Виртуальная экскурсия по музею Орсэ

Musée d'Orsay
1 rue Bellechasse (7ème)
Метро: Solférino
RER: Musée d'Orsay
Часы работы музея:
вторник, среда, пятница, суббота - с 10 до 18 ч., четверг - с 10 ч. до 21 ч. 45 мин., воскресенье - с 9 до 18 ч.

Музей находится в здании бывшего вокзала Орсэ. Его собрания охватывают период с середины XIX века до начала первой мировой войны. Своеобразие музейных экспозиций в том, что они построены по принципу постмодернизма, т.е. здесь нет привычной «иерархии художественных ценностей», и рядом со знаменитыми художниками экспонируются «второстепенные» работы малоизвестных живописцев и скульпторов. Зато перед посетителем разворачивается подробная панорама художественной жизни Франции на протяжении более полувека. Напомню, что это был переломный период в истории не только французского, но и мирового искусства, и главные художественные события этого периода происходили во Франции.

Краткий экскурс в историю
Французская художественная жизнь во второй половине XIX века – это история противостояния традиционного искусства новаторскому, официальных канонов и догм и - творческому поиску художников, которые сами себя называли «независимыми».
В небольшой деревушке Барбизон близ Парижа группа художников (Добиньи, Тройон, Милле и др.) осваивает новый вид пейзажа – живопись на пленэре. Они проложили дорогу художникам-импрессионистам, которые по-новому изображали на своих работах пейзажи Иль-де-Франса, Бретани и Нормандии. Главными «героями» картин стали свет и воздух – это они заставляли вибрировать и играть разными оттенками краски на полотнах Мане, Писарро, Дега, Моне, Ренуара, Сислея. В своих работах, часто похожих на незавершенный этюд, художники словно передают свое впечатление от увиденного. С легкой руки журналиста Леруа новое направление получило название «импрессионизм» - от французского слова «impression» («впечатление»).
Конечно, дело было не только в передаче «впечатлений». Импрессионисты самым решительным образом обновили сюжеты и технику живописи. Современная жизнь предстала на их картинах во всем разнообразии – индустриальные пейзажи, катание на яхтах, скачки, сцены в кафе и на улице, шумная жизнь вокзалов, уличные балы, маклеры на бирже, толпа отдыхающих на пляже или в городском саду... Всё это изображалось в непринужденной манере, красочно и ярко, с присущей живописи импрессионистов оптимистичной ноткой. Они любовались жизнь, природой, игрой света и воды. Появились даже целые серии картин на один и тот же мотив – стога сена, или фасад собора, или кувшинки на воде. Редко когда звучали в их картинах социальные мотивы, а портреты, как правило, были далеки от глубокой психологической характеристики. Этих художников привлекало другое – праздничная, красочная сторона жизни, переданная специфическими средствами живописи, и главное внимание они уделяли передаче воздушной среды, игре света и теней, мимолетному состоянию природы.
В конце концов материальный мир настолько «растворился» в работах импрессионистов (например, в позднем творчество Клода Моне), что опять наступило время новых подходов и творческих открытий. Этот период получил название «постимпрессионизм». Главные его представители - Поль Сезанн с его подчеркнутой материальностью мира, Гоген, экспериментировавший с экзотическими темами, художник неистовых красок Ван Гог, Жорж Сёра, использовавший в живописи научные достижения в области оптики, «таможенник» Руссо, отец примитивизма... В ту же самую эпоху появились такие художественные направления, как символизм, реализм, ориентализм, модерн. С уверенностью можно сказать, что вторая половина XIX века была одним из самых бурных периодов в истории искусства – периодом творческих экспериментов и разработки нового художественного языка, подготовившего появление в ХХ веке художественного авангарда, современной архитектуры и дизайна.

Знакомство с коллекциями музея Орсэ

Собрания музея распределены по трем этажам. На цокольном этаже выставлена скульптура 1840-1875 годов (центральная галерея) и живопись предшественников или современников импрессионистов (в боковых залах).
Работы импрессионистов и постимпрессионистов выставлены на самом верхнем этаже (с него я бы начал визит в музей, если у вас мало времени или если вас интересует только живопись импрессионистов и постимпрессионистов).
Наконец, на промежуточном этаже выставлена скульптура второй половины XIX и живопись символистов и натуралистов, а также образцы декоративного искусства той эпохи.
Далее следуют краткие сведения о работах, которые я рекомендую посмотреть в первую очередь. Разумеется, каждый может внести изменения в этот список либо составить свой собственный маршрут.
Внимание! Статьи располагаются в порядке осмотра картин или скульптур в залах соответствующего этажа. Поэтому возможно возвращение к творчеству уже упомянутого художника или скульптора. Не исключено, что некоторых работ в момент вашего посещения музея не будет в экспозиции (отправлены на реставрацию или на временную выставку в другом музее).

Цокольный этаж (центральная галерея и залы 1-27)
В гигантской галерее цокольного этажа обратите внимание на необычную архитектуру интерьеров, на сочетание металлических конструкций с декоративными элементами в стиле модерн. Напомню, что здание строилось не под музей, а под вокзал. В таком же стиле построены другие сооружения той эпохи (Эйфелева башня, Большой и Малый дворцы, универмаги Самаритен и О Бон Марше).
Панорамный вид музея Орсэ

Итак, в центральной галерее цокольного этажа советую обратить внимание на следующие скульптурные произведения.


Франсуа Рюд (1784-1855)
ГЕНИЙ ОТЧИЗНЫ
François Rude «Le Génie de la Patrie»
При входе в музей

В 1792 году, когда молодой Французской Республике угрожала иностранная интервенция, Национальное собрание объявило отечество в опасности. В Париж со всех концов страны приехали тысячи добровольцев, готовых защищать отечество. На эту тему скульптор Франсуа Рюд создал гигантский барельеф, украшающий парижскую Триумфальную арку – «Выступление добровольцев в 1792 году». Группу добровольцев возглавляет крылатый гений (аллегорическое изображение Отчизны). Их гимном стала «Марсельеза».
Скульптурная голова из музея Орсэ (фрагмент барельефа) изваяна в духе романтизма. Она получила название «Марсельеза» и считается символом республиканской Франции. Интересно, что подчеркнутая динамика и экспрессивность в изображении женского лица вызвали бурную полемику. Злые языки называли Марсельезу Рюда «разбушевавшейся мегерой».
Барельеф Рюда на Триумфальной арке
Текст «Марсельезы»


Жан-Батист Карпо (1827-1875)
УГОЛИНО
Jean-Baptiste Carpeaux «Ugolino»
Цокольный этаж центральной галереи

В поэме Данте «Чистилище» упоминается Уголино делла Герардеска - политический авантюрист, глава гвельфской партии в Пизе. В результате заговора, устроенного архиепископом Пизанским Руджери дельи Убальдини, Уголино был заточен в башню вместе с детьми. Обезумевший от голода Уголино пожирал трупы своих чад.
Скульптор Карпо изобразил графа-людоеда в момент, когда он оплакивает своих детей. Вот как об этом пишет Данте:
«...и я открыл,
Каков я сам, взглянув на эти лица, -
Себе я пальцы в муке укусил.
Им думалось, что это голод нудит
Меня кусать; и каждый, встав, просил:
«Отец, ешь нас, нам это легче будет...»
Эту статую Карпо изваял в конце своего пребывания на вилле Mедичи в Риме. Когда молодой скульптор представил работу на конкурс парижской Академии художеств, она была встречена там весьма прохладно – ведь ее сюжет не был связан с античностью. Но именно с этой работы началась блестящая карьера Жан-Батиста Карпо.
Х.Л. Борхес о сюжете Уголино в поэме Данте


Оноре Домье (1808-1879)
ПОРТРЕТЫ ЗНАМЕНИТЫХ ЦЕНТРИСТОВ
Honoré Daumier «Les Célébrités du Juste Milieu»
Зал № 4

Автором этой серии портретов депутатов французского парламента был известный художник и карикатурист Оноре Домье. Свои небольшие скульптуры он называл «моментальными портретами из глины». Домье посещал заседания нижней палаты парламента, запоминал «модели», а затем, вернувшись в мастерскую, по памяти воспроизводил их черты, намеренно утрируя самые выразительные части лица.
Позднее эти скульптурные карикатуры были использованы Домье при работе над литографиями.
Увлечение Домье политической карикатурой Домье не осталось безнаказанным: за публикацию в сатирическом журнале изображений короля в облике Гаргантюа скульптора дважды заключали в тюрьму.


Жан-Батист Карпо (1827-1875)
ТАНЕЦ
Jean-Baptiste Carpeaux «La Dance»
Цокольный этаж центральной галереи

В музее Орсэ хранится оригинал скульптурной группы «Танец», а копия украшает правую часть парижской Оперы. Оригинал был «спрятан» в музей, потому что парижский климат и загрязненный воздух были противопоказаны хрупкому камню, из которого изваяна скульптура.
Сюжет скульптурной группы вызвал скандал: под звуки бубна обнаженные вакханки танцуют вокруг обнаженного гения танца. Для наружной скульптуры, открытой взорам прохожих, эта група выглядела по тем временам слишком смелой. Блюстители нравственности требовали убрать скульптуру с фасада, и только война 1870 года и смерть Карпо помешали этому.


Камилла Клодель (1864-1943)
ЗРЕЛЫЙ ВОЗРАСТ
Camille Claudel «L'âge mûr»
Первый этаж террасы вдоль Сены

Автором этой скульптурной группы была Камилла Клодель – сестра писателя Поля Клоделя, ученица и любовница скульптора Огюста Родена.
Скульптура создана в тяжелый для Камиллы период – когда Огюст Роден решил вернуться к своей давней подруге Розе Бере.
Асимметричная, полная динамики композиция передает этот трагический момент: Роден нерешительно следует за увлекающей его Розой, а позади них стоит на коленях Камилла, отчаянным жестом пытаясь удержать любимого человека.
Скульптура была изваяна в 1899 году, сразу после разрыва между Роденом и его ученицей. Камилла Клодель не смогла пережить этой драмы и в конце концов помутилась разумом. В 1913 году ее поместили в психиатрическую больницу, где она оставалась до самой смерти в 1943 году.


Огюст Роден (1840-1917)
БАЛЬЗАК
Auguste Rodin «Balzac»
Первый этаж террасы Родена

В 1897 году по рекомендации Эмиля Золя Общество французских литераторов заказало Родену статую Бальзака. Шесть лет продолжался мучительный творческий поиск. В конце концов Роден выполнил серию этюдов с обнаженной натуры, сознательно преувеличивая формы, чтобы подчеркнуть мощь бальзаковского гения. Окончательное решение композиции пришло неожиданно: Роден окунул свой халат в раствор гипса и накинул его на плечи статуи. Результат превзошел все ожидания. Известный историк искусств Эли Фор сравнивал роденовского Бальзака с «менгирами, которые разбросаны на нашем пути первозданными силами».
Впрочем, смелый разрыв с традицией вызвал бурю возмущения, так что заказ был отозван. Лишь 40 лет спустя статуя Бальзака была установлена на парижском бульваре Распай. В музее Орсэ мы видим ее гипсовый вариант. Еще один вариант бронзовой статуи стоит в саду музея Родена.

* * * *

Теперь обратимся к произведениям живописи, которые находятся в залах первого этажа по обеим сторонам галереи, где выставлена скульптура. Остановимся у картин, выражающих самые главные художественные тенденции того времени, противостояние официальных вкусов творческим поискам художников-новаторов.


Жан-Огюст Доминик Энгр (1780-1867)
ИСТОЧНИК
Jean Auguste Dominique Ingres «La Source»
Зал № 1

Энгр – один из самых ярких представителей неоклассицизма середины XIX века. Его работы были своего рода эталоном официального искусства и получили признание властей и художественной критики. На картине изображена девушка с кувшином – аллегория Воды. Перед нами - идеальная красота, безупречная фигура (ни одного изъяна или пятнышка на теле), классическая ориентация на античное искусство и подчеркнутая бесстрастность, с какой художник виртуозно воспроизводит формы тела и предметов. Холодная красота, порожденная кистью обласканного властями «мэтра». Заметим, впрочем, что виртуозное мастерство Энгра вызывало восхищение такого ниспровергателя классики, как Пабло Пикассо.

Александр Кабанель (1825-1889)
РОЖДЕНИЕ ВЕНЕРЫ
Alexandre Cabanel «Naissance de Vénus»
Зал № 3

Вот еще один образец официальных вкусов Второй империи. Картина, изображающея рождение Венеры из морской пены, была выставлена в официальном Салоне 1863 года и тут же приобретена Наполеоном III. Пастельные тона, неестественная «гуттаперчевая» красота Венеры, лежащей в томной позе на волнах, сладкие амурчики, витающие над ней – всё в картине пронизано духом слащавой красоты и назойливой аллегоричности. В том же году разразился скандал из-за другой обнаженной натуры – картины художника-бунтаря Эдуарда Мане «Олимпия» (см. ниже). С тех пор прошло почти 150 лет, и сегодня эти картины как бы поменялись местами: строгая и гармоничная «Олимпия» Мане признана классикой, а сладострастная «Венера» Кабанеля выглядит образчиком весьма спорного китча.

Жан-Франсуа Милле (1814-1875)
АНЖЕЛЮС
Jean-François Millet «Angelus»
Зал № 5

Эта картина занимает в художественном наследии Франции примерно такое же место, какое занимают в русской живописи второй половины XIX века «Три богатыря» Васнецова или «Утро в сосновом лесу» Шишкина. Ни одно произведение французского художника не было столько раз тиражировано, как эта сентиментальная работа Милле. Популярность ее вполне объяснима: в сюжете отражена одна из патриархальных традиций французов – нации с крестьянскими корнями. Дважды в день по сигналу церковных колоколов крестьяне прекращали работу и замирали в благостной позе, произнося про себя слова старинной молитвы, напоминающей приветствие ангелом Девы Марии в момент Благовещения. Молитва эта называлась «Анжелюс», чем и объясняется название картины. Творчество Милле – образец реалистической струи во французской живописи середины XIX века. Никто до него не изображал на картинах тяжелый крестьянский труд. Этой же теме посвящена и другая знаменитая картина Милле – «Сборщицы колосьев».

Тома Кутюр (1815-1879)
РИМЛЯНЕ ВРЕМЕН УПАДКА
Thomas Couture «Les Romains de la décadence»
Цокольный этаж центральной галереи

Историческая живопись была в середине XIX века одним из самых «непоколебимых» академических жанров, однако и в ней проявились новые тенденции. Примером может служить монументальное полотно Тома Кутюра с античным сюжетом: на картине изображена сцена оргии, а вернее – утро после ночной гульбы. Художник не без иронии изобразил разные стадии опьянения и разгула (например, пьяный человек в правой части картины пытается налить себе вина из мраморной амфоры, которую держит статуя). Нравоучительный характер сцены подчеркивают два персонажа в правом нижнем углу картины, которые с осуждением смотрят на сцену разврата. Рисуя сцену падения нравов на закате Римской империи, художник явно намекал на современность. Неспроста один из журналистов переименовал картину – «Французы времен упадка», имею в виду Францию времен Июльской монархии.

Гюстав Курбе (1819-1877)
ПОХОРОНЫ В ОРНАНЕ
Gustave Courbet «Un enterrement à Ornans»
Зал № 7

Картина Курбе «Похороны в Орнани» - это смелая ломка канонов классической живописи. Монументальный характер полотна, строгое следование законам композиции, изысканное цветовое решение, в котором явно сказалось влияние испанской живописи, – налицо все признаки классического полотна на историческую или мифологическую тему. Однако на самом деле в мощном монументальном ключе художник изображает похороны... своего троюродного дедушки. На картине изображены не исторические персонажи, а односельчане или родственники художника из его родной деревни (все они поочередно позировали художнику). И только некоторые детали (череп на краю могилы, распятие на заднем плане) вносят в эту бытовую сцену философский штрих. Картина была выставлена на Салоне 1850 года и вызвала отрицательные отзывы критиков. Один из них возмущался: «Как можно было написать таких мужланов?»
Гюстав Курбе - родоначальник реализма во французской живописи. Многие его работы вызывали протест современников. Это относится и к выставленным в музее Орсэ картинам «В мастерской художника» и небольшой, но предельно смелой по сюжету картине «Происхождение мира». В его творчестве античный миф и пафос исторических событий уступили место реалиям повседневной жизни. Художник часто повторял, что не сможет написать ангела, пока не увидит его хотя бы раз.

Гюстав Моро (1826-1898)
ОРФЕЙ
Gustave Moreau «Orphée»
Зал № 12

Картина «Орфей» Гюстава Моро – яркий пример символизма, еще одного течения в живописи второй половины XIX века.
Орфей - мифический фракийский певец, сын речного бога Эагра и музы Каллиопы, изобретатель музыки и стихосложения. Легенда рассказывает, что Орфей разозлил фракийских женщин своим равнодушием к ним, и в отместку они убили поэта, растерзав на части его тело. Мертвую голову Орфея морские волны принесли к ногам Музы. На картине изображен момент, когда меланхоличная Муза с благоговением взирает на голову Орфея. Пастухи, играющие на флейте, и две черепахи, из панциря которых была сделана первая лира, символизируют музыку.
Известный писатель и эстет Марсель Пруст писал об этой картине: «В голове Орфея с прекрасными глазами слепца есть нечто таинственное. Он словно домысливает краски мира». А идеолог сюрреализма Андре Бретон называл картину Моро «сомнамбулическим миром».
Творчество Моро предвосхищало проникновение художников в глубины подсознания, в иллюзорный мир галлюцинаций, который откроется позднее в работах сюрреалистов.

Эдуард Мане (1832-1883)
ОЛИМПИЯ
Edouard Manet «Olympia»
Зал № 14

Одна из самых известных картин Эдуарда Мане – «Олимпия» - была выставлена в Салоне 1865 года и вызвала целый шквал возмущения и брани. Еще бы, художник изобразил на картине не мифологический персонаж, а женщину легкого поведения! И сцена происходит не где-нибудь в восточном гареме, а в парижских апартаментах, а моделью послужила натурщица по имени Викторина Мёрен. Она возлежит на ложе и вызывающе смотрит на зрителя; чернокожая служанка принесла ей букет (подарок очередного клиента), а у ног Олимпии трется черный кот (эротический символ). Столь же вызывающими были и живописные приемы – заимствованный у японцев контраст ярких цветов, непривычная нюансировка белого и желтого цвета, весьма условный фон. Даже художник-реалист Гюстав Курбе счел картину Мане слишком плоскостной, сравнив ее с игральной картой и назвав «Пиковой дамой». Возмущало критиков и то, что Мане явно пародирует здесь известную картину Тициана «Венера Урбинская».
Одним из немногих, кто встал на защиту автора «Олимпии», был писатель Эмиль Золя. Сам же Мане в ответ на потоки брани отвечал коротко: «Я написал то, что видел».

Эдгар Дега (1834-1917)
СЕМЕЙНЫЙ ПОРТРЕТ (СЕМЬЯ БЕЛЛЕЛИ)
Edgar Degas «Portrait de famille (La famille Bellelli)»
Зал № 13

Свою карьеру художника ЭдгарДега начал как портретист, автор традиционных портретов, на которых он чаще всего изображал своих родственников. Самым большим по формату является этот портрет «Семья Беллели», на котором изображена тетка художника, ее муж и дети в их апартаментах во Флоренции. В композиции и колорите картины чувствуется влияние Ван Дейка и Гольбейна – любимых художников Эдгара Дега. В картине угадывается атмосфера семейного разлада: она сказалась и в горделивой осанке матери, и в том, что все участники сцены смотрят в разные стороны, и в неуверенной позе отца. Интерьер квартиры свидетельствует о том, что Дега рос в благополучной семье и не испытывал материальных трудностей. Тем удивительнее метаморфоза его творческих взглядов и постепенный уход от традиционной системы художественных ценностей, о чем говорят более поздние работы художника.


Эдуард Мане (1832-1885)
ЗАВТРАК НА ТРАВЕ
Edouard Manet «Le déjeuner sur l'herbe»
Зал № 29

Вот еще одна картина, которая вызвала скандал в художественных кругах Парижа. В 1863 году приемная комиссия Салона отвергла более половины, в том числе и эту картину Мане. Многие были возмущены строгими приговорами комиссии, и в результате Наполеон III разрешил выставить в отдельном павильоне отвергнутые комиссией работы. Так появился Салон отверженных, который злые языки называли «самым комическим аттракционом Парижа». Зрители потешались на картиной Мане «Завтрак на траве», которую художник написал в своем имении Женвилье, на берегу Сены. О своем замысле художник сказал: «Хотят, чтобы я написал обнаженную натуру. Ладно, напишу им... в прозрачной атмосфере, с такими же людьми, каких мы здесь видим. Меня будут бранить, но пусть говорят, что хотят». Так и вышло: картину критиковали за «безнравственный вид» голой женщины в компании одетых мужчин, за «приблизительный» характер пейзажа и за сумбурную композицию натюрморта на переднем плане картины. Вот что писал Золя: «Вы знаете, какое впечатление производят холсты Мане в Салоне? Они буквально взрывают стены. Вокруг них выставлены различные кондитерские изделия, изготовленные согласно вкусам эпохи, деревья из леденцов, пряничные домики, мужчины из сдобного теста и дамы, подобные сливочному крему... Среди этого избытка сластей картины подлинного художника выделяются, они вносят известную горечь. Вот причина горьких гримас...»


Клод Моне (1840-1926)
ЖЕНЩИНЫ В САДУ
Claude Monet «Femmes au jardin»
Зал № 18

Можно сказать, что Клод Моне – самой последовательный из художников-импрессионистов. Начав с классических натюрортов и пейзажей, он постепенно высветлил палитру, разработал новую технику мазка, изгнал из своей живописи черный цвет и сделал работу на пленэре правилом. Одна из ранних работ Моне – «Женщины в саду» - хорошо иллюстрирует суть нового творческого метода: не дотошное воспроизведение пейзажа со всеми подробностями, а моментально сделанный «снимок», передающий определенное состояние природы в конкретное время суток. Чтобы написать пейзаж под определенным углом, художник работал в выкопанной заранее траншее. Краски он не смешивает на палитре, но наносит энергичные мазки прямо на полотно. Не сразу привыкли зрители к этим грубым, обобщенным мазкам и к тому, что картину импрессиониста нужно было рассматривать с определенного расстояния, чтобы «увидеть» ее. Персонажи на картинах Моне играют такую же роль, как деревья или дома – это всего лишь часть пейзажа, и психологическая характеристики людей не интересует художника. Главные «персонажи» его живописи – свет, воздух, вода, ветер, цветовые рефлексы.


Эдгар Дега (1834-1917)
КЛАСС ТАНЦА
Edgar Degas «Classe de danse»
Зал № 31

Дега был одним из немногих импрессионистов, получивших академическое образование. Начав с картин исторического жанра и семейного портрета, художник нашел в конце концов «свои» темы – лошадиные скачки, гладильщицы и прачки, женщина за туалетом, танцовщицы. Для него характерна «случайная» композиция, напоминающая моментальную фотографию, острые ракурсы, точность и наблюдательность в передаче поз и движений. Все это мы видим на картине «Класс танца», изображающей утомленных танцовщиц в конце хореографического урока. Еще более декоративна другая картина Дега на ту же тему – «Танцовщицы на репетиции».

Альфред Сислей (1839-1899)
НАВОДНЕНИЕ В ПОР-МАРЛИ
Alfred Sisley «L'inondation à port Marly»
Зал № 32

Альфред Сислей был англичанином по происхождению, и на него, как и на Клода Моне, оказали сильное влияние английские художники Констэбль и Тёрнер, предвосхитившие художественные открытия французских импрессионистов. Уехав во Францию, Сислей вместе с новыми друзьями Клодом Моне и Огюстом Ренуаром писал в Фонтенбло пейзажи на пленэре. Несколько работ художника были посвящены наводнению 1876 года. Впрочем, даже изображая стихийное бедствие, Сислей, как и другие импрессионисты, передает радостный характер пейзажа, пронизанного движением воды и воздуха. Почти во всех своих работах Сислей особое внимание уделял небу, с которого он всегда начинал картину. Изменчивое состояние воды и неба в ветреный день хорошо переданы и в другой картине – «Регата в Моулси».
Альфред Сислей признан одним из самых ярких представителей импрессионизма, хотя слава пришла к нему лишь после смерти.

Камилл Писсарро (1830-1903)
КРАСНЫЕ КРЫШИ: ЗИМНИЙ ЭФФЕКТ НА КРАЮ ДЕРЕВНИ
Camille Pissarro «Les Toits Rouges»
Зал № 32

Камилл Писсарро познакомился с живописью предшественников импрессионизма (в первую очередь Камилла Коро) благодаря парижским Всемирным выставкам. В Школе изящных искусств сблизился с Клодом Моне и Полем Сезанном. Всего однажды ему удалось выставиться в Салоне (в 1859 году), после этого участвовал в Салоне отвергнутых.
«Красные крыши» - прекрасный образец импрессионистской техники письма. Как и многие работы Писсарро, картина написана не кистью, а шпателем, с помощью которого достигалась зернистая поверхность и хроматическое взаимодействие чистых цветов не на палитре художника, а на самом полотне. Эту картину приобрел меценат и компаньон импрессионистов Гюстав Кайботт. Свою коллекцию он завещал государству. Как ни странно, но далеко не все картины из его коллекции были оценены тогда по достоинству. Лишь после специальной процедуры отбора «Красные крыши» были приняты в дар государством.
Замечательны также парижские пейзажи Писсарро, выставленные в музее Орсэ.

Клод Моне (1840-1926)
РЕГАТА В АРЖАНТЁЕ
Claude Monet «Régates à Argenteuil»
Зал № 32

В начале 1870-х годов в пригородах Парижа, в том числе в Аржантёе, вошли в моду катания на яхтах. Регатам посвящены несколько картин Моне из собрания музея Орсэ. Чтобы писать пейзажи на воде, художник заказал себе специальную лодку-мастерскую. Пейзажи, на которых изображены железнодорожный мост в Аржантёе или яхты на воде, отлично передают игру рефлексов на воде. Все эти работы отличаются необычайно светлым колоритом. Объясняется это тем, что как раз в то время стали продаваться тюбики с краской. До этого художники сами изготовляли краски, смешивая пигментные порошки и засыпая смесь в свиной пузырь.
В Аржантёе работали и другие импрессионисты – Мане, Ренуар, Сислей, Писсарро, Кайботт.

Клод Моне (1840-1926)
ВОКЗАЛ СЕН-ЛАЗАР
Claude Monet «La gare Saint-Lazare»
Зал № 32

В 1877 году Клод Моне выставил семь картин из серии, посвященной парижскому вокзалу Сен-Лазар. По этому поводу Эмиль Золя писал: «На этот раз Моне выставил великолепные интерьеры вокзала. Глядя на них, мы будто бы слышим шум поезда, въезжающего под своды вокзала, и видим клубы дыма, поднимающегося кверху. Вот она, по-настоящему современная живопись! Наши художники должны вдохновляться поэзией вокзалов, как наши отцы вдохновлялись поэзией лесов и рек».
Картина наглядно иллюстрирует еще одну особенность живописи импрессионистов: отказ от фотографически точного воспроизведения реальности и его замену «живописным концептом», при котором главную роль играет субъективное видение художника. Даже такой прозаический мотив, как железнодорожный вокзал, художник-импрессионист трактует как метафору реальной действительности, где предметы почти растворяются в радужной свето-воздушной среде.

Клод Моне (1840-1926)
УЛИЦА МОНТОРГЁЙ В ПАРИЖЕ. ПРАЗДНЕСТВО 30 ИЮНЯ 1878 ГОДА
Claude Monet «La Rue Montorgueil à Paris. Fête du 30 juin 1878»
Зал № 32

Эта картина (так и хочется назвать ее этюдом) хорошо иллюстрирует, какие удивительные эффекты позволяла получить техника импрессионистической живописи, доведенная до совершенства Клодом Моне. Если подойти к картине вплотную, то мы увидим холст, покрытый множеством вертикальных и горизонтальных мазков, как бы беспорядочно нанесенных на холст за считанные минуты. Глядя с близкого расстояния, трудно даже сказать, что, собственно, изображено на картине – она похожа скорее на абстрактное полотно, где доминируют черные, красные и бежевые цвета. Но если взглянуть на картину с расстояния нескольких метров (зритель сам должен найти оптимальное для себя расстояние), то это буйство экспрессивных мазков обретает предметность – мы видим улицу, где главными «персонажами» является нескончаемый поток людей и полотнища флагов, которые развеваются на фасадах домов. Не часто случается видеть в живописи импрессионистов такое выразительную и динамичную передачу праздничной атмосферы парижской улицы.

Огюст Ренуар (1841-1919)
БАЛ В МУЛЕН ДЕ ЛА ГАЛЕТТ
Auguste Renoir «Bal du Moulin de la Galette»
Зал № 32

Огюст Ренуар – один из « столпов» импрессионизма. С Клодом Моне его сближает не только общая эстетическая программа, но и то обстоятельство, что оба художника дожили до преклонного возраста и оба в конце своей жизни смогли не просто зарабатывать на хлеб своей живописью, но достичь признания и материального благополучия.
Картина Ренуара «Бал в Мулен де ла Галетт» привлекла внимание публики и критики на третьей выставке импрессионистов в 1877 году. Необычный сюжет, насыщенные цвета, игра света и тени, легкий стремительный мазок – всё в картине шло вразрез с традицией, всё было вызовом классическим канонам. Один из критиков откровенно издевался над этой работой: «Картина похожа на полотно с невысохшей краской, по которому размазали фисташковый, ванильный и черничный крем».
Балы во французской столице проводились еще задолго до Революции, причем это были самые разные балы – придворные, министерские, посольские или салонные, аристократические и народные, благотворительные и светские. В 1830 году публичные балы были официально утверждены в Париже постановлением префектуры полиции, в котором сказано: «Публичные балы – это места, где проводятся танцы и куда вход публике открыт за определенную плату».


Огюст Ренуар (1841-1919)
OБНАЖЕННАЯ НА СОЛНЦЕ
Auguste Renoir «Torse de Femme au Soleil»
Зал № 32

Ренуар был одним из первых художников, писавших цветные тени. Убедившись, что что черного цвета в природе не существует, он высветлил свою палитру и научился передавать тончайшие цветовые нюансы цвета, порожденные взаимодействием света, тени и цвета. Так появились фиолетовые, зеленоватые или голубоватые тени на женском теле, изображенном в тени деревьев. Не сразу критика и публика согласилась с новым видением реальности, предложенным Ренуаром. Например, эту картину ругали за то, что на женском теле проступают... трупные пятна.
Женщины – любимый персонаж художника. Ренуаровских женщин легко угадать по миндалевидному разрезу глаз. Известный критик того времени Гюстав Жеффруа писал:» "Женщина Ренуара! Этот возглас всегда срывается с губ, когда стоишь перед портретами тех, кто обязан художнику своей жизнью в искусстве. У каждой в глазах и на устах трепещет нечто странное и бессознательное, как бывает, когда женщина смотрит обновленным взглядом на окружающее, когда улыбаются ее губы, жаждущие поцелуя или готовые спеть песню. Взгляд, одновременно нежный и острый, скользит между ресниц... Характерной чертой ренуаровской женщины являются маленький прелестный и упрямый лоб и несколько тяжелый, чувственный подбородок". Именно так выглядела девятнадцатилетняя девушка по имени Анна, которая позировала художнику для этой картины.


Клод Моне (1840-1926)
РУАНСКИЙ СОБОР
Claude Monet - «La cathédrale de Rouen»
Зал № 34
   
В 1892 году Моне снял квартиру на центральной площади Руана, прямо напротив кафедрального собора. В течение трех лет художник писал здесь картины с одним и тем же мотивом – фасад Руанского собора в разное время суток. Так появилась живописная серия «Руанский собор», в которую вошли тридцать полотен. Моне писал одновременно несколько картин, возвращаясь к тому или иному полотну в зависимости от времени дня и погодных условий. «Каждый день я открываю для себя что-то новое, чего не замечал раньше», - вспоминал художник. Работа продвигалась с трудом: «Чем больше я пишу, тем труднее мне передать то, что я чувствую». Вероятно, художник не был полностью удовлетворен написанным, потому что долгое время он никому не показывал полотна, несколько раз возвращался к ним, а даты и подпись поставил лишь в 1895 году.В том же году все тридцать полотен руанской серии были выставлены в галерее Дюран-Рюэля и вскоре приобретены коллекционерми из разных стран. С тех пор еще ни разу не удалось собрать все полотна серии на одной выставке.
Чаще всего изображен фрагмент центрального фасада Руанского собора. От картины к картине меняется не только освещение и общая цветовая гамма, но и ракурс. На некоторых полотнах силует собора едва угадывается в густом лилово-желтом тумане - так сказалось влияние английского художника Тёрнера, поклонником которого Моне стал, когда он жил в Лондоне.


Огюст Ренуар (1841-1919)
ДЕВУШКИ ЗА ПИАНИНО
Auguste Renoir «Jeunes Filles au piano»
Зал № 34

Творческая биография Огюста Ренуара – двольно редкий случай художника-импрессиониста, который дожил до славы и признания, причем не только публики, но даже официальной критики и, так сказать, государственных инстанций. Как и другие художники-бунтари, молодой Ренуар в начале своей карьеры мог выставляться лишь в «Салоне отверженных», где его работы часто становились предметом насмешек. Но уже в 50 лет художник не только «уговорил» капризную парижскую публику, но – что было совершенно неожиданным для него – получил государственный заказ на картину. Это произошло в 1891 году, когда Ренуару исполнилось пятьдесят лет. По инициативе поэта Стефана Малларме государственная закупочная комиссия решила приобрести одну работу Ренуара, оговорив, что это должна быть «новая и значительная картина».
Столь благоприятный поворот в карьере художника обернулся для него неожиданными творческими муками. Один из друзей Ренуара писал потом: «Я помню, с каким трудом приступал Ренуар к выполнению официального заказа, которого добился его заботливый друг. Это была картина Девушки за пианино. Ренуар принимался за нее пять или шесть раз, и каждый раз писал почти одно и то же. Мысль о том, что картина заказная, сковывала его, лишала уверенности в себе». Зеркало сайт с бонусами - вход в джойказино играй онлайн бесплатно и бзе регистрации в любимые слоты. Акции казино.
Из шести существующих версий картины музей Орсэ располагает наиболее завершенным вариантом (сам художник считал его даже «слишком завершенным»). Трогательная сценка занятий музыкой в богато обставленных апартаментах не вызывала раздражения ни у публики, ни у критики. Заказчик остался доволен, хотя злые языки и говорили, что этой милой картинке самое место на... коробке шоколадных конфет.


Поль Сезанн (1839-1906)
ДОМ ПОВЕШЕННОГО
Paul Cézanne «La Maison du pendu»
Зал № 36

Житель Прованса Поль Сезанн был сначала соратником импрессионистов, он даже участвовал в трех первых выставках и дружил с главным «идеологом» группы, писателем Эмилем Золя. Однако очень скоро Сезанн не просто нарушил эстетический «обет» импрессионистов, но, можно сказать, «ушел в оппозицию».
Картина «Дом повешенного» написана в деревушке Овер на реке Уазе, недалеко от Парижа (в этих местах работали на пленэре многие импрессионисты). В том, как устойчива композиция картины, как прочно «врыты в землю» дома и деревья, как недвусмысленны предметы и воздушная перспектива, уже звучит если не вызов эстетике импрессионистов, то явное пренебрежение ею. Художник как бы хочет вернуть природе ее земной, плотский вид, подчеркнуть ее подчиненность законам физики. В дальнейшем Сезанн продолжит поиски именно в этом направлении, выявляя в пейзажах (и особенно – в натюрмортах) исходную геометрию предметов.
И еще одно принципиальное отличие Сезанна от импрессионистов – живопись его начисто лишена внешней притягательности и «общедоступности»: к живописному языку Сезанна нужно привыкнуть, войти во вкус. Это уже не арифметика, а высшая математика.
О названии картины. Никакого «повешенного» не было. Просто у хозяина дома в Овере была фамилия, очень напоминавшая французское слово pendu, что в переводе означает «повешенный».


Поль Сезанн (1839-1906)
ЖЕНЩИНА С КОФЕЙНИКОМ
Paul Cézanne «La femme à la cafétière»
Зал № 36

Этот женский портрет, над которым Сезанн трудился пять лет, вынесен в отдельный зал музея (вместе с двумя декоративными панно Лотрека). На мой взгляд, это один из лучших портретов Сезанна, по крайней мере – один из самых показательных для его искусства.
Точно так же, как натюрморты Сезанна – это вариации изображения Яблока с большой буквы, данный портрет не содержит содержательных характеристик модели. На нем изображена Крестьянка. Она застыла в непривычной для нее позирующей позе, руки неуклюже сложены на коленях, на лице – никаких никаких эмоций и чувств. Зато в картине много формальных аналогий, устанавливающих связи между фигурой крестьянки, натюрмортом с кофейником и чашкой и интерьеров. «Крест», образованный складками платья и поясом, словно эхо, повторяется в геометрии чашки и кофейника, а также в аритмичном рисунке дверей. Все предметы и фигура изображены с некоторым «отклонением от нормы», с легкой деформацией, создающей опроеделенную нестабильность композиции. Именно это, считал Сезанн, мы наблюдаем и в реальной действительности (из его письма: «Я вижу планы, которые качаются и наклонены; прямые линии кажутся мне падающими»).
Подчеркнутый отход от классических принципов воздушной и линейной перспективы, утвержденной в насквозь антропометричной эстетике Возрождения, знаменовал у Сезанна окончание огромного периода «классики» и начало «модернизма», в котором постепенно гармония уступает место рукотворному хаосу. Этот процесс получил свое логическое завершение у Пикассо, после которого само слово «искусство» утратило свой привычный смысл.


Жорж Сёра (1859-1891)
ЦИРК
Georges Seurat «Le Cirque»
Зал № 45

Жорж Сёра прожил короткую жизнь (32 года), однако успел создать новое живописное течение – пуантиллизм. Как и работы Сезанна, художественные поиски Сёра были реакцией на импрессионизм, отрицанием его эстетики и в каком-то смысле возвращением к рационалистическому эстетизму, но на этот раз – «научно обоснованному».
Картина «Цирк» - яркий пример техники пуантиллизма (от слова point = точка) и нового понимания живописных задач. Сёра преобразовал импрессионистский мазок в точку, выполненную чистым цветом, в данном случае – желтым, или красным, или синим. По словам Сёра, «гармония – это аналогия противоположностей, аналогия подобий, тона, цвета, линий, рассматриваемых с точки зрения той или иной доминанты и воздействия освещения, в живых, спокойных или унылых комбинациях». В этой квазинаучной сентенции отразилось тяготение Сёра к умозрительным идеям, но не получил никакого выражения его темперамент и его склонность к креативному фантазированию. А она недвусмысленно заявляет о себе в картине, которая «выстроена» как чередование чисто декоративных арабесок. Точечная техника применена не только на холсте, но даже на раме к картине, покрытой точками синего цвета разной глубины. Тем не менее, общий световой эффект выглядит неудачным, и в картине выделяются лишь отдельные изысканные тона.
По своему содержанию «Цирк» сближается с литературным символизмом: голова рыжего клоуна смотрится как предтеча Мики-Мауса, а неподвижные фигуры зрителей напоминают картонные мишени в тире.
Правильно заметил Лионелло Вентури о методе Сёра и его стремлении к точности идостоверности: «Это было для него чем-то вроде якоря спасения, в котором так нуждалась детская душа художника». Наиболее поэтичны и выразительны пейзажи Сёра, где сквозь методично нанесенные изящные точки проглядывает глубоко скрытая человечность. Жорж Сёра был настоящий француз.


Винсен Ван Гог (1855-1890)
ЗВЕЗДНАЯ НОЧЬ
Vincent Van Gogh «La nuit étoilée»
Зал № 35

Из всех художников-постимпрессионистов Винсен Ван Гог – самый маргинальный и самый нетрадиционный живописец. Его творчество недоступно для адекватного понимания, если не изучить, хотя бы вкратце, его жизнь и не прочитать знаменитые «Письма». Без этого невозможно понять феномен художника, который был необычайно плодовит, бесконечно талантлив, предан своим идеалам и... не продал за всю свою жизнь ни одной картины (сегодня «Подсолнухи» Ван Гога признаны одной из самых дорогих картин, проданных когда-либо на престижных аукционах Лондона).
Ван Гог родился в тихой голландской деревушке, в семье пастора. Отец прочил ему карьеру церковнослужителя, сам же Винсен, остро воспринимавший несправедливое устройство мира, хотел стать проповедником, но его не хватило на то, чтобы одолеть в университете премудрости теологии, а проповедника из него не получилось, потому что Ван Гог не блистал красноречием.
Так, методом проб и ошибок, Ван Гог выбрал свой путь. Выбор был сделан под знаком неудавшейся карьеры, несчастливой любви, вечных материальных невзгод. Если бы не старший брат Тео, всю жизнь поддерживавший Ван Гога, неизвестно, каким образом сложилась бы его судьба.
До сих пор идут споры (формально-казуистические, на мой взгляд) о том, считать ли Ван Гога голландским или французским художником. Ведь этот художник не принадлежал ни к какой «школе». Так или иначе, в творческом наследии Ван Гога четко различаются работы голландского периода (их не так уж и много), в которых темная палитра сочетается с реалистически-суровым и аскетичным стилем письма, и работы более позднего периода, когда Ван Гог переселился в Париж, подолгу жил в Арле, в деревне Овернь-на-Уазе, на рю Лепик (Монмартр). Манера письма стала другой – Ваг Гог отверг «уроки импрессионизма» и пуантиллизма, высветлил палитру, отказался учитывать влияние светотени на цвет, разработал принципиально новый рисунок и живописный мазок с тем, чтобы максимально отразить на полотне сложный мир своих внутренних переживаний, грез и галлюцинаций.
«Звездная ночь» - это не просто пейзаж, но космогоническая картина мира, в котором некая всепроникающая сила связывает между собой отдельные предметы и пространственные сферы. И земля, и небо пронизаны вихрем метафизических потоков, открывающихся воспаленному сознанию предельно восприимчивого художника. В очередной раз мы видим, как душевной болезни сопутствуют гениальные прозрения (не о том ли писали Шекспир, Ницше, Достоевский, Томан Манн?), а болезненное мировосприятие трансформируется в цельную систему эстетического толкования мира в непривычном ключе. Картина мироздания пронизана тревожными предчувствиями и меланхолией, и в то же время она поражает предельно выразительной живописной характеристикой «прекрасного и яростного мира».


ВАН ГОГ И ГОГЕН

В истории постимпрессионизма имена Ван Гога и Гогена стоят рядом, и соблазн проводить параллель между двумя этими художниками велик. Тем более, что они не просто жили в одну эпоху, но и по жизни часто сталкивались, хорошо знали друг друга, одно время даже дружили, Поль гостил некоторое время у Винсена в Арле. Оба вышли из «чрева» импрессионизма, оба отвергли его эстетику. И еще одна роднящая их черта – мессианское мироощущение, непоколебимая убежденность в том, что именно им предстоит произнести новое слово в искусстве.
Дальше начинаются различия. Через сто с лишним лет наше мнение о Ван Гоге – более цельное, безоговорочное: это был настоящий святой Себастьян от искусства, мученик, принесший себя в жертву богам. За всю свою короткую жизнь Ван Гог не узнал, что такое хотя бы видимость материального благополучия, не говоря уже о славе и признании, какие достались Эдуарду Мане, Ренуару, Сезанну. И Полю Гогену.
О Гогене написано больше, чем о Ван Гоге, но авторитетных свидетельств о том, что представлял собой в жизни этот человек, у нас мало, а то, что есть – неубедительно и противоречиво. Известная книга Сомерсета Моэма «Луна и грош» - это, как ни крути, литература, беллетристика, а не документально-биографический или искусствоведческий жанр. И Ван Гог, и Гоген в романе Моэма – персонажи наполовину вымышленные, в книге отражена скорее житейская и художническая философия автора, чем его персонажей (недаром у них и имена вымышленные). Миф, короче горя. Прекрасный, увлекательный, но - миф.
Гораздо ближе к истине историки искусства, скажем, Джон Ревалд или Лионелло Вентури, но их монографии были написаны слишком «вскоре после», так что и ожидать от них глубокой оценки творчества художников, особенно с точки зрения последующей истории искусства, не приходится. Такая оценка еще предстоит.
Это нужно учитывать, когда знакомишься с творчеством Поля Гогена. Некоторое время он брал уроки живописи у Камилла Писсарро, но довольно быстро разочаровал этого «апостола» импрессионизма – ученик явно не испытывал благоговения перед учением. Путешествие в Северную Америку (в 17-летнем возрасте), вроде бы удачный брак и вроде бы успешная карьера биржевого маклера предшествовали неожиданному повороту в биографии - в 43 года Поль Гоген бросает биржу, и становится художником. Когда его жена с пятью детьми переехала в Голландию, Гоген остался в Париже (фактически это был разрыв с семьей). Дважды он совершил путешествие на Таити, где окончательно понял, что не создан для благополучной жизни в начинавшей заплывать жирком Франции.
В концептуальном плане мятежник Гоген пошел дальше мятежника Ван Гога – он отвергал не только эстетические ценности западной культуры, но вообще западную цивилизацию и ее фундаментальные понятия. В том числе, понятие красоты. «Уродливое может быть прекрасным, миловидное – никогда». Эти слова Гогена помогают понять, почему вдруг (именно вдруг для истории западноевропейской живописи) главными персонажами его картин стали широкоскулые, губастые таитянки с непропорционально развитыми плечами и темной кожей. Характерный пример живописного языка и художнического видения Поля Гогена - картина "Arearea", или Красная собака".


Поль Гоген (1848-1903)
AREAREA
Paul Gauguin «Arearea»
Зал № 44

В переводе с полинезийского «arearea» значит «развлечение». Гоген написал эту картину в 1892 году, во время своей первой поездки на Таити. А уже через год картину увидела парижская публика. Правда, она не совсем поняла, почему картина так названа. Изображенная сцена скорее меланхолична: одна таитянка играет на тростниковой дудочке, другая с мечтательным видом слушает ее. В глубине картины три женщины танцуют вокруг гигантского идола. Пейзаж – какой-то фантастический, справа вдаль убегает то ли дорога, то ли река.
Особенно возмущалась публика и критика изображенной на переднем плане собакой. Зато она очень понравилась молодым художникам, будущим фовистам. Это они дали картине второе название – «Красная собака». Возможно и другое происхождение этого названия. По рассказам современников, жена Гогена, увидев эту картину, расхохоталась и закричала: «Красная собака! Красная собака!...»
Чтобы рассеять недоумение, Гоген пустился в объяснения: «Это, если хотите, музыка! Я беру любой сюжет и, аранжируя лини и цвета, создаю симфонии, красочные гармонии, не выражающие никакой реальности в обычном смысле этого слова».
Почти все таитянские работы Гогена – это мифотворчество, живописный рассказ о земном рае.
Чтобы никого не ввести в заблуждение, художник уточнил в своем дневнике: «Ничего подобного в жизни не существует».


Поль Гоген (1848-1903)
ПРЕКРАСНАЯ АНЖЕЛА
Paul Gauguin «La Belle Angèle»
Зал № 43

Неприятный человек был в жизни Поль Гоген - высокомерный, неуступчивый, эгоистичный, к сибаритству и разврату склонный. Достаточно взглянуть на один из его автопортретов:

чтобы почувствовать: он знал себе цену. Как, впрочем, и цену жизни.

Но кто сказал, что главное для художника – понравиться другим?

... В 1889 году Поль Гоген со своими единомышленниками поселился в небольшом бретонском городке Понт-Авен. Супруга мэра госпожа Анжела Сатр, которую в городке прозвали «красотка Анжела», имела неосторожность заказать Гогену свой портрет. В результате на свет появился этот холст:

Какая праздничная и какая необычная по тем временам картина! Молодая женщина изображена в традиционном бретонском костюме. Ее фигура вписана в магический круг, слева от него изображена статуэтка идола из Океании. Все это – на фоне японского рисунка обоев. Надпись «Прекрасная Анжела» напоминает надписи на иконах. Художник по-своему боготворил прекрасную модель, но совершенно отказался от штампов женской красоты, выработанных со времен Ренессанса.

Как и следовало ожидать, супруга мэра была возмущена такой вычурной и странной трактовкой ее образа. От покупки портрета она отказалась. Зато художественные достоинства холста сразу оценил Эдгар Дега, который стал первым владельцем картины.

...Что удивляет – так это пророческое мироощущение Гогена, словно заранее знавшего о грядущем взаимопроникновении мировых культур. Ведь в его работе четко просматриваются три культурологических «слоя» - бретонский, полинезийский и японский. Словно до постмодерна, устранившего культурно-иерархические барьеры, было уже рукой подать.


Анри Фантен-Латур (1836-1904)
УГОЛ СТОЛА
Henri Fantin-Latour «Le coin de table»
Зал № 15

Художник Анри Фантен-Латур был дружен с Эдуардом Мане и Уистлером, однако категорически отвергал новаторские приемы и технику живописи импрессионистов.
«Угол стола» - групповой портрет, написанный Фантен-Латуром в 1872 году в академичной манере, напоминающей старых мастеров. В те времена фотография делала лишь первые шаги, поэтому скрупулезная точность в воспроизведении малейших деталей придавала портретам Фантен-Латура определенную ценность – не столько художественную, сколько документальную. На картине изображены (слева направо): поэты Поль Верлен и Артюр Рембо, а правее - члены поэтической группы «Парнас» Э.Боннье, Л.Валад, Э.Бьемон, Ж. Экар, Э. д’Эрвилли и К.Пеллетан. Большинство из этих имен ни о чем не говорит нам сегодня. Другое дело – имена Верлена и Рембо...
18 марта 1872 года в «Дневнике» братьев Гонкуров появилась запись с описанием ателье Фантен-Латура: «Там ... на мольберте стоит огромная картина, где представлен апофеоз парнасцев [...]. В центре картины зияет пустое место ибо, как нам наивно сказал художник, кое-кто не пожелал фигурировать рядом с собратьями, которых считают сутенерами и ворами". Уточним: «пустое место» зияет не в центре картины, а в ее правом углу, где огромный букет цветов изображен вместо литератора Морена. В последний момент тот отказался позировать Фантен-Латуру, потому что не хотел фигурировать на одном полотне с возмутителями нравов Верленом и Рембо. В момент, когда писалась картина, в воздухе пахло скандалом: жена Верлена угрожала ему разводом, если он не прекратит «странную дружбу» с экстравагантным Артюром Рембо.
Впрочем, критики возмущались и по другому поводу. Вот что писал один из них: «Интересно, кто посоветовал г-ну Фантен-Латуру придать картине такие эпически-монументальные пропорции?.. Между претенциозными размерами полотна и сюжетом есть явная дисгармония, которая в конечном счете ужасно раздражает».


Анри Руссо (1844-1910)
ЗАКЛИНАТЕЛЬНИЦА ЗМЕЙ
Henri Rousseau «La Charmeuse de serpents»
Зал № 42

Как и Гоген, Анри Руссо занялся живописью, когда ему уже перевалило за сорок. Выйдя на пенсию, скромный служащий таможенной заставы у Ванвских ворот копировал картины старых мастеров в Лувре и сделал огромное количество рисунков, прежде чем приступить к созданию собственных полотен. Руссо был самодеятельным художником – никакого художественного образования он не получил. Картины его, впервые показанные парижской публике во время последней выставки импрессионистов, вызывали много насмешек, которые художник стоически переносил. Даже среди собратьев- художников мало кто воспринимал всерьез его «наивную» живопись (Поль Гоген и Валлотон, а позднее – Пикассо и Робер Делонэ).
Живопись Руссо – это мир грез и сновидений, переданных в «наивной» манере с нарушением элементарных законов перспективы. При желании можно увидеть в живописи Руссо ростки будущего сюрреализма, хотя это будет так же условно, как условно вообще деление живописи на те или иные «измы». Эпоха живописных школ и эстетических программ осталась позади, и термин «постимпрессионисты» обозначал не единомышленников, а всего лишь художников, принадлежавших к одному поколению.
Сюжет картины, как и изображенный на ней пейзаж – плод воображения художника, воспроизводящего вымышленный мир тропических джунглей, населенных диковинными животными, которые, как заколдованные, слушают звуки музыки. Даже неискушенного зрителя картина «Заклинательница змей» удивляет скрупулезным воспроизведением деталей и богатством живописных тонов (в картине использовано более 50 оттенков зеленого цвета).
Руссо любил рассказывать о своих поездках в Мексику, где он якобы и познакомился с экзотической растительностью. Но изучение архивов, оставшихся после смерти художника, показало, что за всю свою жизнь Руссо ни разу не покидал территории Франции. Аналогии и модели для диковинных растений он находил, скорее всего, в парижском Ботаническом саду, в Музее естественной истории и... в Лувре. Художественный прорыв Руссо заключался в принципиальном отказе от классических понятий западного искусства, корни которого уходят в античность. Впрочем, некоторые историки искусства не без иронии замечают, что нет оснований говорить о том, что Руссо сознательно порвал с традицией академической живописи, ибо порвать можно лишь с тем, чем ты в совершенстве овладел.

июль 2005 г., Борис Карпов, Инфранс

Все статьи о Париже
Зайти на форум ИнФранс

Ведущий рубрики "Ваш Париж" - Борис Карпов