Все знают, что можно играть-записывать некачественно, потом все на компьютере подчистить... и полный порядок. Про солистов вообще молчу: некоторым клеят записи вообще по одной ноте. О каком образе, о какой Музыке можно здесь говорить? Мертвечина бездушная. Известна реакция Яши Хейфеца, который отказывался делать по нескольку дублей на записи, и был категорически против всяких технических изысков чтобы улучшить его игру (любая живая игра она небезупречна, и всегда есть недочеты, явные или неявные). Он с гневом говорил, что: "Это Я так играю, и если где-то я фальшивлю, то это МОЯ живая игра и я играю так".

В общем, я к тому, что раньше более ответственно относились к процессу записи. Выходили и играли как на концерте, один раз. А сейчас, не пойми что творится... Жаль.

Михаил, тысячу раз вас поддерживаю, я просто обожаю слушать старые записи, или уже иду слушать концерт вживую. Или же запись с концерта. А современные "качественные" записи не люблю. Знаю всю эту технологию, как из лоскутов и отдельных нот делают. Мертвые они.

PS А кто-то вообще наглеет, и берет запись сыгранного пассажа какого-нибудь знаменитого музыканта, и вставляет в свою запись...

Michael · #9 19.01.2006, 10:51

Конечно, не единственная. Были же и Бруно Вальтер, и Тосканини , и Кнаппертсбуш, и Клеменс Краусс, Мравинский, Голованов, Самосуд, Мелик-Пашаев, Челибидахе, Бем, Шолти и многие другие. Нужно слушать все. И архивные , и современные записи. И обязательно живую музыку. Тогда будет целостное представление. Будет что сравнивать , и станет ясно , насколько велики потери от списания в утиль архивных записей.

Что касается шумов, то если ремастеринг сделан грамотно, то их практически нет.
А о маленьком оркестре Ваше высказывание относится скорее к живому исполнению. Впечатление от концерта или оперного спектакля зависит от многих факторов, в том числе, настроения слушателя и исполнителей. Иногда идешь на , вроде бы, абсолютно проходной концерт, который ничего особенного не обещает.
Исполнитель малоизвестный, зал полупустой, тусовки , гоняющейся за престижными именами, нет. А в результате такое удовольствие, которого не получишь и за те самые 10000 рублей за билет на Хворостовского, о которых писал Артем.
Да, по-моему вчера, переключая каналы ТВ, зацепил последнюю фразу Темирканова в "Ночном полете" на "Культуре". Фраза о том, что Прослушивание , например. симфонии Малера на концерте в филармонии - не развлечение, а напряженная работа... Интересное соображение , не правда ли?

Konstantin Ai. · #10 24.01.2006, 01:49

А я лично был приятно удивлён увидев в серии радио "Орфей" "Классика" сборник Джода Сэна, приятно было просто подержать в руках: симпатичный дизайн, отличная подборка...жаль не купил, кефир, булка и лозания оказались необходимие в тот момент.

Michael · Дата рег-ции: 28.07.2002

"Свинец и шумомер как зеркало искусства
Чиновники Евросоюза запретили Баха и Вагнера"
Мария Бабалова
"Вполне вероятно, что в скором времени в Европе станет невозможно услышать музыку Иоганна Себастьяна Баха или любого другого композитора, чьи произведения должны исполняться на органе. Причина - директива ЕС, которая запрещает использовать электрические механизмы, если они имеют в своем составе более 0,1% свинца.

Так как воздух в современный орган подается электромотором, то этот музыкальный инструмент был объявлен "электрическим механизмом" и подпал под жесткие санкции Еврокомиссии. Металлические трубы "короля музыкальных инструментов" наполовину состоят из свинца, так как он обладает особыми свойствами в отражении звука, придавая ему глубину и силу.

Большие концентрации соединений этого металла в случае их попадания в человеческий организм могут вызвать отравление. В результате демонтажу подлежат все органы в соборах и концертных залах стран — членов Евросоюза. Данная норма должна обрести юридическую силу в июле нынешнего года.

Другая директива, грозящая запретом на исполнение произведений великих композиторов и безработицей для музыкантов, должна начать действовать месяцем раньше. Данный нормативный акт защищает работников от шума на производстве. Новые правила устанавливают разрешенный уровень звукового воздействия в пределах 85 децибел без защитных наушников и 87 децибел — в наушниках.

Таким образом, табуированными оказываются практически все сочинения Рихарда Штрауса и Рихарда Вагнера. Проведенная на волне нового закона экспертиза показала, что, например, при исполнении вагнеровской оперы "Летучий голландец" шумовой порог перекрывает отметку в 115 децибел. Так что если музыканты сдадутся на милость чиновников ЕС, то не избежать закрытия знаменитого Байрейтского фестиваля, где уже более 120 лет (с перерывами на две мировые войны) звучит исключительно музыка Вагнера. Всем остальным европейским фестивалям, концертным залам и операм придется основательно сиквестировать свои афиши, ибо чиновничьих нормативов не хватает для исполнения "Кармен" Бизе, почти всех опер Верди и его "Реквиема", "Ромео и Джульетты" — и Чайковского, и Прокофьева, а также нескольких симфоний Малера и Дворжака. И это далеко не полный список.

Музыканты симфонических оркестров Европы не на шутку перепуганы. Система медицинского страхования во многих европейских странах трактует глухоту у музыкантов как профессиональный риск. К примеру, немецкий профсоюз музыкантов каждый год регистрирует порядка десяти случаев полной потери слуха у оркестрантов. В связи с резким понижением шумового порога музыканты боятся потерять страховку.

Подобная законодательная инициатива однозначно ущемляет художественную свободу. Но представитель британского министерства культуры невозмутимо заявил: "Шум есть шум, неважно, Чайковский это или сверлильный станок"...

Проще и дешевле выдать чиновникам ЕС беруши за казенный счет, пока они не оставили Евросоюз без собственного гимна. Финал Девятой симфонии Бетховена "Ода к радости" на текст Шиллера с легендарным призывом: "Объединитесь, миллионы!" также не вписывается в разрешенные децибельные границы. Похоже, скоро Европа станет тихой и одинокой. А западноевропейские любители музыки будут ездить в Россию или в США ради того, чтобы послушать музыку великих композиторов..."
http://izvestia.ru/culture/article3092144/

Michael · #12 26.04.2006, 12:52

Еще раз о Фуртвенглере. Рецензия, с которой трудно не согласиться:
"Вещь" #3 (67) от 24 апреля 2006 РЕТРОРЕЦЕНЗИИ

«Тристан и Изольда» (1953)
Первая студийная оперная запись великого дирижера Вильгельма Фуртвенглера
Александр Привалов

Это совершенно поразительная запись. Сколько бы замечательного ни скопилось за сто с лишним лет в мировой фонотеке, фуртвенглеровский «Тристан», безусловно, — одно из величайших её чудес.

Великим чудом был и сам Вильгельм Фуртвенглер. Святослав Рихтер выразился о нём кратко: «Можно лишь сказать, что его и всех прочих разделяла пропасть!» — если в этих словах и есть преувеличение, то не чрезмерное. В начале девяностых немцы сделали отличный фильм «Великие дирижёры прошлого», собрав куски кинохроники и комментарии очевидцев. О Фуртвенглере человек, успевший в молодости под его руководством поиграть в оркестре Берлинской филармонии, рассказывает там такую историю. Оркестр собрался на репетицию. Музыканты настраивают инструменты — «ну, вы знаете этот звук». «И вдруг, — говорит пожилой рассказчик, и лицо его зажигается, — я слышу, что этот звук становится прекрасным. Поднимаю глаза — в дверях стоит Фуртвенглер».

В этот рассказ легко поверить, потому что даже от самых старых и несовершенных записей маэстро отчётливо тянет волшебством. Каждый второй, если не просто каждый, кто пишет о его исполнениях, нет-нет да употребит словцо вроде магия Фуртвенглера; и это не столько лишнее свидетельство непреодолимой трудности передачи музыкальных впечатлений словами, сколько констатация очевидного факта: его работа выступает из любого ряда — некая магия и впрямь налицо.

Нагляднейшим её примером осталась запись «Тристана». Именно о ней заговорил Аверинцев (говоря не о «том, как ставить Вагнера», а о «том, как жить»), когда ему понадобилось с благодарным восхищением вспомнить «атмосферу значительности, значимости, почти ритуальной, почти иероглифической знаковости, столь совершенно воссоздавшуюся в блаженные времена Фуртвенглера, Зутхауза и прочих». Значительность, значимость — очень точные слова для разговора об искусстве Фуртвенглера. (На всякий случай оговорюсь: они тут никак не синонимичны монументальности и тем паче надутости: кто не слышал, например, «Маленькой ночной серенады» в исполнении Фуртвенглера — исполнении безоговорочно значительном, — тот не знает, что такое моцартовская лёгкость.) У него был дар понимать и высвечивать в исполняемых вещах все слои смысла, вплоть до самых высоких. «Тристан» явился для такого дара идеальной точкой приложения. Известно, что Вагнер на некоем этапе работы над оперой взялся искоренять — и практически искоренил — из текста историческую и религиозную конкретику, он сокращал повествовательные куски, добиваясь — и, в общем, добившись — не поэтического, но философского лаконизма. Он делал и сделал миф — миф о Любви, Смерти и Ночи (заглавные буквы, право же, не от манерности: иначе тут нельзя). Фуртвенглер передаёт этот миф идеально, думаю, сам Вагнер не мог бы пожелать лучшего исполнителя. Дирижирование поистине невероятное — честная речь о нём неизбежно звучит как свалка гипербол; музыкальная красота, драматическая яркость и духовная значительность каждого эпизода, каждой фразы, не мешая, но помогая друг другу, сливают всю огромную оперу в единый неотменимый мир, как бы видимый целиком из любого такта.

У этой записи, ставшей одним из шедевров не только дирижёра, но и продюсера, знаменитого Вальтера Легге, есть черта, казалось бы, крайне затрудняющая достижение первоклассного результата, — возраст ведущей исполнительницы. Кирстен Флагстад, одной из самых прославленных Изольд века, к моменту записи было 57 лет. Конечно, это сказывается. Того, что несколько верхних «до» во втором акте вместо Флагстад спела Элизабет Шварцкопф, непредупреждённый человек не услышит (да и предупреждённый вряд ли отличит); однако некоторая несвобода в верхах бывает заметна, можно указать даже прямые вокальные огрехи в начальных сценах. Но Фуртвенглер недаром хотел записать именно её. Уникальный «тёмный» тембр голоса Флагстад, её страстная вовлечённость в партию, неоспоримое величие в каждой фразе — не знаю, бывали ли Изольды сильнее. Мне, во всяком случае, слышать не доводилось.

Помянутый Аверинцевым Людвиг Зутхауз — великолепный Тристан: мощный, свободный, неостановимый и поразительно настоящий. Иные критики писали о нехватке лиризма — может, в чём-то они и правы, только Тристан-то не Ромео. Он — сверхчеловек. «Ein Herr der Welt, Tristan der Held!» («Господин мира, герой Тристан!») величает его Курвенал; Тристан у Зутхауза именно таков. Молодой Фишер-Дискау поёт Курвенала просто феноменально. Йозеф Грайндль — прекрасный король Марк. Впрочем, уровень, задаваемый дирижёром, и духовная мощь, исходящая из этой записи, таковы, что о подробностях можно особенно и не разговаривать.
Технический уровень записи, разумеется, современным привычкам не отвечает. Однако он оказывается достаточным, чтобы можно было не догадываться о совершенстве оригинала, но слышать его. Сходная мысль пришла, по-видимому, в голову и самому Фуртвенглеру — прослушав пробные оттиски, он сказал: «Должен признать, что достигнута точка, когда уже имеет смысл делать записи». И он действительно стал их делать, да только времени ему оставалось мало. Он успел сделать ещё две студийные оперные записи — «Фиделио» и «Валькирии», и обе они изумительны, но «Тристан», по-моему, остался непревзойдённым.

Если вы, не будучи опытным вагнерианцем, соберётесь слушать эту запись, позвольте дать вам два совета. Во-первых, перед каждой сценой вчитайтесь в соответственный кусок либретто — даже если хорошо знаете немецкий, а тем более, если не знаете: тут, в отличие от bel canto, текст понимать нужно. Во-вторых, твёрдо помните, что перед вами абсолютный шедевр и что он не перестаёт быть таковым, если с первого — и даже со второго! — раза вам не понравится. Не так уж много нужно внимания и терпения, чтобы перед вами открылся целый прекрасный мир — и навсегда остался с вами

Michael · #13 02.06.2006, 19:31

Мировое кино.
Февраль 1992 . Фильм Алена Корно «Все утра мира» получает 7 «Сезаров» из 11 номинаций, «Ван Гог» Мориса Пиала — 1 из 12... О чем это я?
Тема то у нас - классическая музыка.
Да , дело в том, что фильм этот - экранизация романа Паскаля Киньяра. Рассказывается в фильме о том, как музыка заменяет человеку страсти и волнения. История музыканта де Сент-Коломба, виртуоза и отшельника, и Марена Маре, талантливого ученика и амбициозного человека.
Режиссер Alain Corneau/Ален Корно
Музыка: Sainte-Colombe (Сент-Коломб), Marin Marais (Марен Марэ), Lully (Люлли), Couperin (Куперен), в исполнении Jordi Savall (Жорди Саваль)
В ролях: Жерар Депардье (Gerard Depardieu), Жан-Пьер Марьелль (Jean-Pierre Marielle), Гийом Депардье (Guillaume Depardieu) и др.
Посчастливилось мне на днях прикоснуться к музыке Марена Марэ. Потрясение...
Прекраснейшее исполнение, накал страстей . Рекомендую всем любителям музыки. Господа французы, Парижская клумба, пропускать нельзя - удовольствие коллосальное. Итак исходные данные диска:

Marais : La Rêveuse et autres pièces de violes
Sophie Watillon (Artiste), Friederike Heumann (Basse de viole), Marin Marais (Compositeur), Evangelina Mascardi (Guitare), Luca Guglielmi (Clavecin), Xavier Diaz (Théorbe)

Для любителей легкой добычи - есть возможность скачать через e-mule

Michael · #14 30.06.2006, 23:20

Продолжим монолог..
Для начала цитата одного из самых компетентных музыкальных критиков
Леонида Гаккеля:
"Концерт Лондонского симфонического оркестра под управлением В. А. Гергиева (Большой зал Санкт-Петербургской филармонии). Был продолжен цикл "Все симфонии Д.Д.Шостаковича": лондонцы сыграли Первую и Четвертую симфонии нашего композитора.

Если речь идет об английских оркестрах, а не об английских солистах-инструменталистах, нередко весьма экстравагантных, то все исполняется с безупречной корректностью и выдержкой, которую не в силах поколебать ничей дирижерский темперамент. Именно так и была сыграна Первая симфония, юношеское сочинение Шостаковича весьма традиционных очертаний, хотя и с приятным оттенком модерна. Дальше последовала Четвертая.

Она потрясла. Ни в один миг этого 70-минутного произведения не снижался тонус гергиевского дирижирования, а ведь Четвертая симфония Шостаковича - это советская музыкальная вселенная, где смешиваются звуки подлинной и страшной трагедии, пошловатого "зощенковского" быта, отрешенной лирики. Последние такты симфонии переживаются не как просветление, а как замирание перед новой трагедией. Если так, назовем Четвертую симфонию пророческой.

Оркестр не мог не откликнуться на дирижерскую магию Валерия Гергиева и играл самозабвенно (насколько это вообще возможно для лондонцев).

А публика – вся без остатка – ответила музыкантам искренним, волнующим энтузиазмом. В тот момент, когда звучала Четвертая, и особенно по ее окончании нельзя было не подумать о высочайшем положении замечательного музыканта-артиста в мировой человеческой иерархии и в человеческой иерархии нашей страны. Без колебаний повторю те несколько слов, которые я после концерта решился обратить к Валерию Абисаловичу Гергиеву: "При таком уровне музицирования перестают существовать министры, спонсоры, критика и даже публика".

Министры – это те, от кого во многом зависит материальное воплощение нынешних мариинских планов; невозможно забыть и о спонсорах; пресса разогревает или остужает общественное мнение вокруг театра и т.д. Так вот: все это становится только фоном жизни, если ее первый план занимает у всех на глазах искусство такого масштаба, как дирижирование Гергиева и игра Лондонского симфонического оркестра в Четвертой симфонии Шостаковича. Существует, не может не существовать шкала абсолютных ценностей – и деньги, власть, влияние не входят в их число".

Рецензия точна, но суха. А в тот вечер в Большом зале, как и за его пределами стояла жара, редкая для Питера, но она не смогла помешать блистательной игре оркестра.
Четвертая симфония прозвучала потрясающе. Неудержимая мощь. Неистовый Гергиев. Его знаменитая черная рубашка стала атласной от пота, который лился в три ручья. Куда там до него сталеварам и прочим разным труженикам и спортсменам . Публика, почти весь зал, аплодировала стоя. В Большом зале это не так часто бывает. Меня не покидала мысль, что оркестр надо поскорее отпустить,
(поскорее в душ). Но музыканты мужественно ожидали завершения всех полагающихся для филармонического концерта действий. И только после нескольких выходов дирижера и многочисленных поклонов покинули зал.
А как потом выяснилось, они даже не отдыхали после перелета. Мы их встретили выходящими из здания академической филармонии с чемоданами и пластиковыми упаковками с бортовым питанием.
Браво Маэстро, браво Лондонский симфонический!!

Mella · #15 10.07.2006, 15:24

Michael, какая тема! Какое качество информации! Рукоплещу!

**bluesman** · #16 10.07.2006, 19:42

Тут случайно наткнулся на одно очень интересное интервью Владимира Федосеева, не важно, что это интервью 2002 года... Мне он всегда представлялся очень глубоким Музыкантом и даже философом в музыке, и в этом интервью я нашел очень много этому подтверждений. А еще, я по-настоящему зауважал гражданскую и человеческую позицию этого талантливейшего дирижера. А его оркестр (БСО им.П.И.Чайковского) - это сейчас без преувеличений лучший оркестр России, и один из лучших в мире!

МОЯ РЕЧЬ– МУЗЫКА

В музыкальном мире Большой симфонический оркестр имени П.И. Чайковского считается одним из последних бастионов симфонической культуры. Сегодня мы предлагаем читателям “ЛГ” беседу с главным дирижером оркестра народным артистом России Владимиром Ивановичем ФЕДОСЕЕВЫМ.

– Мне рассказывали, Владимир Иванович, что на концертах вашего оркестра в городах бывшего Союза творится что-то невообразимое. Люди стоят в проходах, так как зал не может вместить всех желающих. Хорошо, что хотя бы в Москве можно свободно вас слушать. Да еще и по сносной цене. Удивительно, в наше-то время, когда все вертится вокруг денег, вы оцениваете свой труд неправдоподобно дешево. Вон на концерты, скажем, Спивакова или Башмета билеты стоят в десятки раз дороже.

– Часто среди покупателей этих билетов случайные люди. Для них это даже не концерты, а что-то вроде, как теперь говорят, “тусовок”.

– На ваших концертах, Владимир Иванович, публика совсем иная.

– Мы свою публику хорошо знаем. Она традиционно консерваторская. Интеллигентная. Люди со скромным достатком. Наша задача – не потерять ее, сделать все, чтобы тяжелый перестроечный каток не разделил нас. Еще до революции была замечательная традиция – общедоступные концерты. Даже в Большом театре ярус был бесплатным для студентов и стариков. Новое – это почти всегда хорошо забытое старое. Мы его вспомнили. Вот уже четыре года в консерватории существуют наши общедоступные абонементы. С финансовой точки зрения они убыточны, но с общекультурной, гуманной – безупречны. В первый год нам немного помогла московская мэрия, потом отказала, видно, есть проекты поважнее.

– А как же вы тогда выкручиваетесь?

– Наш главный спонсор – нефтяная компания “ЛУКОЙЛ”. Ее президент Вагит Аликперов – соратник и друг оркестра. Благодаря помощи “Лукойла” в самые трудные годы были возможны наши выступления в российских городах. Руководители компании думают о художественном развитии даже своих сотрудников. Если вдруг по каким-то причинам они не достали билеты на концерт оркестра, звонят: “Ну как же так, Владимир Иванович, мы уже просто не можем пропустить ваш концерт”.

– Насколько я знаю, помогает вам существовать и работа за рубежом.

– Да, Венский оркестр попросил меня продолжить мою работу с ним в качестве главного дирижера, и я продлил контракт еще на четыре года. Уже несколько лет я первый гостевой дирижер Токийской филармонии, провожу там и в Вене мастер-классы. Недавно мне предложили возглавить и другой японский оркестр, которым руководил знаменитый Серджи Озава. Но я отказался.

– Да вы что, Владимир Иванович! Отказаться занять место всемирно известного маэстро!

– Я объяснил, что не смогу работать столько, сколько потребовалось бы для высокого творческого результата. Не могу надолго оставить свой оркестр, к тому же очень избирателен в своих личных гастролях. Моя душа – это все-таки прежде всего Большой симфонический, а потом и Венский. Разлучаясь с БСО, я все равно “держу руку на пульсе”, не могу надолго оставить его без присмотра. Дирижеры, работающие у нас, не просто коллеги, но друзья, наши творческие единомышленники.

– И в чем же это единомыслие?

– В служении Музыке. Кажется, увы, “новому” миру классическая культура становится не нужной: зачем вкладывать деньги без материальной отдачи? А мир души, чувств не в моде.

– Его вытеснил попсовый ширпотреб.

– Увы, это так. Вот смотрите, у нас есть выдающаяся плеяда композиторов – Борис Чайковский, Мечислав Вайнберг, Вадим Салманов… Скажите, часто ли их слышите в симфонических концертах?

– Нет, я даже не все имена знаю.

– То-то и оно. А ведь они украшают музыкальную культуру ХХ века. Еще лет десять назад музыка наших современников была очень даже востребована. Мы старались воспитывать интерес к ней. Сколько программ посвящалось новым произведениям! Сегодня правит бал коммерция. Играют сверхпопулярную музыку – и сбор обеспечен. Грустно сказать, но исполняется “Реквием” Моцарта или Девятая симфония Бетховена, и зал заполнен, даже если исполнители ниже среднего уровня. Включи программу неизвестных композиторов, и нет гарантии, что будет аншлаг. Интерес к новой музыке постепенно исчезает.

– Я тоже это подметила. На концерте, в котором исполнялась “Севастопольская симфония” Бориса Чайковского, было много свободных мест. Честно говоря, я тоже не сразу решилась пойти.

– А ведь это выдающееся провидческое произведение. Пусть потихоньку, но истинно талантливые современные композиторы занимают свое место в наших концертах. Сейчас у нас в работе концерт “Посвящение”. В программе произведения русских и зарубежных композиторов, посвященных БСО и мне.

– Уж ваша-то публика откликнется.

– Надеемся. Кстати, пренебрежение современной музыкой встречаешь и на Западе. Англичане давно схитрили, изобретя “променандные” концерты, напоминающие бутерброд. В начале и в конце звучит популярная музыка, а в середине – новая. Именно так в свое время они “пропагандировали” и Бриттена, прежде чем он стал всепризнанным классиком.

– А кем, Владимир Иванович, должен быть дирижер для оркестрантов – отцом родным или тираном?

– Однозначного ответа не дам. Замечательный Евгений Светланов был диктатором, работал с “нажимом”, давил колоссально не только музыкальным, но и общественным авторитетом. Ему подчинялись, его боялись. Диктатором был и Мравинский, но другого типа. В Японии о нем говорили: “Царь и бог”. Может быть, во времена деспотические это был наиболее прямой путь к “оркестровому” результату. Сегодня люди так замучены бытом! О каком диктате можно говорить! У меня, правда, всегда был иной стиль работы. Назову его “любовным”.

– Одной любовью не справишься с оркестром в 120 человек. Они же не ангелы с крылышками.

– Конечно, мы сколок современного общества со всеми достоинствами и недостатками. И тем не менее мой инструмент общения только один – любовь. Русский человек, как правило, стеснителен. Может прожить жизнь, так и не раскрыв себя. А любой внутренне закрытый человек не развернется во всей своей природной одаренности, поэтому, вселяя уверенность в свои силы, ему надо помогать. И вот тогда-то каждый выложит на алтарь искусства все, на что способен, а свое, ценное, есть у каждого. В такой атмосфере и рождается лучшее. Вот и говорю я своим музыкантам: не бойтесь выразить себя, верьте. Знаете, сколько замечательных своих солистов вырастили мы вместе!

– Сразу чувствуется христианская душа.

– Христианская основа есть в каждом. Моя, видимо, укрепилась тем, что мама ходила в церковь, пела там в самые строгие годы. Но сознательно я обратился к вере в зрелом возрасте. Сильным воздействием стало первое посещение Киево-Печерской лавры, весь дух ее, разговоры с монахами… Вышел я из Лавры другим человеком. Вот, говорят, можно уверовать, если встретить на своем пути хотя бы одного, на лице которого запечатлен Божественный свет. Я встретил отца Аркадия Шатова. Вся жизнь его положена на алтарь истинной веры, помощи людям. Многие рядом с ним обретают надежду, силы, в наше трудное время отогревают свои продрогшие и маловерные души.

– А как вы нашли свою творческую дорогу?

– Я ее не искал. Она сама стелилась передо мной. Мой папа работал на заводе в Ленинграде. И была у него страсть – баян. И мечтал он, чтобы его сын непременно стал музыкантом. Но наступили времена, для музыки не подходящие – война. Все девятьсот дней блокады моя семья пережила в Ленинграде. После блокады папин завод перевели в Муром и нас, еле живых, вывезли “дорогой жизни”. В Бологом наш поезд разбомбили. Взрывом уничтожило почти весь состав, разбросало всю семью. До сих пор помню, как я, маленький мальчик, придя в себя среди убитых, зову на помощь. Тот крик и сегодня звучит во мне. В конце концов, мои родители нашли меня. Это чудо, но вся наша семья уцелела. Из всего нехитрого нашего семейного скарба сохранился тогда один баян. Музыкой я начал заниматься в Муроме. Не было для меня большего счастья бежать за духовым оркестром фэзэушников и дирижировать. “Быть тебе, Володя, дирижером”, – убежденно сказала моя первая учительница музыки Вера Николаевна Ильина... Никогда ее не забуду. Окончив Гнесинский институт, я стал руководителем оркестра русских народных инструментов Всесоюзного радио. С нами выступали такие выдающиеся певцы, как Лемешев, Лисициан, Архипова... Очень много мне дали те пятнадцать лет. Я изучил и прочувствовал народное творчество, не только русское, понял душу народной песни, которая корнями своими уходит в землю, а душой – в небо. Предки наши, запевая песню, отрывались от этой прекрасной и грешной земли и уносились в бескрайние небесные мечты… Современные дети, воспитанные на острых приправах попсы, почти утратили эту бесценную основу национального духа. Скромная, равнинно-округлая природа наша – вот колыбель народной культуры. Я уже в те годы понял, что мало иметь музыкальное образование – необходимо чувствовать и знать народную музыку.

– Но если вы были так преданны своему народному оркестру, почему же оставили его?

– В какой-то момент мне стало тесно в его рамках, малых формах, ограниченном репертуаре. Уже опытным музыкантом, руководителем известного оркестра я закончил консерваторскую аспирантуру, получил “права” симфонического и оперного дирижера. И вот тут-то на меня обрушились неприятности. “Как это он лезет со своей балалаечной сутью в наш элитный цех?” Да, да, именно так мои недоброжелатели писали руководству, вплоть до Брежнева. И все-таки драматические перипетии только закалили мой характер. Помню, Георгий Васильевич Свиридов сказал мне: “Знаешь, Федосеич, в одном африканском племени есть обычай. Когда проклевывается первый маленький пальмовый росток, на него кладут камень. И если росток обойдет или пробьет преграду, его начинают пестовать, а из выросшей пальмы делают самые значительные изделия, вплоть до оружия, – это про тебя”.

– Неужто в то трудное для вас время не нашлось защитников?

– Нашлись. Мравинский пригласил меня в свой оркестр, в абонемент “Молодые дирижеры”. Он-то и стал мне первым дирижерским примером: “Служить искусству, как святыне”. Даже на репетицию Евгений Александрович шел с трепетом, с чувством сверхответственности… Защитили меня и Хренников, и Свиридов. “Ничего, ничего, – подбадривали, – бритва должна заточиться”. И судьба благосклонилась ко мне. Вот так двадцать шесть лет назад определилась моя судьба.

– С тех пор ваш путь усыпан розами.

– Нет. Шипов всегда более чем достаточно, если ты ответствен. А когда приходишь в сложившийся коллектив, да еще в коллектив с грандиозной историей. Проблем хватало. Например, в том, что эти хорошие в основном музыканты отвыкли от репетиций, от необходимой черновой работы.

– С чего же вы начали?

– Решился на прослушивание всех музыкантов – звездных и рядовых. Кое-кто не захотел, решил уйти. Поднялся скандал. И тогда Рождественский в своем интервью сказал, как якобы его вызвал руководитель Госкомитета радио и телевидения Лапин и потребовал уволить из оркестра всех музыкантов еврейской национальности. Он, Рождественский, конечно, отказался и потому ушел. Но его слова в интервью – абсолютная ложь. Лапин был умным человек, да если бы и захотел, одним росчерком пера мог бы закрыть оркестр тогда на радио их было два. Ну и, конечно же, я, по утверждению Рождественского, был назначен на роль “антисемитского городового”. Вы можете себе представить, чего мне стоило пережить и работать первые десять лет в России и за рубежом из-за этой фальшивой легенды… Ну да ладно, чего старое ворошить...

– Так вы же могли бы тоже уехать, имея в ту пору ангажементы?

– Уехать из России навсегда?! Невозможно. Могилы предков, наша природа, которая меня укрывает от всех невзгод. Трудно, устаю – бегу на Валдай или на Смоленщину. Природа скромнее швейцарской. В нее не “вмонтированы” современные удобства, все здесь сверхскромно. Ничего за столетие не изменилось. В округе все те же “бедные селенья”. А птицы так поют, что голова идет кругом. Под эти песни где-нибудь на лугу или на сеновале разбираешь партитуру, а потом, зимой, на репетиции вынимаешь соломинку, и всплывают ароматы и звуки деревенского лета. И все же осуждать уехавших не буду. Уж больно трудная была жизнь у нас, да и сейчас трудностей немало. На Западе, например, дирижер – это артистический мозг. В России дирижер – и администратор, и добытчик, и менеджер, и спонсор, и хозяйственник. А проблема концертных залов? Их мало даже в Москве и в Петербурге, не говоря о других городах.

– Как вы думаете, что отличает ваш оркестр от других?

– Неповторимый звук, особенно струнных. Мы говорим со слушателями звуком. Техническим совершенством сегодня обладают многие оркестры. А вот достичь поющего звука, создать ауру звуковую при полной гомогенности – задача трудная. Раньше, слушая радио, можно было определить, какой оркестр играет. Сегодня же все на одно лицо. И неудивительно. Что может сделать дирижер-гость? Придет, соберет музыкантов на одну программу, “отдирижирует” и уедет. Иное дело, когда дирижер постоянный, у него совсем другая ответственность. Караян, Мравинский, Янсонс десятилетиями пестовали свой оркестр. К этому не все имеют вкус да и умение – уж очень трудная, кропотливая и объемная работа. Но результат стоит того. Сто двадцать инструментов сливаются и звучат как единый живой инструмент. А если еще и душа чувствует дыхание зала, наступает момент благодати.

– Ваши музыкальные труды отмечены Большим серебряным крестом. Австрийская пресса пишет, что вы так изумительно играете их национального кумира Штрауса, словно в ваших жилах течет австрийская кровь.

– Взаимопроникновение культур – интересное явление. Япония, к примеру, не мыслит своей музыки без Чайковского. Помню, мы играли Шестую симфонию в горькую годовщину в Хиросиме. Публика плакала, хотя японцы очень скупы в выражении чувств. И люди простые мне говорили, что Чайковский их родной композитор. И все-таки редко кто, кроме русских, способен чувствовать другую культуру как свою. Ну, скажите, кто, кроме Глинки, мог написать “Арагонскую хоту”? Испанцы считают ее своей. А цикл Свиридова на стихи Бернса? Как будто его написал шотландец. Когда мы дали прослушать эту запись англичанам, они не могли поверить в ее русское авторство. А вспомните “Песни западных славян” Пушкина! И это великая русская традиция.

– На днях мне выпало огромное счастье: слушала в исполнении Питерской хоровой капеллы под управлением замечательного Чернушенко “Перезвоны” Гаврилина. Совершенно потрясающее произведение. И что же? В ночных новостях на канале “Культура” господин Флярковский рассказывал зрителям о какой угодно белиберде, но даже не упомянул об этом выдающемся культурном событии. При этом канал не оставил концерт в записи! Невосполнимая потеря.

– О многом можно сегодня говорить как о варварстве. Музыка высокая выстраивает душу. А что может быть важнее этого? Несколько лет назад мы играли в Перми Чайковского. И вдруг прямо во время исполнения в паузе встает в зале человек и громко говорит: “Господа артисты, что вы с нами делаете?! Вы нам всю душу перевернули”. А после концерта нас обступили люди и наперебой приглашали в гости, кто на пельмени, кто на чай. Такое возможно только в России.

– Это, Владимир Иванович, свидетельствует о том, что культура должна заниматься воспитанием чувств.

– Особенно когда практицизм, доходящий до цинизма, вытесняет сострадание, добрые порывы. И государство просто обязано это понимать и поддерживать истинную культуру. На одном энтузиазме нам не выжить. Посмотрите, как унижен Малый театр, как бьется, чтобы сохранить традиции. Наш лучший режиссер Петр Фоменко много лет работал без помещения, его гениальные постановки игрались по подвалам. И только сейчас ценой невероятных усилий ему дали зал на 50–70 мест! Все исковеркано, все искажено нашим новым “демократическим” мышлением и действием. Страшно сказать, но сегодня совершается антропологическая революция. Этим своим наблюдениям я нашел подтверждение и у современных философов. В частности, у Ренаты Гальцевой. Мы живем в такое время, которое отказывается от классического наследия, от традиции и не признает никаких норм… Распалась связь времен. Ожесточенная атака на основы мироустройства, все – против морали и сдерживающих начал, царит вседозволенность. Так называемое “новое” оставляет в душе хаос и смятение. Как бы ни изобиловала история искусства сменой стилей, дело никогда не доходило до разрыва с основами художественного творчества, его гармонизирующим, очищающим действием. А это означает конец непоколебимому до сих пор представлению о гармонии мира как о прекрасной гуманной основе его творения. Воля человека становится вызовом творению и Творцу… Вавилонская башня “культурных” отходов разрастается, и работа эта кипит под аплодисменты. Простите за длинный пересказ, но суть мне кажется чрезвычайно важной для понимания большинства. Так вот, я не хочу участвовать в построении небывалого в истории общежития без Веры и исторических традиций. И робко надеюсь, что не все еще потеряно для современной Культуры.

– Как же вы, Владимир Иванович, напряженно живете!

– Да одному мне бы не осилить мою дорогу. Рядом со мной надежный друг Ольга Ивановна Доброхотова.

– Знаю ее. Когда-то она вела на ТВ музыкальные передачи.

– Если бы не Ольга Владимировна, наверное, многое в моей жизни не состоялось бы.

– А почему она теперь не ведет на ТВ свои замечательные циклы?

– А вы спросите у нее.

– Пришла перестройка, – это уже рассказывает Ольга Ивановна, – и меня вскоре отрезали от ТВ, выгнали, сказав, что стиль мой не соответствует сегодняшнему дню. И “начальник” мой, его уже нет, предложил мне заняться поп-музыкой. Это был просто повод избавиться от меня. Не мог же он всерьез рассчитывать, что я приму столь разрушительное предложение. И я вмиг, не обставляя свой уход необходимыми формальностями, закрыла останкинскую дверь навсегда. Очень страдала я первые два года. Никак не могла смириться с мыслью, что так горько может завершиться четверть века моего беззаветного служения культуре. До сих пор согревают мое сердце случайные встречи с людьми в разных городах России, которые благодарят меня и спрашивают, почему я не продолжаю своей работы.

– Но вы же сразу могли переключиться на Большой симфонический оркестр.

– Не могла. Моя профессиональная жизнь не была связана с делом моего мужа. БСО никогда не был в поле моего телевизионного внимания. Мы шли параллельно, а не служили друг другу в эфире. Спасла меня от отчаяния вера. В какой-то момент глаза мои раскрылись, и я поняла, что совсем не обязательно быть в кадре, можно делать важные дела, не называя своего имени.

– Ваша жизнь, Владимир Иванович, музыка, музыка и музыка. А чем занимаетесь на досуге?

– Досуга не бывает. Люблю живопись, литературу. Как все нормальные люди, очень люблю театр. Начинаю тосковать, если долго не бываю на природе. Тишина, бедная наша деревня на Валдае, встречи с людьми, с которыми вместе хочется плакать. Россия наша прекрасна в любом облике. И нищая она щедра и добра! Однажды мы с женой пошли по деревне искать Свиридову валенки, он даже летом ходил в них на даче. Не могли найти. И вот видим, у сельпо стоит мужичок, спрашиваем, где можно найти валенки?” “А вам для кого они нужны-то?” – интересуется он. “Для Георгия Васильевича Свиридова”. “Для композитора?! – воспрял он. – Подождите, я свои принесу!” Какая же это была радость для нас и для Свиридова! Этот случай характерный для нашего человека.

– А что вас радует сегодня и что огорчает?

– Красота и благодать нашей земли, любовь к ней переполняет мою душу. Но когда вижу мое Отечество с протянутой рукой, вижу, как уходят из мира великие наши ценности, рушатся, подменяются, уходит мораль, добро, люди барахтаются во лжи, как в паутине, то сердце щемит. Увижу ли я свою родину когда-нибудь счастливой? Не знаю. Но сегодня я живу и тружусь ради нее.

Беседу вела Наталья ЛАРИНА
© "Литературная газета", 2002

**bluesman** · #17 10.07.2006, 19:43

Mella, поддерживаю Ваши слова!

Михаил - настоящий энтузиаст классической музыки!

Michael · #18 11.07.2006, 19:41

Друзья, спасибо за теплые слова. Придется отрабатывать столь щедрый аванс..

"Влтава" - красивое и романтичное ( как имя девушки, девушки непременно красивой) название одной из самых известных рек в Чехии. Река эта имеет такой же переменчивый характер, как у наших прекрасных дам. Она спокойна, но бывает неудержимой, стремительной и сметающей все на своем пути.
Влтаву прославил в своей музыке один из самых замечательных славянских композиторов Бедржих Сметана (кстати, мои друзья из Словакии утверждают, что у них фамилия композитора произносится с ударением на второй слог). Наверняка, вам знакома мелодия из «Влтавы» ( цикл « Ма Власт» - Моя Родина).
Если говорить о моих личных впечатлениях, то на меня эта музыка оказала громадное воздействие. С первых же нот, попадаешь под власть Влтавы, она уносит вас своим течением, то медленным, то набирающим силу. И невозможно не плыть по этой реке, представляя как красивы ее берега, как прекрасна Чехия. Что говорить - надо слушать...
На протяжении нескольких лет,время от времени, я слушал запись Влтавы в исполнении Чикагского симфонического оркестра под управлением Баренбойма(современнный звук - digitally remastered, DG, 1978г.)
И вот .. запись 1951 года, Венский филармонический оркестр, дирижер Вильгельм Фуртвенглер.
Стоит послушать одну запись вслед за другой и сравнить. Совершенно другая трактовка, возникают совершенно новые чувства. Представления о Влтаве - другие. Здесь уже и радость , и боль.
Оркестр, как всегда у Фуртвенглера звучит как единый иструмент. А технический уровень записи еще раз подтверждает, что немецкие звукоинженеры уже в начале 50-х годов достигли такого качества, которое (конечно, с учетом ремастеринга фирмы EMI) вполне устраивает и современного слушателя.
Ну, и наконец, ссылка на Фуртвенглеровскую запись
http://rapidshare.de/files/25554968/smetana.mp3.html

БЕДРЖИХ СМЕТАНА (Smetana)
(1824–1884)

Чешский музыкант, глава национальной композиторской школы. Родился 2 марта 1824 в Литомишле. Уже в очень раннем возрасте Сметана проявил большую одаренность и целеустремленность. В своем дневнике он записал: «Я хочу стать Моцартом в сочинении и Листом в виртуозности». В 1848 Сметана основал музыкальную школу в Праге. С 1856 по 1861 он зарабатывал на жизнь дирижерской деятельностью в Гётеборге (Швеция) и вернулся в Прагу только в связи с болезнью жены. После ее кончины Сметана снова уехал в Швецию, а в 1863 окончательно поселился в Чехии. Здесь он в течение нескольких лет развил бурную деятельность как хоровой и оперный дирижер, музыкальный критик и композитор. В 1874 Сметана совершенно потерял слух; в 1882 у него проявились признаки душевного заболевания. Он скончался в Праге 12 мая 1884.
http://www.belcanto.ru/smetana.html

Mella · #19 16.07.2006, 22:14

Мой скромный вклад:
"Валерий Гергиев – художественный руководитель Мариинского театра и главный дирижер Лондонского филармонического оркестра – удостоен премии имени Герберта фон Караяна. Она вручается в среду вечером в Баден-Бадене (уже вручена 12 июля).
Премия имени Герберта фон Караяна (большого поклонника баден-баденских вод) после Анны-Софи Муттер, Евгения Кисина и Берлинского филармонического оркестра в полном составе удостоен дирижер Валерий Гергиев.
По словам председателя комитета по присуждении премии имени Караяна и директор Баден-Баденского фестшпильхауса Андреаса Мёллиха-Цебхаузера, "есть несколько причин, почему мы присудили этот приз именно Гергиеву": Во-первых, Гергиев – как и Караян – выдающийся мастер эмоциональной, интуитивной интерпретации музыки. Во-вторых, комитет хотел отметить его выдающиеся организационные достижения в области театрального менеджмента: ведь он превратил Мариинский театр в одну из ведущих европейских оперных сцен. Наконец, в-третьих, Гергиев сделал и продолжает делать очень много для поддержки молодых певцов – как в России, так и за рубежом.

Однако есть и еще одна выдающаяся заслуга Валерия Гергиева. Когда – в первые годы своего существования – Баден-баденский фестивальный дворец оказался на грани банкротства, от закрытия его спасло именно вмешательство Валерия Гергиева. Именно этот дирижер – успешно сочетающий руководство лучшим театром России с ролью тапера на частных вечеринках принца Чарльза, - своим даром убеждения и связями в значительной мере поспособствовал тому, что необходимый частный капитал был в свое время найден."
По материалам Немецкой Волны

Mella · #20 17.07.2006, 22:00

Наконец удалось прослушать "Влтаву" под управлением Фуртвенглера. Кстати, раньше я ее кажется не слышала (или слышала, но очень давно). Когда слушала первый раз представлялось течение реки, то быстрое, то порожистое. А когда слушала повторно, то подумалось, что это одна река, но вразные времена года. Начинается с ранней весны, когда первые тонкие ручейки пробиваются из под снега. Потом мощный ледоход, может быть даже наводнение (как несколько лет назад мост снесло в Праге, кстати, на Влтаве). Затем плавное, немного ленивое летнее течение, за ними осенние грозы и бури. И наконец, зима, солнце, блеск, коньки-санки, река отдыхает и набирается сил подо льдом.
Вот написала, а потом на бельканто прочитала, что "Влтава" содержит "веселую сцену охоты, крестьянскую польку и танец эльфов". Надо будет еще раз послушать.

Verunenok · #21 18.07.2006, 15:51

а можно всем участникам маааленький вопросик задать? По теме

Встречались ли вам классические радиостанции приличного уровня, вещающие в Интернет? Я сама ищу методом проб и ошибок, но все на как-то буйное однообразие натыкаюсь: через полчаса тоска смертная: либо интервью сплошь и рядом, либо крутят одно и тоже: никакого разнообразия.

Mella · #22 18.07.2006, 17:24

"Есть обычай на Руси ночью слушать Би-Би-Си", я бы начала с него, лучшее радио всех времен и народов

Посмотрите вот здесь http://www.bbc.co.uk/radio3/classical/

tatus · #23 18.07.2006, 18:29

Радио в интернете:

Классика (Москва)

Классика (Санкт-Петербург)

Verunenok · #24 19.07.2006, 09:37

tatus, Mella, Спасибо, девочки

уже слушаю!

**bluesman** · #25 19.07.2006, 16:42

Очень советую - замечательная парижская радиостанция - Radio Classique, которая вещает, к тому же, с очень хорошим качеством - 128kb/s
http://www.radioclassique.fr

Verunenok · #26 20.07.2006, 10:21

bluesman, спасибо, теперь буду слушать на выбор

Michael · Дата рег-ции: 28.07.2002

Антон Брукнер– единственный из великих немецких композиторов
19 века, не получивший до сих пор за пределами Германии и Австрии широкого признания.
Но без Брукнера невозможно составить полного представления о симфонической музыке Германии, а следовательно, и о мировом симфонизме.
Фигура Брукнера стоит рядом с такими колоссами как Рихард Вагнер, Малер, Брамс.
Великий Вагнер однажды сказал о Брукнере: «Я знаю только одного, кто близок к Бетховену – это Брукнер».
В свою очередь, нельзя не сказать о том, что Брукнер боготворил Вагнера, посвятил ему свою третью симфонию. После смерти Вагнера многие видели Брукнера его преемником.
Безусловно, музыка Вагнера оказала огромное влияние на творчество Брукнера.
При этом он оставался глубоко религиозным человеком, а последнюю свою 9 симфонию он посвятил Богу. Брукнеру суждено было оказаться в гуще борьбы приверженцев Вагнера, с одной стороны, и сторонников Брамса, с другой. Но и в той , и в другой группе он оставался «чужим среди своих».
«Когда я предстану перед Господом, у меня будет что ему показать» - сказал как-то Брукнер. А показать ему , действительно, было что: в его творческом наследии замечательные 9 симфоний и духовная музыка (3 мессы, Requiem, Te Deum)

Антон Брукнер родился в 1824 году в деревне Ансфельд, Австрия. По образованию школьный учитель. Несколько лет работал органистом в Линцском кафедральном соборе.
Прославился как органист- импровизатор.
Переехав в Вену, жил там до конца своей жизни.
Умер в 1896г.
Не верьте тому, кто скажет что музыка Брукнера сложна для понимания, что симфонии его перегружены. Существует только одна опасность – попасть в сети его магической музыки и остаться там навсегда. Прослушав его симфонии в каком-то одном исполнении, возникает желание узнать, как его исполняют оркестры под управлением других дирижеров. И тогда , не исключено, что услышав вопрос : «Как часто вы слушаете все симфонии Брукнера?», Вы вдруг ответите : «Каждый день»….
О Брукнере можно еще почитать на :
www.bruckner.ru
www.bruckner.org
Послушайте третью симфонию Брукнера, дир. Герберт Фон Караян:
http://rapidshare.de/files/27590055/bruckner.rar.html

Michael · #28 06.08.2006, 16:25

Кого же считают любители симфонической музыки лучшим интерпретатором музыки Антона Брукнера? Единого мнения нет. Но без сомнения, среди лучших находятся и Вильгельм Фуртвенглер, и Серджиу Челибидаке. О Фуртвенглере мы уже говорили выше. Здесь я хочу лишь сказать несколько слов, переведенных по памяти из статьи наhttp://www.classicalnotes.net/features/furtwangler.html:
Представьте себе Германию 1944г. Разгар войны. Гибнут люди.. А в зале Берлинской филармонии Вильгельм Фуртвенглер поднял свою дирижерскую палочку. Инженер Берлинского радио включает свой магнитофон.. Начинается запись 9-й Брукнера, которая войдет в истории мирового исполнительского искусства..

Послушать эту запись можно на
http://rapidshare.de/files/28395805/furt.rar.html

А теперь о Серджиу Челибидаке.

Цитата из статьи Тесса Джеймса на http://www.celibidache.org/tess_james.html :
“Румын по происхождению, еще задолго до своей смерти в 1996 году он признавался многими последним живущим великим гением дирижерского искусства.
Между Челибидаке и Брукнером всегда была особая взаимосвязь; говорили, что Челибидаке понимал Брукнера как никто другой.

"Для него время - не такое, как для других композиторов. Для обычного человека время - это то, что идет сразу за началом чего-то. Для Брукнера время - то, что приходит после окончания. Его апофеозы в финале, мысли об ином мире, о спасении, о новом крещении - все это не существует нигде в такой форме, как у него" - такими словами ответил сам Челибидаке, когда его спросили о Брукнере. Но что именно это означало для оркестра? Им приходилось играть Брукнера, основываясь на том, как Челибидаке понимал темпы; симфонии зазвучали по новому, как если бы вы услышали их впервые, к тому же они стали гораздо дольше, чем исполнялись до этого.

"Это означало очень тяжелую работу", вспоминает Йорг Эггбрехт, исполняющий партию первой виолончели оркестра Мюнхенской филармонии, которым Челибидаке руководил с начала 80-х годов до самой своей смерти. "Его манера проводить репетиции оказывала на нас огромное давление. Если бы я начал изучать партитуры так же углубленно, как Челибидаке, если бы делом моей жизни стало исполнение музыки Брукнера так, как хотел бы сам Брукнер - очень спокойно и умиротворенно - тогда понадобились бы огромные усилия, особенно у духовых инструментов. Некоторые из моих коллег занимались йогой для того, чтобы быть в состоянии выполнять требования Челибидаке по технике дыхания.
Эггбрехт вспоминает, что от музыкантов духовой секции требовалось абсолютно точная дозировка дыхания. "Удерживать это невероятное спокойствие и умиротворенность на протяжении всей симфонии было чрезвычайно утомительно", объясняет он, добавляя: "но это означало, что наши исполнения Брукнера были совершенно избавлены от грубости. Каждая нота рождалась в свой черед, каждый звук имел свое пространство, ничто не проглатывалось. Можно было расслышать каждый нюанс музыки и понять, что же Брукнер хотел выразить. Это был момент истины, музыкальное пространство выходило за пределы оркестра в зал".

Петер Джонас, выпускник Королевской музыкальной консерватории, работавший с Шолти в Англии, теперь является управляющим Байрейтской Национальной Оперы - первый в Германии, который владеет английским языком. "Я очень хорошо помню его исполнения музыки Брукнера", говорит Джонас. "Люди плакали, не таясь и не стыдясь этого. Это было очень трогательно, нечто большее, чем просто музыка".

Говорят, что Брукнер Челибидаке всегда воспринимается без излишних усилий, звучит так же естественно, как текущая вода, обволакивая душу слушателя. Музыкальные критики называли эти исполнения естественными, плавными, наполненными самой сутью звука. "Это легко объяснить", говорит Эггбрехт. "Мы находим в музыке Брукнера элементы, которые говорят о нашей смертности, о нашей предначертанной судьбе, о периодах одиночества, периодах отдаления от Господа. Для всего этого в его музыке есть символы…”

Предлагаю послушать:
Symphony No. 7 in E
(Berlin Philharmonic Orchestra / S. Celibidache
Broadcast of the concert from 01.04.1992)

http://rapidshare.de/files/26168461/...E_-1-.zip.html

Michael · #29 24.08.2006, 13:57

Почему многие люди мало интересуются классической музыкой?

Действительно, почему?
Если мы сравним количество сообщений и тем, затрагивающих вопросы классической музыки - симфонической , оперной, инструментальной и др. на нашем форуме, и количество сообщений по популярной музыке, то соотношение подтвердит актуальность заглавного вопроса. Неужели классика - удел избранных, своего рода элитарное искусство?
Но попробуйте задать этот вопрос своим знакомым - незнакомым людям или себе любимому. Мало кто ответит, что он совсем не любит классическую музыку, что она вызывает отвращение. И уж точно, всегда можно найти такое произведение, которое приведет в воссторг самого непримиримого противника серьезного жанра. Так может быть, все дело в том , с чего начать? В том, как подготовиться к путешествию в мир счастья, страданий, любви и грез, в мир драмы и вечного противостояния мужчин и женщин, в мир , полный открытий и удивлений..
Хочу полностью привести статью Ильи Баранова (http://www.7not.ru/articles/love_it.phtml), который пытается помочь новичкам приобщиться к классической музыке, причем в легкой, непринужденной форме, и как мне кажется, небезуспешно.. Впрочем, оцените сами.

Любите классику !
Илья Баранов

--------------------------------------------------------------------------------

Небольшое введение

Данная статья написана с целью приобщить Вас к великому миру Высокой Классической Музыки (далее ВКМ).
Не пугайтесь! В этом тексте нет призывов типа: “Классическая музыка – здорово, современная – не здорово” и рассуждений о высоких материях. Наоборот, я старался написать максимально просто, избегая и восторженных, и пренебрежительных ярлыков.

Более того, эта статья максимальна практична, здесь приводятся только конкретные советы помогающие понять любое музыкальное произведение, вне зависимости от стиля. Неважно, каковы Ваши музыкальные предпочтения, любите ли Вы рок, джаз или метал, я не буду тыкать Вас в достоинства и недостатки чего бы то ни было, а просто постараюсь заинтриговать.
Небольшое замечание: в данной статье слово “классическая” является синонимом слов “академическая” и “серьезная”.

Зачем это надо ?

У Вас, как и у многих людей всех возрастов при словах “классическая музыка” возникает образ чего-то долгого, нудного и скучного. Почему? Ответ очень прост – Вы не умеете ее слушать.

Вы подобны тому ребенку, который не умея читать отбрасывает книгу без картинок. А скажите, Вы когда-нибудь жалели, что научились читать? Разве вам скучно читать интересную книжку? Вспомните то удовольствие, с которым Вы в детстве читали и перечитывали любимую сказку или рассказ.

Поверьте, не меньшее удовольствие можно получать и от “чтения” музыки. Для этого надо всего лишь выучить некоторое количество букв. Правда, здесь есть еще один момент.

Уверен, Вы привыкли считать, что музыка предназначена только для сопровождения танцев, или что бы под нее полежать и расслабиться, не загружая мозги, но отнюдь не для того, чтобы напрягаться, слушая ее. А классическая музыка – это не фон! Ее надо внимательно слушать, сосредотачиваться на ней, использовать воображение, мысленно рисовать какие-то картины, образы, ситуации, точно так же, как это происходит при чтении книги. Многим из Вас лень это делать. Да, что поделать – это проблема для современного человека. Гораздо проще, когда по телеку неинтересный клип переключиться на другой канал. Но Вы все-таки постарайтесь, ведь Вы можете получить огромное удовольствие.

Можно сказать, что разница, между популярной музыкой и классикой такая же, как и между фильмом и книгой – одна все показывает, другая требует работы воображения. Что лучше? Мой ответ – победила дружба. Свобода выбора! Вот, только я не хочу, чтобы люди лишались ВКМ, потому что им не объяснили что с ней делать.

Полагаю, что у Вас возник вопрос: а зачем так напрягаться? Это выглядит надуманно, и вообще, явная глупость.

И действительно, зачем надо слушать эту скучную музыку ?

Отказываясь учиться слушать музыку, Вы все равно, что отказываетесь читать. Вы, может быть, и не пожалеете, но только потому, что не узнаете, что потеряли.

Что для этого надо ?

Совсем немного – дочитать эту статью и начать слушать музыку. Начните с прослушивания одной композиции по 3-4 минуты в день, а там как пойдет. Помните о том, что слушать музыку, не вникая – только вредить делу. Старайтесь тренировать дисциплину мыслей. Как только заметите, что отвлеклись, сосредотачивайтесь на музыке. Это умение пригодится и в жизни.

Но не думайте, что это так уж сложно. В конце концов, от вас не требуется запомнить всю музыку до последней ноты, можете вообще не запоминать ничего. В этой музыке главное – ощущения. Эмоции. Иногда энергия.

Хорошая музыка тем и отличается от плохой, что в хорошей Вы услышите самое главное обязательно.

Данные правила можно применять не только в классической музыке. Наоборот! Применяйте ее ко всей музыке, особенно к музыке в фильмах, мультфильмах (очень хорошую музыку, яркую и понятную, писали к советским мультфильмам) – как только начался эпизод с музыкой, попытайтесь “перевести” ее.

Небольшое отступление.

Несмотря на то, что я музыкант и все время читаю статьи и книги по музыке, я почти нигде не видел описания “букв музыки” и “слов” ее языка. Только изредка мне попадались кое-какие крохи, по которым я учился. И вот теперь, овладев языком в достаточной мере (хочется надеяться на это), я хочу и Вас научить этому.

Главной причиной написания этой статьи было то, что нигде я не видел хоть чего-либо подобного.

Любители классической музыки называют современную музыку “ужасной”, “мерзкой”, требуют от детей чтобы они ее не слушали, говорят об упадке музыкального искусства. Учителя водят детей на “Лебединое озеро”, говорят им о “подлинной драме любви и смерти”, но не могут нормально объяснить, в чем это выражается.

Приверженцы современной музыки говорят о классической “да нужна нам эту нудятина” и, в свою очередь, отказываются ее слушать.

Никто не делает шага к примирению, и не пытается объяснить свою позицию. Соответственно, нет руководств к слушанью классической музыки (возможно, придется написать и обратное руководство – “от современников к классикам”).

Не буду говорить о том, что современная дискотечная и популярная музыка плохая. Во-первых, я так не считаю. Во-вторых, моя цель – дать Вам выбор, а дальше Вы сами составите мнение и сравните. Я всего лишь хочу чтобы и Вы поняли классическую музыку.

Особенно это будет полезно для Вас, если Вы музыкант, и неважно, играете ли Вы собственную музыку, или чужую, играете ли в пост–индустриальной панк–рок группе на ударных, или исполняете авторские песни под аккомпанемент банджо. Потому что натренированную дисциплину мыслей и понимание языка музыки Вы можете перенести и на свои музыкальные упражнения. Чем лучше Вы понимаете чужую музыку, тем лучше поймете и свою.

А кроме этого, законы музыки, совершенно одинаковы во всех стилях и направлениях, и учась слушать классику, Вы учитесь понимать и всю остальную музыку. А кроме этого – и окружающий мир.

Что не следует слушать для начала :

Во-первых избегайте как чумы музыки двадцатого века. Исключения только для нескольких композиторов – Рахманинов, Хачатурян, Пьяцолла. Слушать Хиндемита или Стравинского без подготовки все равно что начинать тренировки со стокилограммовой штанги – можно возненавидеть всю классическую музыку на годы.

Во-вторых, как это ни странно, но следует избегать двух из трех самых великих композиторов – Баха и Моцарта.

Баха – потому что он писал полифонические произведения, то есть такие, в которых одновременно звучат несколько мелодий, а, соответственно, следует значительно сильнее напрягать мозги. Такую музыку оставьте на потом (избегайте всех полифонических сочинений, например концертов Генделя).

Моцарта – потому что его музыка требует несколько иного подхода, другого восприятия. Не зная этого можно запутаться в его прихотливых мелодиях. То же самое относится к струнным квартетам Гайдна.

В-третьих, постарайтесь не связываться с оперными ариями. Часто в ней подразумевается какая-то ситуация, о которой Вы можете не знать и составить неправильное впечатление. И вообще, для знакомства лучше подойдет инструментальная музыка.

Что же остается ? Очень и очень много:

Бетховен.

Вивальди.

Все Штраусы, кроме Рихарда (этого–на потом).

Лист.

Брамс.

Рахманинов.

Бизе.

И многие, и многие другие.

Особенно рекомендуется :

Григ “Лирические пьесы”.

Шуман “Карнавал”.

Шопен – все кроме этюдов.

Чайковский – фрагменты балетов.

А также фрагменты балетов других композиторов (кроме вышеперечисленных).

Движение

Вы когда-нибудь задумывались, что такое музыка? Если обобщить, все что можно сказать о музыке, то получится такое определение:

Музыка – это мир изображенный звуком.

Подобно тому, как живопись отображает мир, наш, или непохожий на него визуально, музыка делает это с помощью звука. Но музыка далеко не всегда отображает сам звук этого мира (в отличие от других видов искусства) – все это делается с помощью различных ассоциаций.

Чтобы рассеять возможное непонимание, замечу, что этим миром, может быть все что угодно: маскарад в Рио-де-Жанейро, похороны в Венеции, завтрак в Арктике, двое влюбленных в саду на лавочке, внутренний мир отдельно взятого человека, безжизненный (или наооборот) Марс, люди, чувства, фантазии, города, реки, страны…

(Если подходить с технической стороны, то получается другое определение: музыка – это последовательность ритмически связанных звуков, но это Вам говорю только для общего развития)

Но сейчас мне хочется обратиться к более узкому определению:

Музыка – это движение, выраженное в звуке.

Это определение в первую очередь доводят до молодых музыкантов, и это применимо к большей части музыки.

Каждая нота каждой мелодии – это изображение какого-то движения.

(Музыканты не случайно говорят о скачках, прыжках – за этими терминами скрываются ощущения.)

В музыке может быть изображено любое движение – физическое или душевное.

К примеру, движение ног. Не случайно под хороший марш или современный дэнс хочется топать в такт.

Пример – Иоганн Штраус–отец – Марш Радецкого.

Как известно, под марш обычно маршируют. То есть равномерно топают ногами – левой, правой, раз, два. Здесь такое движение изображено на протяжении всей пьесы.

Гуно – Вальс из “Фауста”.

А вот ритм вальса вызывает ассоциацию с чем-то вращающимся, даже если не представлять сам танец, не правда ли?

Барриос-Мангоре – Тарантелла.

Немного отличается от него ритм тарантеллы, но вызывает совершенно другие ассоциации – под него хочется прыгать вправо–влево.

Россини – увертюра к опере “Вильгельм Тель”.

Здесь тоже есть четкий ритм, но движения не ног, а скорее копыт, не правда ли?

Вполне очевидно, что медленный, неинтенсивный, ритм вызывает ассоциации с медленным движением, а быстрый – с быстрым. Движение физическое, может и отсутствовать, но все равно в каком-то виде движение будет (например взгляд скользит по склону горы, появляется, то одна деталь, то другая). Если мелодия останавливается, то останавливается и движение, если поток нот постоянен, то постоянно и движение.

Теперь простым движениям можно придать объемность – с помощью высот звуков. Высота – это одна из характеристик любого музыкального звука. Послушайте иллюстрацию к движению нот вверх и вниз. Так можно изобразить, например, качели.

Шопен – Фантазия–экспромт – похоже на полет? С виражами?

Что еще можно добавить к описанию движения? Громкость! Здесь все просто: чем громче, тем сильнее, интенсивнее, быстрее движение. Думаю, пример приводить не надо.

Таким образом мы пришли к описанию движения в объеме с разными скоростями. Как Вы понимаете, различных вариантов движения (и их музыкальных описаний) – бесконечное количество, но все они описаны одним языком.

(Интересный факт: в классической музыке почти нет изображений гор, зато сотни видов моря.)

Особенно интересно, понять, причины этого движения. Например человек может идти медленно потому что:

устал;

не торопится;

задумался о чем то и сбавил шаг;

поднимается в гору, запыхался;

его ведут на расстрел, и он, естественно, еле шевелит ногами;

и т. д.

Необходимые подсказки всегда можно найти.

Конечно, выразительные возможности многих инструментов (особенно фортепиано) так велики, а в оркестре такое количество инструментов, что музыка может изображать в одно время сразу несколько движений. Так вот, в совокупности всех движений мы и попадаем в этот мир, изображенный звуком, когда представляем себе:

… противники кружат друг вокруг друга, нанося и отражая удары ножами. Все быстрее и быстрее блеск ножей. И вдруг – один ранен, он сжимает плечо, но продолжает упорно сражаться. Еще через несколько секунд ему удается достать врага, и у того на рубахе расползается кровавое пятно. Противники бросаются вплотную, яростно сжимают друг друга, вместе валятся на землю. Уже ясно кто победил – он вскакивает и бросается в темноту улиц, а неудачник пытается приподняться, но силы покидают его, и он падает на холодную мостовую, теряя сознание.

Или более статично: …Вы на улице посреди веселья карнавала, но Вам не до того. Там, невдалеке, на балконе вдали от Вас стоит Она (или Он), но Он(а) на Вас не смотрит, хотя Вы взываете к нему (к ней) все громче.

Вы конечно будете смеяться, но такой сюжет есть почти во всей классической музыке.

Прежде чем читать дальше, рекомендую Вам послушать какое-нибудь произведение. И как только оно начнется, постарайтесь определить, какое движение в нем изображено. Нарисуйте себе этот мир.

Отношение

Теперь, когда Вы разобрались с основами можно углубиться в более тонкие материи. Если помните, то в произведении всегда есть не только само движение, но и причина. Понять причину не всегда просто, но есть хорошая подсказка – отношение. Под этим словом я подразумеваю то, какое настроение вызывает у нас музыка – радость, печаль , возвышенное ликование, бурный гнев, “а нам все равно”…

Отношение создается с помощью массы элементов. Отношение, не так однозначно, как движение, оно может меняться и, зачастую, меняется каждые несколько секунд.

Одно из средств создания настроения – скорость (или темп). Если Вы пройдет сто метров шагом, Ваше настроение будет совсем не таким, как если бы Вы их пробежали. Понятно, что неторопливые темпы ассоциируются с чем-то спокойным. Быстрые темпы возбуждают. Очень быстрые иногда пугают. Медленные темпы тоже заставляют напрягаться, так как они ненормальны для человека (почти любое нарочито медленное произведение вызывает ассоциации с похоронами).

Другой способ – высота, уже знакомая Вам. Здесь действуют правила, заложенные в нас эволюцией. Чем ниже звук, тем больше издающий его предмет. Очень низкие звуки издают очень крупные предметы – их мы опасаемся. Очень высокие звуки возникают в природе в очень редких случаях – их тоже. Наиболее спокойно воспринимаются звуки лежащие в диапазонах человеческих голосов. Во многих произведениях мелодия многократно повторяется в разных голосах – то выше, то ниже.

Следующий способ создания настроения – ритм. Ритм можно подчеркивать, это создает впечатление неотвратимости или уверенности. Если ритм, наоборот все время “уплывает”, то это напоминает неуверенность.

Еще один способ – тембр. Под этим умным словом скрывается окраска звука. Скажем арфа и фортепиано могут издать звук одной и той же высоты и громкости, но по тембру мы различим инструменты. Чтобы было совсем понятно, скажу, что по тембру мы легко отличаем голос человека, даже если он старается говорить как другой.

Так вот, одну и ту же мелодию можно сыграть и на арфе, и на флейте и еще тысяче инструментов. Композиторы подбирают такой инструмент, а исполнители – такой способ игры, что бы соответствовать настроению мелодии. Скажем флейта, гобой вызывают легкие, нежные ассоциации, а трубы – впечатление рока, неотвратимости.

И наконец осталась немаловажная составляющая – гармония, которая должна быть на первом месте, но все не так просто (некоторые могут очень сильно удивиться, но она не всегда имеет первостепенное значение). Гармония – это вертикальные (то есть одновременные) сочетания звуков. Они могут быть напряженными (требующими дальнейшего развития – диссонансными) и спокойным (консонансными), радостными (мажорными) и грустными (минорными). Все эти виды непрерывно чередуются, и в их развитии создается определенное настроение.

Гармония в некоторых случаях выплывает на первый план–когда нет явных движений и отношения. Посоветовать как ее “переводить” нелегко. Просто постарайтесь понять, какое настроение вызывает сочетание звуков в данный момент и как оно меняется со временем.

А теперь отвлекитесь от чтения и послушайте что-нибудь еще.

“Внутренняя” музыка

Есть случаи, в которых правила приведенные выше могут не сработать. Как ни гоняйся за движениями у Моцарта, ничего не поймаешь. Но есть способ понять и его.

Если Вы уже наслушались и напереводились музыки (чего Вы, конечно, не сделали), то должны были уже понять, что у каждой эпохи и композитора своя система ценностей. Кто-то рисует нам идиллические миры, кто-то ужасы несправедливости, а некоторые композиторы–внутренний мир одного человека. Соответственно эти произведения и надо слушать “изнутри”. Ищите смысл не снаружи, ищите внутри себя. Тогда ритмы чаще всего превращаются в ритмы сердца и дыхания – и сразу можно понять, волнуется человек или радуется. Движения и отношение превращаются в ощущения (ясность в голове, холодок по спине). Постоянно повторяющиеся кусочки мелодии – в идею-фикс, к которой “подопытный” все время возвращается, а прихотливые продолжения – в разные мысли по тому же и по другим поводам.

В таких произведениях может фигурировать и несколько человек.

А теперь – марш за Моцартом и без волшебной флейты не возвращайтесь

!

Колорит

Про колорит можно сказать совсем немного, но он очень помогает в переводе.

Если объяснять, что такое колорит, то можно сказать, что это сочетания особых ходов в мелодиях, гармоний, ритмов. Именно колорит придает национальную окраску музыке, и следовательно, помогает определить место действия. Вспомните, как узнаваема восточная музыка, индейская, фламенко. У многих композиторов “свое лицо” – благодаря колориту. У Пьяццоллы, например, что ни произведение, так прокуренный бар в порту в Южной Америке. Или дешевый отель неподалеку.

Колорит возникает не сам по себе, его определяет окружение, природа и люди. Соответственно, он может даже в пределах одной страны отличать горы от холмов, леса от рощ, города от поселков городского типа. Что бы хорошо понимать колорит нужна хорошая тренировка. Практикуйтесь – постепенно Вы будете вникать все глубже и глубже.

Форма

Если сказать максимально просто, то форма – это то, какие части есть в произведении и как они соотносятся друг с другом. Хорошо знакома вам всем песенная форма из запева с одной мелодией и припева с другой. Запев и припев чередуются, а еще иногда между ними появляется инструментальный проигрыш.

В классической музыке используют много вариантов разных форм. Например очень часто встречается такой: печальная первая часть, затем похожая на нее, но радостная вторая и в конце повтор первой. Это похоже на то, как кто-то вспоминает неудавшуюся любовь, затем вспоминает радостные моменты, но потом возвращается к грусти. Вообще, если в конце произведения повторяется первая часть, то вполне очевидно, что в конце концов ситуация не изменилась, или, “с чего началось, тем и заканчивается”. А если концовка другая – значит что-то изменилось.

Композиторы напридумали и применяют множество разных форм, но вовсе не надо знать их, что бы понять музыку. Просто постарайтесь понять, какие впечатления вызывает данная часть. Как эти чувства отличаются от чувств, вызываемых другими частями? Что противопоставляется? Если часть повторяется, то как изменилось ее восприятие?

В результате чередования частей может получиться даже не рассказ, вроде описанных в главе “Движение”, а целый роман, в котором действует десяток персонажей, а сюжетные линии лихо закручены.

Второе введение, которое я убрал из начала, так как не хотел, чтобы Вы скучали, поэтому Заключение

Я тоже ненавидел классическую музыку. Очень долго. С детства в течение более чем десяти лет. А потом задумался. Почему одни люди любят эту музыку, другие ненавидят? Само по себе это уже признак чего-то интересного.

Я начал слушать и эту музыку, слушал ее по несколько часов в день, но не воспринимал. Пока не понял главного. Что надо не просто слушать, а вникать. И начал вникать.

Ну что ж, если Вы и не приобщились к ВКМ после прочтения этой статьи, то, по крайней мере, поняли, почему любители ее недолюбливают музыку современную. Привыкнув переводить они ищут смысл в этих композициях, но находят только примитивные идеи. Такая музыка им быстро надоедает, а потом начинает раздражать.

Все, написанное в этой статье, является личным бредом автора. Возможно, что-то в ней покажется Вам глупым. Возможно, послушав ВКМ Вы поймете, что все совсем не так. Но Вы поймете, что такое ВКМ, а я этого и хотел.

Michael · #30 14.09.2006, 22:44

Может быть, Григорий Соколов поможет.

Об этом замечательном пианисте написано немало.
О нем много спорят. Есть те, кто говорят, что в его искусстве чего-то не
хватает. Другие безоговорочно ставят его под номером 1 среди современных мастеров игры на королевском инструменте.

Биография:
Соколов Григорий Липманович
Пианист.
Родился 18 апреля 1950 года. Окончил Ленинградскую государственную консерваторию имени Н.А.Римского-Корсакова.
Приобрел широкую известность после получения в шестнадцатилетнем возрасте Первой премии на Международном конкурсе имени П.И.Чайковского (Москва, 1966).
Преподает в Консерватории с 1975 года. Профессор кафедры специального фортепиано. Много концертирует в стране и за рубежом, в репертуаре - произведения различных эпох и стилей.
Народный артист РФ.

Приведу несколько цитат с сайта http://www.rogev.com/sokolov/index_ru.html

"По разумению многих (и автора следующих строк тоже), он ныне - первый пианист мира".
--Невское время No 70(2193)

"В отечественной фортепианной "табели о рангах"
он занимает верхнюю строчку списка, соседствуя, пожалуй, лишь с великим Рихтером... Для тех, кто знает толк в академическом исполнительстве, игра Соколова пробуждает чувства, сходные с молитвенным экстазом".
--Санкт-Петербургские Ведомости No 65(25)

"В современном петербургском зале ожила легенда о великих виртуозах прошлого - от Листа до Горовица, и довелось испытать то, что, вероятно, испытывала их публика. У меня - что уж тут! - глаза застилало слезами счастья и восторга, а в зале воистину "упали люстры" - публика неистовствовала".
--Леонид Гаккель

Обратиться к личности этого замечательного исполнителя меня подтолкнуло одно из немногочисленных интервью, данное Григорием Соколовым "АиФ" несколько лет назад. Прочтите , не пожалеете о затраченном времени:

Григорий Соколов: «Рояль для меня, как ребенок»

Имя петербургского пианиста Григория Соколова настолько высоко ценится любителями музыки, что каждый из его редких концертов в родном городе становится грандиозным событием - уже на подступах к Филармонии собираются такие толпы, что страшно, как зал сможет всех вместить? Действительно, чуть ли не на люстрах висят. Обычно Соколов играет в Большом зале только раз или два в сезон, чаще всего - сольные концерты. На этот раз выступал с Академическим оркестром и израильским дирижером Моше Ацмоном.

Звучал Первый концерт для фортепиано с оркестром Чайковского. Откровенно сказать, выбор произведения меня разочаровал, уж очень "заиграна" музыка, никак не избавиться от стереотипов советских времен: под эти жизнеутверждающие звуки в кадрах кинохроники колосились необозримые поля колхозной пшеницы или дымили домны. Но на концерте услышала музыку такой красоты и трагизма, что слезы выступили. Такого Первого концерта я не знала...

Рояль

- Григорий Липманович, говорят, вам как исполнителю приходится прилагать героические усилия, потому что рояль Большого зала - в неудовлетворительном состоянии?

- Качество роялей Филармонии неважное. Этот инструмент производит впечатление массивного и стабильного, но он чуткий и чувствительный, как ребенок. Ему нужна температура - 20-21 градус тепла, и 45-55 процентов влажности. Температура может быть и больше - 25 градусов, но стабильная, потому что рояль привыкает, катаклизмы ему противопоказаны. Кроме того, чтобы быть в форме, он, как любой механизм, должен работать, а не бездействовать. Ну у наших-то этой проблемы нет, нагрузка колоссальная. Но в зале холодно, а когда-то в Филармонии была своя котельная.

А вообще мало в мире залов, где, как у нас, сцена такая большая, что в боковых пространствах свободно размещаются три рояля. А раньше их было даже четыре. На Западе делают так: рояль на лифте опускается вниз под сцену, в помещение со всеми необходимыми условиями. Или же залы арендуют инструмент, а уж у хозяев он хранится в идеальных условиях.

- Скрипачи гордятся старинными скрипками, а какое значение имеет возраст рояля?

- В Филармонии я играл на рояле 1990 года, ему 11 лет. Это почтенный возраст, но он еще может долго прослужить. У инструмента тоже есть судьба, ему можно помочь продлить жизнь, но можно его и убить. Мне кажется, только лет пяти "от роду" рояль начинает по-настоящему звучать, с фабрики ведь привозят "кусочек мебели", трудно понять, что из него будет. Есть "вундеркинды", которые уже через 2-3 года начинают хорошо звучать.

У меня был экстремальный случай, когда играл на 100-летнем рояле, нехорошем, а несколько концертов дал на инструменте, которому было около 50 лет. Это невероятно много, но я с удивлением обнаружил, что он держал строй. Конечно, от меня потребовались героические усилия.

Настройщик

- Значит, идеальный инструмент - редкость? Как же вы добиваетесь такого фантастического звучания?

- Пианист очень много может сделать руками. И, как мне кажется, хороший музыкант должен сыграть так, чтобы в зале не заметили несовершенство инструмента.

Важно перед концертом понять, что это за рояль. Я должен сыграть практически всю программу, потому что вдруг подведет звук, который и встретится-то только один раз. Или, допустим, за весь концерт мне раз потребуется третья средняя педаль. В каком она виде? Нужно чтобы на репетиции рядом был настройщик, то, что заметит исполнитель, настройщик не заметит, и то, что может сделать с роялем настройщик, исполнитель-не сможет.

Дирижер

- Вы сами выбираете дирижера?

- Бывают случаи, когда сам могу предложить, как Моше Ацмона. Или могу отказаться, за все время было, по-моему, пять дирижеров, с которыми категорически не хотел играть. Дирижер - это довольно странная, немножко управленческая профессия. Не все дирижеры любят музыку! А аккомпанировать солисту - особый талант, научить этому невозможно. Года два-три назад я принял решение играть только с теми, кого знаю. Не хочу больше сюрпризов. Такие концерты, когда играю, стиснув зубы, не на здоровье. Хотя вообще концерт, я убежден, это усталость, которая идет во благо, это приток энергии, источник которой трудно понять, но он есть. Бывает все против тебя - летел двое суток, задерживался рейс, устал - по логике вещей должен играть хуже, а играешь лучше.

Концерт

- Я всегда замираю вместе с исполнителем в тот момент, когда пальцы его вот-вот коснутся инструмента. Каково ваше внутреннее ощущение - как в воду ныряешь?

- Не думаю, что у кого-то из исполнителей день концерта - обычный и музыкант начинает сосредотачиваться, лишь выйдя на сцену. Для меня и сам день концерта особый, и начинается все очень задолго. Попробую так объяснить: вот меня иногда спрашивают, каково ощущение после концерта? А у меня это не "после", а уже "перед" следующим. Таков гастрольный образ жизни. На сцену выхожу сконцентрированным и пережидаю лишь шум в зале.

Во время игры исполнитель слышит себя со стороны, это очень важно, иначе он профнепригоден.

Отдых

- То, чем я занимаюсь, это не профессия, а часть жизни. Значит, отдыха от части жизни быть не может. День или даже два могу не играть, но не больше. Когда возникает пауза между концертами, хоть в это время и учу новый материал, все равно существование кажется каким-то непонятным.

- На сколько лет вперед расписаны гастроли?

- Вот сейчас в Филармонии мы определяли планы на 2002 и 2003 годы. А некоторые оркестры планируют еще дальше - до 2006-го! Я должен вписываться, но на самом деле такие прогнозы безумно пугают. Вот текущий сезон хорошо себе представляю.

Слава

- Что такое для вас слава?

- Смотря что вы понимаете под этим словом...

- Ну вот свежий пример - как у народного любимца Баскова.

- Выключьте, пожалуйста, диктофон. Извините, а кто это? (Выслушав объяснения.) Известность я понимаю совсем по-другому. Если исполнителя не знают зарубежные импресарио, Филармонии - его не приглашают. Во всех других смыслах "известность" для меня ничего не значит. Искусство связано с внутренним миром, очень мало с внешним. Бывает, вроде бы есть все условия для расцвета культуры, а ничего не появляется. Или наоборот, кошмар совершеннейший, вдруг какая-то вспышка невероятная, появляется целая плеяда замечательных художников. На человека, занимающегося искусством, внешнее, в том числе и слава, или никак не влияет, или минимальным образом.

Елена ПЕТРОВА

Похожие темы
Тема	Автор	Раздел	Ответов	Последнее сообщение
Для балетного проекта в Париже нужна классическая танцовшица	Gumbert	Биржа труда	1	16.08.2011 11:31
Ищу музыкантов для свадьбы (классическая музыка) в районе Тулона	Olgina	Биржа труда	1	15.08.2011 18:23
Российская поп-музыка	Alena77	Музыкальный клуб	42	07.03.2008 17:25
МУЗЫКА С ДОРОГИ	tabor	Что-Где-Когда	0	15.03.2005 22:14

Здесь присутствуют: 1 (пользователей - 0 , гостей - 1)